[MC2018] A Taxi Driver

réalisé par Jang Hoon

avec Song Kang-ho, Thomas Kretschmann, Yoo Hae-jin…

Drame historique coréen. 2h17. 2017.

titre original : Taeksi woonjunsa

sortie française  : 24 octobre 2017

Un film ni américain ni européen 

En 1980, un journaliste allemand est à Séoul pour faire son reportage sur le soulèvement  étudiant et syndical de Gwangju, s’opposant à la dictature de Chun Doo-hwan. Pour s’y rendre, il est obligé de prendre un taxi…

A Taxi Driver : Photo

A Taxi Driver (à ne pas confondre avec le chef-d’oeuvre de Martin Scorsese qui porte – presque – le même titre) est passé inaperçu en France et c’est pourtant si dommage étant donné qu’il vaut véritablement le coup d’oeil. Je ne peux qu’encourager les fans assidus de cinéma coréen à découvrir ce long-métrage qui a remporté un grand succès en Corée du Sud, en devenant même premier du box-office de 2017 avec ses 12 millions de spectateurs dans les salles là-bas. C’est tellement dommage qu’il ait eu une sortie aussi confidentielle. Il est tiré d’une histoire vraie, méconnue en Europe : le journaliste allemand Jürgen Hinzpeter se rend à Gwangju pour filmer les violