Good Time

réalisé par Josh et Benny Safdie

avec Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Taliah Webster, Barkhad Abdi…

Thriller, policier américain. 1h40. 2017.

sortie française : 13 septembre 2017

interdit aux moins de 12 ans

Un braquage qui tourne mal… Connie réussit à s’enfuir mais son frère Nick est arrêté.
Alors que Connie tente de réunir la caution pour libérer son frère, une autre option s’offre à lui : le faire évader. Commence alors dans les bas-fonds de New York, une longue nuit sous adrénaline.

Good Time : Photo Robert Pattinson

Cela fait un petit moment que les frères Safdie ont réussi à se faire une place dans le cinéma indépendant américain. Jusqu’à présent, même s’ils ont leur petite réputation auprès d’une petite partie confidentielle de cinéphiles, leurs films avaient du mal à se faire connaître en France. La présentation de Good Time, présenté en compétition au festival de Cannes en mai dernier, a alors permis deux choses : tout d’abord, Cannes a permis aux réalisateurs de faire connaître leurs oeuvres à un plus large public. Puis, le talent de Robert Pattinson (dont la présence au casting – enfin une star dans un film des Safdie – a certainement aidé au film d’avoir une meilleure exposition) devient définitivement indéniable (après déjà cette année, dans un rôle secondaire, son interprétation brillante dans The Lost City of Z de James Gray). Avant de découvrir Good Time, ma (récente) expérience des frères Safdie se résumait à Lenny & The Kids qui m’a fortement déplu. Good Time est formellement très différent de celui-ci pour mon plus grand bonheur. Tout a l’air très simple dans ce film, aussi bien sa narration que sa mise en scène : pourtant justement, le long-métrage impressionne par cette apparente simplicité alors qu’en réalité on relève bien un travail bien plus recherché derrière. Tout a l’air d’aller de soi, tout est d’une grande fluidité : les éléments s’enchaînent avec logique tout en sachant surprendre ou faire réagir le spectateur quand il le faut, la caméra est proche des personnages tout en sachant prendre en compte ce New York pourri, misérable, et même malade, bien plus que la maladie de Nick. Ce sentiment correspond totalement à cette idée de temps qui s’écoule en peu de temps. Good Time a souvent été comparé à l’excellent After Hours de Martin Scorsese : tous deux se déroulent en quelques heures la nuit, les personnages ne se sortant jamais de leurs diverses péripéties, comme s’ils étaient dans une sorte de boucle, voire même une spirale infernale. Cela dit, la comparaison s’arrête-là : les Safdie ont su imposer leur ton rafraîchissant.

Good Time : Photo Robert Pattinson, Taliah Webster

L’hybridité (fonctionnant pratiquement tout le temps sur une dualité, qui rappelle aussi le duo fraternel) est présente sur différents niveaux : le ton est tragi-comique, le style vacille aussi entre le réalisme (le côté film fauché est perceptible) et une esthétique parfois flamboyante, fluorescente et électrique (les scènes dans le parc d’attraction qui prend étonnamment vie la nuit en est un exemple), le flamboyant traverse la nuit sombre, Connie passe même du brun au blond ou encore tout en étant moderne par son aspect expérimental, on ne peut s’empêcher à l’influence des polars des années 70. Ce chaos aurait pu donner un film hésitant, mais au contraire, ce qui frappe, c’est qu’on sent totalement où les réalisateurs amènent leur film finalement très structuré (la première et la dernière scène se répondent) même s’il n’en donne justement pas cette impression. Dire que le film est très rythmé pourrait passer pour un euphémisme : les espaces sont confinées, le montage est frénétique et on étouffe et on s’essouffle autant que les personnage (par contre, le rythme, lui, ne faiblit pas). J’avais peur que cette cadence me saoule mais finalement, même si on vit une véritable expérience d’une grande intensité, comme si on avait couru un marathon avec les personnages, le rythme (avec tout ce qui suit derrière, c’est-à-dire l’effet « trip ») n’est pas non plus usant ou insupportable : on prend du plaisir à être dans cette course remplie d’obstacles. Histoire intime et arrière-fond social se complètent également toujours avec pertinence. Il y a d’abord cette relation entre ces deux frères qui est très touchante jusqu’au générique final (avec la magnifique chanson The Pure and The Damned d’Iggy Pop) qui m’a bouleversée juste par quelques gestes et un regard (et je n’ai pas compris les gens qui quittaient la salle à ce moment-là). Connie aime son frère handicapé mental, c’est ce qui le rend profondément attachant. Mais par amour fraternel, le jeune homme, qui paiera son impatience, est capable de faire les pires conneries. Surtout, cet amour, aussi sincère soit-il, est toxique.

Good Time : Photo Robert Pattinson

Cette odyssée nocturne permet également de dresser un portrait peu reluisant de ce New York qui ne fait pas rêver avec ces dealers, ces drogués, ces paumés. Les réalisateurs ne jugent pas les personnages et ne cherchent pas non plus qu’on s’apitoie sur leur sort : ils n’excusent pas leurs actes mais ils les filment avec une certaine tendresse qui étonne face à ce flot de violence et d’énergie en permanence. Cette expérience, une sorte de trip dans un train-fantôme qui irait à fond la caisse, parvenant à ne pas se limiter à un simple exercice de style, réussit à prendre forme également par la bande-originale de Oneohtrix Point Never, récompensé par le prix du meilleur compositeur au Cannes Soundtrack. Le casting est également impeccable, que ce soit les professionnels ou les acteurs « débutants » (terme des réalisateurs qui détestent qu’on les appelle les « non professionnels »). On notera par ailleurs, pour la petite anecdote, que certains acteurs « débutants » se sont tout simplement de leur véritable profession (par exemple, l’avocat et le psychiatre). Robert Pattinson, qui choisit de mieux en mieux ses rôles et ses films est épatant dans le rôle de ce braqueur loser. Le co-réalisateur Benny Safdie, qui interprète Nick, ne démérite pas non plus face à un tel partenaire. Certains diront qu’il est un peu caricatural (il faut dire que, rien qu’au niveau du look, il n’est pas allé de main morte) mais j’y ai cru à fond en son personnage. Je ne sais pas si c’est son regard, qui a l’air vide mais paradoxalement exprime beaucoup de choses, qui m’a touchée mais son personnage, qu’on voit pourtant peu, et son interprétation, ne m’ont pas laissée indifférente. Good Time est donc pour moi un des meilleurs films de l’année, un film percutant et puissant sur l’urgence temporelle et sociale qui peut être aussi belle que destructrice.

Good Time : Photo

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American Honey / Monsieur et Madame Adelman

American Honey

réalisé par Andrea Arnold

avec Sasha Lane, Shia LaBeouf, Riley Keough…

Drame américain, britannique. 2h43. 2016.

sortie française : 8 février 2017

Star, 17 ans, croise le chemin de Jake et sa bande. Sillonant le midwest à bord d’un van, ils vivent de vente en porte à porte. En rupture totale avec sa famille, elle s’embarque dans l’aventure. Ce roadtrip, ponctué de rencontres, fêtes et arnaques lui apporte ce qu’elle cherche depuis toujours: la liberté ! Jusqu’à ce qu’elle tombe amoureuse de Jake, aussi charismatique que dangereux…

American Honey : Photo Sasha Lane, Shia LaBeouf

American Honey, récompensé par le prix du jury au festival de Cannes (le troisième même prix de la carrière de la réalisatrice britannique Andrea Arnold après Red Road et Fish Tank), est un film sur une jeunesse paumée qui m’a laissée perplexe. Je lui reconnais des qualités mais qui sont aussi des choses qui m’ont aussi gênée. Par exemple, la durée, c’est-à-dire pratiquement 2h45. D’un côté, je ne me suis pas ennuyée alors que je m’y attendais (et c’est principalement pour cette raison que je n’ai pas voulu me déplacer dans les salles) et je comprends la démarche de la réalisatrice : la longueur permet certainement de mieux représenter littéralement l’errance juvénile (déjà représentée par la forme même du film : le road movie). Les répétitions, cette lassitude de cette vie de nomade (les jeunes vivent d’hôtels en hôtels en se faisant passer pour des vendeurs de magazines) semblent être volontaires. Cela dit, au bout d’un moment, ces choix finissent par ne plus être aussi pertinents que prévu. Je suis certaine qu’on aurait pu garder cette idée d’errance notamment par la longueur sans étirer à tout prix la durée excessive et selon moi pas très justifiée par rapport à ce que la réalisatrice nous narre. Concernant le scénario, là encore je suis partagée. L’histoire en elle-même est crédible, la réalisatrice s’est bien renseignée et documentée sur son sujet et j’ai tendance à aimer les films au style réaliste : on est d’ailleurs parfois proche du « documentaire », la caméra étant très proche des acteurs et la lumière naturelle prenant souvent place dans le cadre. Mais finalement, et encore une fois, mon reproche est certainement lié à la durée. rien ne m’a réellement surprise dans le déroulement de l’histoire. Evidemment, Andrea Arnold expose des enchaînements narratifs logiques, on ne peut pas lui faire tous les reproches du monde, mais j’ai trouvé tous les événements très attendus. Reste tout de même des décors magnifiquement bien filmés, le tout sur une bande-originale bien choisie et qui a du sens par rapport aux différentes scènes. De plus le casting est parfait. La débutante Sasha Lane est fascinante de spontanéité, Shia Labeouf prouve également qu’il peut être excellent quand il est bien dirigé dans des films intéressants ou encore Riley Keough (même si j’ai du mal à comprendre comment un personnage aussi jeune qu’elle puisse avoir autant de pouvoir sur des jeunes de son âge) est remarquable. A noter aussi de très bonnes interprétations de la part du reste de la troupe, pratiquement tous des non-professionnels.

American Honey : Photo Riley Keough, Shia LaBeouf


Monsieur et Madame Adelman

réalisé par Nicolas Bedos

avec Doria Tillier, Nicolas Bedos, Antoine Gouy, Denis Podalydès, Christiane Millet, Pierre Arditi, Zabou Breitman, Julien Boisselier…

Comédie dramatique française. 2h. 2016.

sortie française : 8 mars 2017

Comment Sarah et Victor ont-ils fait pour se supporter pendant plus de 45 ans ? Qui était vraiment cette femme énigmatique vivant dans l’ombre de son mari ?
Amour et ambition, trahisons et secrets nourrissent cette odyssée d’un couple hors du commun, traversant avec nous petite et grande histoire du dernier siècle.

Monsieur & Madame Adelman : Photo Doria Tillier, Nicolas Bedos

On connait davantage Nicolas Bedos le personnage public télé imbuvable que l’artiste (chroniqueur aussi dans la presse, dramaturge, écrivain, scénariste et acteur). Bedos passe désormais derrière la caméra avec Monsieur et Madame Adelman. Il a co-écrit le scénario avec Doria Tillier, connue pour avoir été une des Miss Météo dans l’émission de Canal + Le Grand Journal. Les deux, apparemment toujours en couple (information certes people mais qui peut être intéressante si on la lie au contenu du film), se sont également attribués les rôles principaux (les fameux Adelman du titre). Ainsi, Bedos et Tillier nous présentent l’histoire d’amour avec ses hauts et ses bas (surtout ses bas) d’un couple sur 45 ans. Victor, qui a emprunté le nom de sa femme dans le cadre de sa profession (« plus juif » parce que ça fait « plus Philip Roth » selon lui), est un écrivain qui galère quand il rencontre Sarah. Mais Sarah a fait des études de lettres à la Sorbonne : c’est elle qui va l’aider à mieux écrire ses romans, à lui donner des suggestions pertinentes notamment pour ses tournures de phrases etc… Au-delà d’un regard assez sombre et touchant sur les relations amoureuses face au temps à partir d’une fresque parfois parodiée avec un humour noir décapant et surprenant (les relations sexuelles sont complètement nulles, la fille des Adelman est insupportable, le fils est un handicapé mental rejeté par le couple Adelman pour son handicap justement !), Monsieur et Madame Adelman interroge intelligemment également sur les rapports entre l’écrivain et sa muse, et sur la femme de l’ombre laissant place au mari artiste. Le film, qui propose un twist plutôt saisissant, est également convaincant dans ses scènes mélancoliques. Cela dit, en dehors de ses moments justement assez cyniques qui prouvent justement que Bedos et Tillier sont capables de jouer avec les codes, on n’échappe pas totalement quelques clichés habituels hystériques. J’avoue avoir eu peur de revoir Mon Roi. Pour sa première réalisation, Bedos s’en sort en tout cas remarquablement bien. Mais c’est surtout l’écriture qui surprend davantage. Les interprétations sont également solides. Bedos et Tillier, qui se fondent merveilleusement dans les différents costumes (on sent que le déguisement les éclate : justement, le projet de ce film est né suite à leur amour pour se déguiser et l’improvisation), le tout dans des décors soignés, sont excellents même si Tillier a tendance à piquer la vedette à son partenaire. Ils ont également su communiquer leur évidente complicité à l’écran. Monsieur et Madame Adelman n’est peut-être pas le grand film qu’il aurait pu être, il lui manque ce quelque chose pour qu’on y adhère totalement mais il reste plutôt pertinent et on a bien envie de voir d’autres projets cinématographiques de Tillier et Bedos.

Monsieur & Madame Adelman : Photo Doria Tillier, Nicolas Bedos

Dunkerque

réalisé par Christopher Nolan

avec Fionn Whitehead, Mark Rylance, Tom Hardy, Cillian Murphy, Kenneth Branagh, Harry Styles, Barry Keoghan, Aneurin Barnard, Jack Lowden, James d’Arcy…

titre original : Dunkirk

Guerre, historique, drame britannique, américain, français. 1h47. 2017.

sortie française : 19 juillet 2017

Au début de la Seconde Guerre Mondiale, en mai 1940, environ 400 000 soldats britanniques, canadiens, français et belges se retrouvent encerclés par les troupes allemandes dans la poche de Dunkerque. L’opération Dynamo est mise en place pour évacuer le Corps expéditionnaire britannique vers l’Angleterre.

L’histoire s’intéresse aux destins croisés des soldats, pilotes, marins et civils anglais durant l’opération Dynamo. Alors que le CEB est évacué par le port et les plages de Dunkerque, trois soldats, Tommy, Gibson et Alex, arrivent à embarquer sous les bombardements, avec un peu d’ingéniosité et de chance. Mais un autre périple les attend : la traversée du détroit du Pas de Calais. De l’autre côté de la Manche, Mr. Dawson, un propriétaire de bateau de plaisance, prépare avec son fils cadet, Peter, et un jeune garçon, George, la réquisition de son embarcation par la Royal Navy. Enfin, dans les cieux, trois pilotes britanniques, dont Collins et Farrier, sont en route pour Dunkerque, avec pour mission couvrir l’évacuation contre les chasseurs et bombardiers allemands, tout en surveillant leurs réserves de carburant. (source : Wikipedia)

Dunkerque : Photo Fionn Whitehead

Christopher Nolan (dont ses films peuvent autant m’énerver que me fasciner) est décidément un véritable touche-à-tout ne manquant pas d’ambition. Après le thriller, la science-fiction et le film de super-héros, le réalisateur britannique s’attaque au film de guerre, sur un épisode assez méconnu : celui de l’opération Dynamo. Nolan retrace à sa façon ses quelques jours (neuf même si le film ne nous le précise pas) insoutenables qui auraient pu tourner à la pure catastrophe. Bourré de références cinématographiques et littéraires (Kafka, Conrad) selon son réalisateur, et surtout principalement inspiré par Le Salaire de la Peur d’Henri-Georges Clouzot, Dunkerque n’est en tout cas pas le film de guerre le plus sanglant possible. L’image, très appuyée par une dominance de couleurs froides, a l’air plutôt propre par rapport à ce qu’on attend du genre. Si je comprends le reproche en question, cela n’empêche Dunkerque d’être violent à sa façon et d’être sans cesse sous tension via un rythme soutenu et une durée concise. Surtout, je ne pense pas que cela soit incompatible avec le projet global du film et les obsessions de Nolan présentes depuis le début de sa carrière. Certains ont certainement été déçus parce qu’ils s’attendaient à revoir certains codes du genre. Or, Nolan le dit clairement : s’il nous montre un épisode de guerre, son film n’est pas un pur film de guerre. Nolan a préféré se réapproprier ce genre pour l’amener vers autre chose et son univers. Le temps et l’espace sont deux motifs chers au réalisateur qu’il a su exploiter dans son nouveau long-métrage. Les deux seront alors étroitement liés dans la construction même d’une narration décousue. Ainsi, elle est divisée sur trois chronologies elles-mêmes nettement identifiées par des termes : « Une semaine », « Un jour » et « Une heure ». Et ces trois chronologies correspondent respectivement à des espaces identifiables (en tout cas au départ) : la terre, la mer et l’air. Et on peut même décliner ce trio avec les notions temporelles suivantes : le passé, le présent et le futur. Il ne s’agit pas à proprement parler de flashback ou de flashforward. En réalité, il s’agit plutôt d’une superposition de trois chronologies qui finissent par se rejoindre pour n’en former qu’une seule. Cette construction fonctionne comme une horloge (les « Tic tac » en fond sonore iraient dans ce sens) qui rappelle à quel point le temps est compté dans des situations d’urgence : la vie et la mort sont certainement les connecteurs essentiels du temps et de l’espace : relier Dunkerque à la science-fiction n’aurait rien d’irrationnel.

Dunkerque : Photo Fionn Whitehead

Tout ce procédé aurait pu être gratuit et superficiel, juste pour exposer du savoir-faire dans un exercice de style, il n’en est rien : au contraire, ce montage parfaitement maîtrisé prend sans cesse son sens au fur et à mesure des scènes. On pourra toujours dire que cette forme cache un scénario simple. Il est certain qu’il l’est et Nolan n’a jamais menti sur le minimalisme de son récit. Peut-être que cela n’excuse pas certains trous historiques mais ce choix reste tout de même cohérent par rapport à la proposition d’origine du réalisateur, tenté de tourner sans scénario pour mieux se concentrer sur le ressenti. Un choix risqué, qui aurait pu faire couler tout son film mais qui est finalement payant. Peut-être justement que son film ne s’effondre pas parce que ses trois unités de temps entremêlées construisent cette narration assez basique sur le papier. Au-delà de son efficacité, Nolan propose alors une oeuvre cohérente sur des hommes qui font une course contre la montre pour leur survie et celle des autres. Ces hommes en question (incarnés par une distribution charismatique de qualité, que ce soit par les plus reconnus ou les méconnus), que ce soit des soldats ou de simples civils, sont des silhouettes, des gens qui n’ont pratiquement pas de nom (ou quand ils en ont, on ne les retient pas – ils sont d’une simplicité), tous des sortes de soldats inconnus. Il est certain que ce manque de profondeur des personnages peut titiller voire même déranger. Pourtant, toujours grâce à l’intensité de l’expérience, le spectateur en immersion se sentira proche des personnages dans le sens où il aura le sentiment de l’accompagner dans sa douleur, ses doutes et ses peurs. Le vrai personnage principal de Dunkerque est la musique de Hans Zimmer. Elle est omniprésente mais n’est étonnamment pas si envahissante que ça (surtout quand on connait le travail de Zimmer par le passé), exprimant à elle-seule les sentiments et pensées des personnages, très peu bavards et dont on ne sait pas grand-chose sur eux. Dans l’ensemble, même si on pourra éventuellement discuter de certains points qui pourraient être problématiques mais qui contribuent paradoxalement à la force, Dunkerque réussit à ne pas être une simple démonstration technique et esthétique. En 1h47 (ce qui est reste relativement court non seulement pour un gros film actuel, mais aussi pour un film de guerre et surtout pour un Nolan), le réalisateur de The Dark Knight et Memento propose une oeuvre expérimentale et même physique forte en émotion qui mérite d’être vue et surtout vécue.

Dunkerque : Photo Tom Hardy

Miss Peregrine et les enfants particuliers

réalisé par Tim Burton

avec Eva Green, Asa Butterfield, Ella Purnell, Samuel L. Jackson, Terence Stamp, Rupert Everett, Judi Dench, Allison Janney, Chris O’Dowd, Kim Dickens, Finlay MacMillan…

titre original : Miss Peregrine’s Home For Peculiar Children

Film fantastique américain, britannique, belge. 2h07. 2016.

sortie française : 5 octobre 2016

miss

À la mort de son grand-père, Jacob découvre les indices et l’existence d’un monde mystérieux qui le mène dans un lieu magique : la Maison de Miss Peregrine pour Enfants Particuliers. Mais le mystère et le danger s’amplifient quand il apprend à connaître les résidents, leurs étranges pouvoirs …  et leurs puissants ennemis. Finalement, Jacob découvre que seule sa propre « particularité » peut sauver ses nouveaux amis.

Miss Peregrine et les enfants particuliers : Photo Asa Butterfield, Ella Purnell, Eva Green, Lauren McCrostie, Pixie Davies

En dehors de quelques exceptions (qui ne sont cependant pas des chefs-d’oeuvre, je pense notamment, en ce qui me concerne, à Sweeney Todd), ça fait depuis pratiquement une quinzaine d’années que Tim Burton n’a plus d’inspiration, qu’il se recycle (et pourtant il a été longtemps un de mes réalisateurs préférés). Mais chez moi, malgré les déceptions que j’ai pu avoir ces dernières années, un Tim Burton suscite encore un intérêt chez moi, c’est toujours un événement. J’attends (faussement) naïvement son prochain vrai bijou. Cette fois-ci il adapte best-seller de l’auteur américain Ransom Riggs. Je me suis procurée le bouquin il y a déjà deux mois mais je vois l’adaptation de Burton, je n’ai pour l’instant pas envie de le lire même si j’ai peut-être tort ! Quand on n’a pas lu le bouquin qui sert de matériau, il est toujours difficile de savoir si le problème d’un film vient du texte d’origine ou du travail d’adaptation même si à ce stade-là je me dis que ça doit probablement venir des deux, d’où maintenant ma méfiance envers le roman (en réalité une trilogie). Cela me fait de la peine au fond de ne pas avoir accroché car je dois reconnaître qu’on reconnait par moments la patte de Tim Burton même si encore une fois je trouve qu’il recycle beaucoup d’idées. On sait par exemple son intérêt pour la photographie, en particulier pour les clichés étranges et même effrayants. Ca se ressent à l’écran et ça crée – heureusement – un joli moment cinématographique. Par ailleurs, on retrouve ces photographies dans l’ouvrage de Riggs. Je pense aussi à cette scène folle (une des meilleures du film même si les figurants ont l’air de faire leur jogging !) au parc d’attraction avec les squelettes qui débarquent et un caméo sympathique de Tim Burton himself ! Enfin, dans les thèmes abordés, on retrouve de nouveau des thèmes qui lui sont chers : la différence, le monde de l’enfance (et le passage vers l’âge adulte), le monstre ou encore la mort. Oui, les thèmes sont effectivement riches mais hélas on ne fait que les survoler. C’est forcément frustrant de passer à côté d’une éventuelle profondeur.

Miss Peregrine et les enfants particuliers : Photo Asa Butterfield, Eva Green

Au-delà de la non-exploitation des thèmes, ce qui m’a à la fois frustrée et foutue en boule, l’histoire ne m’a pas plus emballée que ça (d’où aussi mon appréhension pour découvrir le bouquin). Il faut dire qu’on met une plombe pour entrer dans l’histoire. La première partie ? On se dit tout le long « ah ce gosse, il aimait son grand-père ! Il est braaaave ». Puis une fois qu’on a vraiment découvert Miss Peregrine, les gosses, la maison, le voyage dans le temps et tout le reste qui va avec, sans aucune raison, il y a absolument tout qui s’enchaîne… Mais limite trop ! Je n’ai rien contre le fantastique, loin de là, mais on a vraiment l’impression de passer d’un monde à l’autre (du réel actuel sans magie et sombre à un autre très coloré dans un autre temps avec les bizarreries et autres choses merveilleuses) sans réelle transition. Limite on passe du coq à l’âne ! Surtout dans la deuxième partie, tout s’accélère au point qu’on ne comprend pas toujours tout ce qui se passe (ou alors je passe pour une demeurée… ce que je peux accepter !) ! On voit plein de monstres débouler à droite et à gauche, ça m’a fatiguée ! J’ai trouvé ça faussement compliqué cette histoire de boucle dans le temps, pas forcément très bien expliquée non plus. Surtout, je n’ai pas spécialement compris l’intérêt des particularités des enfants. Oui, on a compris le message autour de la différence voire même autour des victimes de la guerre, du nazisme notamment. Mais je ne trouve pas les pouvoirs de chacun très bien exploités. On a un peu l’impression que certains ont des pouvoirs parce que c’est cool mais au fond, en dehors d’une seule scène, on ne comprend pas trop leur utilité ni l’intérêt, même en ce qui concerne le héros. Pour certains (je pense notamment à Enoch ce chieur ou encore les jumeaux), on met une plombe à connaître leurs pouvoirs. La particularité des enfants m’a semblé du coup assez superficielle. On notera aussi au passage quelques incohérences notamment une liée aux chaussures de plomb d’Emma (un objet assez unique qu’on ne trouve pas comme ça dans un supermarché), celle qui peut s’envoler comme un ballon. Du genre, Burton prend le temps de nous montrer qu’elle ne les a plus, qu’elle les abandonne, que Jake la transporte juste après avec une corde vu qu’elle n’a plus de chaussures. Là on se dit « chouette, il a fait attention ». Et deux scènes plus tard, BIM ! Tu ne sais pas d’où elle les sort mais la meuf a soudainement retrouvé ses pompes !

Miss Peregrine et les enfants particuliers : Photo

J’ai envie de dire du bien d’Eva Green (que j’aime de plus en plus alors qu’il y a quelques années j’avais du mal avec elle). Oui, elle joue bien, elle correspond bien à l’univers de Burton (sa deuxième incursion après le pas très bon Dark Shadows). Son interprétation est bonne, l’actrice est très charismatique, j’aime son côté sombre et sorti d’un autre temps, je n’ai pas de reproche à lui faire, le job est plus que bien fait. Je ne sais pas du tout comment apparaît son personnage dans le roman, je comprends aussi l’envie de mettre en avant les enfants particuliers. Mais on la voit tellement trop peu ! On a presque envie d’inscrire en premier dans le générique « Un oiseau » ! Le reste du casting ne m’a pas tellement impressionnée pour ne pas dire déçue. Pourtant, j’aime beaucoup certains acteurs. Par exemple, en méchant avec des yeux blancs et des dents de monstre sorti d’un dessin pour gosse, Samuel L. Jackson cabotine énormément ! J’ai également beaucoup de sympathie depuis un moment pour le jeune Asa Butterfield, on sait depuis un moment qu’il a du potentiel et pourrait avoir une carrière intéressante s’il ne fait pas trop de conneries. Mais là sans dire qu’il joue comme un pied, il ne m’a pas totalement convaincue, mais je pense que le personnage en lui-même n’est finalement pas très intéressant (en dehors de « c’est choupi, il aime son papi ! »). Le reste du casting n’est pas forcément mauvais mais je dirais que c’est sans plus, les acteurs passent, ils sont à peu près contents d’être dans le nouveau Tim Burton parce que, quand même, c’est Tim Burton, ils font donc le job. Seul Terence Stamp sort finalement un peu du lot. Pour sauver tout ça, en dehors de quelques thèmes intéressants mais qui auraient pu être mieux traités, de quelques scènes tout de même amusantes et pas trop mal foutues, je dois tout de même reconnaître un travail esthétique. Rien que visuellement on parvient à faire une distinction entre les deux mondes. Encore une fois on va aussi revenir au lien avec la photographie : il y a des scènes où on voit effectivement bien ce rapport et en général ces aspects sont plutôt bien mis en valeur (même s’il n’y en a pas des masses non plus).

Miss Peregrine et les enfants particuliers : Photo Eva Green

A la poursuite de demain

réalisé par Brad Bird

avec George Clooney, Britt Robertson, Hugh Laurie, Raffey Cassidy, Tim McGraw, Kathryn Hahn, Keegan-Michael Key, Chris Bauer, Judy Greer, Thomas Robinson, Mathieu Lardier…

titre original : Tomorrowland

Film de science-fiction, aventure américain. 2h10. 2015.

sortie française : 20 mai 2015

À la poursuite de demain

Casey, une adolescente brillante et optimiste, douée d’une grande curiosité scientifique et Frank, un homme qui fut autrefois un jeune inventeur de génie avant de perdre ses illusions, s’embarquent pour une périlleuse mission. Leur but : découvrir les secrets d’un lieu mystérieux du nom de Tomorrowland, un endroit situé quelque part dans le temps et l’espace, qui ne semble exister que dans leur mémoire commune… Ce qu’ils y feront changera à jamais la face du monde… et leur propre destin !

À la poursuite de demain : Photo Britt Robertson

A la poursuite de demain s’inspire de la section futuriste « Tomorrowland », commune aux parcs Disneyland dans le monde. Brad Bird, surtout habitué aux films d’animation (Les Indestructibles en 2004, Ratatouille en 2007), réalise ici son deuxième film de fiction (après Mission Impossible : Protocole Fantôme en 2011). Je n’attendais pas spécialement ce film mais je dois avouer que j’aimais l’idée de découvrir un film « original », c’est-à-dire qu’il ne s’agissait pas d’un remake, d’une suite ou d’un préquel. Surtout, je suis allée le voir dans le but de me divertir. Hélas, A la poursuite de demain n’est pas pour moi l’un des grands divertissements de l’année annoncé depuis des mois. Je n’ai pas forcément détesté le film, il y a des choses très louables dans ce film et on sent derrière l’implication et la sincérité de Brad Bird, qui a préféré ne pas réaliser le prochain Star Wars pour se consacrer à ce film. Mais beaucoup de choses m’ont tout de même dérangée, on va dire que j’ai trouvé le film moyen et très oubliable. Tout d’abord, je me suis tout de même beaucoup ennuyée, surtout dans la première partie du film. J’avais l’impression que le film ne démarrait jamais, le scénario aurait dû, à mon avis, recentrer certaines choses, au lieu de faire du blabla inutile (notamment le fait qu’on voit au début George Clooney et Britt Robertson présenter leur histoire, puis après il n’y a aucun retour dans cette narration mise en place). Le parallèle entre les deux personnages n’est pas très réussi, on a presque l’impression de voir deux films en un tellement que les histoires des deux personnages ont du mal à coller ensemble. Je dois avouer que j’étais à deux doigts de m’endormir au bout d’un moment (et hélas, les nombreux placements de produit ne permettent pas de nous tenir éveiller). La personne qui m’a accompagnée s’est d’ailleurs endormie tout comme d’autres personnes dans la salle, ce qui ne m’a pas du tout étonnée. J’ai d’ailleurs essayé de me mettre à la place des mômes dans la salle. On sait très bien que leur temps de concentration est assez faible, je pense que le film a dû leur paraître très long (et à mon avis pas toujours compréhensible en plus alors que les enfants font tout de même partie du public visé – malgré une lecture adulte).

À la poursuite de demain : Photo Britt Robertson

C’est dommage car la seconde partie du film est plus active et plus réussie, heureusement elle relève pour moi un peu le niveau. En effet, je dois avouer que les scènes d’action en jettent vraiment, elles sont bien calibrées, les effets spéciaux sont bluffants, les décors sont époustouflants, il y a également une dose d’humour juste comme il en faut. Ceci dit, si je peux me permettre, malgré les moyens déployer qui permettent aux spectateurs de retourner en enfance, d’être émerveillés par les images projetées (et je fais partie de ces spectateurs en question), j’ai tout de même trouvé le film un peu désuet (je parle ici dans le mauvais sens du terme). Attention, j’aime les films qui sont « vintage » ou qui rendent hommage à certaines périodes etc… Mais là, pour caricaturer mon idée, il y a un moment où j’ai l’impression que le film était arrivé un peu après la bataille, c’est assez étrange comme sensation, ça tue presque l’originalité du film. Heureusement, pour dissimuler ce sentiment, j’ai pu me rattraper sur le « message » qui est finalement à contre-courant de ce que les films « futuristes » nous proposent actuellement. Brad Bird nous présente avec honnêteté ce que nous faisons à la planète mais le pessimisme ne sauvera pas la Terre. En revanche, sans prétendre apporter de solutions concrètes, l’optimisme, l’imagination et la solidarité nous aideront à reprendre notre planète en main. Cela dit, Brad Bird confond parfois optimisme et niaiserie. La fin en est un parfait exemple : et vas-y la musique très lourdingue de Michael Giacchino (déjà que sa musique m’avait saoulée dans Jupiter Ascending) à fond les ballons en nous présentant des gens des quatre coins de la planète avec des phrases vraiment au ras des pâquerettes ! Malgré un spectacle qui ne m’a pas totalement satisfaite, le casting m’a tout de même plutôt emballé. Le duo entre George Clooney et Britt Robertson (sosie officiel de Jennifer Lawrence ?) fonctionne très bien et même si on ne le voit pas beaucoup, j’ai beaucoup apprécié voir Hugh Laurie dans le rôle du méchant. Cependant, à mon avis, la vraie bonne surprise de ce film est la jeune Raffey Cassidy, qui joue son rôle avec plus de nuances et apporte un peu d’émotion.

À la poursuite de demain : Photo George Clooney, Raffey Cassidy

Une merveilleuse histoire du temps

réalisé par James Marsh

avec Eddie Redmayne, Felicity Jones, David Thewlis, Charlie Cox, Emily Watson, Harry Lloyd, Simon McBurney…

titre original : The Theory of Everything

Biopic, drame britannique. 2h03. 2014.

sortie française : 21 janvier 2015

Une merveilleuse histoire du temps

1963, en Angleterre, Stephen, brillant étudiant en Cosmologie à l’Université de Cambridge, entend bien donner une réponse simple et efficace au mystère de la création de l’univers. De nouveaux horizons s’ouvrent quand il tombe amoureux d’une étudiante en art, Jane Wilde. Mais le jeune homme, alors dans la fleur de l’âge, se heurte à un diagnostic implacable : une dystrophie neuromusculaire plus connue sous le nom de maladie de Charcot va s’attaquer à ses membres, sa motricité, et son élocution, et finira par le tuer en l’espace de deux ans.
Grâce à l’amour indéfectible, le courage et la résolution de Jane, qu’il épouse contre toute attente, ils entament tous les deux un nouveau combat afin de repousser l’inéluctable. Jane l’encourage à terminer son doctorat, et alors qu’ils commencent une vie de famille, Stephen, doctorat en poche va s’attaquer aux recherches sur ce qu’il a de plus précieux : le temps.
Alors que son corps se dégrade, son cerveau fait reculer les frontières les plus éloignées de la physique. Ensemble, ils vont révolutionner le monde de la médecine et de la science, pour aller au-delà de ce qu’ils auraient pu imaginer : le vingt et unième siècle.

Une merveilleuse histoire du temps : Photo Eddie Redmayne, Felicity Jones

Je ne m’intéresse pas spécifiquement à la science (ai-je besoin de rappeler ma note en svt/physique au bac ?), cependant, comme beaucoup de gens, j’ai toujours eu de l’admiration envers Stephen Hawking. Au-delà de son combat contre la maladie et le handicap, il a su vulgariser son travail qui ne parle pas forcément à tous à l’origine. Il est même devenu quelque part une icône de la culture geek. Que Hollywood fasse un film sur lui est alors logique. En 2004, Benedict Cumberbatch interprétait Hawking dans un téléfilm de la BBC (j’ai acheté le dvd d’ailleurs samedi dernier, je verrais bien ce que ça peut donner). Ce biopic, cette fois-ci purement cinématographique, est une adaptation de l’ouvrage de l’épouse du scientifique, Jane Hawking, intitulé Travelling to Infinity: My Life with Stephen. J’étais à la fois curieuse de découvrir un film sur ce personnage emblématique et en même temps je dois avouer que je redoutais le résultat. En effet, je ne suis pas spécialement une fan des biopics et traiter le handicap n’est jamais évident, on peut très vite tomber dans le tire-larmes. La présence de James Marsh derrière la caméra ne me réjouissait également car son précédent long-métrage, Shadow Dancer (avec Clive Owen, Andrea Riseborough et Gillian Anderson), n’était pas mauvais mais était selon moi décevant, notamment au niveau de la mise en scène. Puis, l’affiche française ne m’inspirait pas vraiment (alors que les affiches internationales sont bien plus jolies). De plus, malgré de bonnes notes sur Imdb et Allocine, j’avais tout de même lu des critiques peu sympathiques envers ce film. J’avais besoin d’en avoir le coeur net et de voir si ce cher Eddie Redmayne mérite son Oscar. Une merveilleuse histoire du temps est finalement une agréable bonne surprise. Je m’attendais à un film très larmoyant, mais en réalité je l’ai trouvé très émouvant mais sans jamais avoir eu l’impression qu’on nous tendait un couteau sous la gorge pour qu’on chiale. Il est même subtil et pudique.

Une merveilleuse histoire du temps : Photo Eddie Redmayne

Ceux qui s’intéressent aux sciences seront évidemment déçus. Nous ne sommes pas dans Interstellar ou dans la série Numbers, cependant ce film ne prétend pas surfer sur cette même vague. De plus, même s’il présente un personnage connu, le résumer à un simple biopic serait un peu réducteur. Il est important de rappeler qu’il ne s’agit d’ailleurs pas à proprement parler d’un portrait de Stephen Hawking mais en réalité de sa relation avec sa femme Jane Wilde. Il y a des moments où on pense à cette expression : « derrière chaque grand homme se cache une femme ». Le long-métrage a été vendu comme une grande romance un peu mielleuse. Pourtant, même si l’amour est évidemment au coeur de ce film, il n’est pas non plus présenté comme quelque chose de tout rose et de mignon. Contrairement à ce qu’on pourrait attendre d’un « biopic », les personnages ne sont pas idéalisés. Stephen Hawking est certes présenté comme un génie, c’est clairement un personnage attachant, qui a de l’humour même dans les circonstances les plus difficiles mais il s’est quand même barré avec son infirmière et on peut même dire qu’il a délaissé son épouse pour son amour pour la science. Quant à Jane, elle est clairement attirée par un homme d’église et il y a des moments où on a l’impression de voir un ménage à trois. De plus, l’amour est dès le début présenté comme un combat difficile à gagner sur le long terme à cause du handicap, plutôt bien exploité dans le film (on voit bien l’évolution de la maladie) même si ce n’est pas la première fois qu’on voit ce thème au cinéma. Ainsi, malgré une relation qui va se détériorer, grâce à la force de l’amour, Stephen Hawking, réussit à devenir le grand scientifique qu’il espérait être. Au-delà de l’amour dégagé tout au long du film, il s’agit aussi d’un film sur la quête du bonheur. Ce bonheur, malgré les réels moments de désespoir, a pu exister puisque les personnages ne combattent pas uniquement la maladie mais aussi le temps. Cette question du temps n’a jamais été oubliée par la mise en scène. En apparence, elle est classique (dans le bon sens du terme – et oui, à l’origine, ce n’est pas une insulte) et pourtant James Marsh a réussi à ne pas la rendre plate. Au contraire, discrètement mais efficacement, il joue sans cesse sur des mouvements circulaires, liés avec le thème du temps. Finalement, pour une production de ce genre, Marsh s’en sort bien mieux qu’avec un petit film indé ! J’ai également énormément aimé la bande-originale (que j’écoute sans cesse en ce moment) composée par le musicien islandais Jóhann Jóhannsson, qui a remporté un Golden Globe mérité pour son travail.

Une merveilleuse histoire du temps : Photo Felicity Jones

Enfin, Une merveilleuse histoire du temps est porté par un très beau couple d’acteurs. Jusqu’à présent, Eddie Redmayne était un acteur que je ne trouvais pas forcément mauvais mais il me laissait indifférente. Puis, récemment, quand j’ai vu sa pitoyable prestation dans Jupiter Ascending (vous savez, le film des Wachowski que je déteste tant), je me suis sérieusement inquiétée : je me suis dit (comme beaucoup de gens, j’imagine), « oooh ça y est, on lui file un Oscar parce qu’il joue Hawking, un handicapé » etc… Sur le papier, effectivement, Redmayne avait tout pour être le favori. Mais après avoir vu le film, je comprends parfaitement qu’il ait remporté l’Oscar, cette récompense est selon moi amplement méritée. Sans mauvais jeux de mots, je l’ai trouvé merveilleux. Il ne se contente pas simplement de jouer un homme qui perd peu à peu le contrôle de son corps. Contrairement à beaucoup d’acteurs qui interprètent des personnages connus (en ce qui me concerne, Cotillard dans La Môme), je ne me suis jamais dit que Redmayne était en train d’interpréter Stephen Hawking. C’était pour moi une évidence : j’ai vu Hawking devant moi pendant deux heures. De plus, au-delà d’un incroyable travail corporel et vocal, Redmayne a un regard terriblement expressif. On perçoit chez lui tant de malice et d’humanité, et c’est ce qui rend ce personnage si attachant et cette interprétation si émouvante. Je n’aurais jamais cru que je serais si émue par un regard. Sa partenaire Felicity Jones n’a pas été récompensée par les Oscars et honnêtement cela m’a paru injuste. Certes, je n’ai pas encore vu la performance de Julianne Moore (je suis à la fois heureuse de voir la belle rouquine enfin reconnue mais j’avoue, je redoute Still Alice et jusqu’à présent je soutenais Rosamund Pike pour le prix tant convoité. Mais après vu ce film, c’est Jones qui méritait de repartir avec la statuette. Son rôle est sur le papier moins impressionnant que celui tenu par Redmayne, pourtant il n’est pas non plus facile. Elle réussit ici à montrer une très large palette d’émotions sans jamais en faire des caisses. Maintenant je compte vraiment suivre de près la carrière de ces deux acteurs…

Une merveilleuse histoire du temps : Photo Eddie Redmayne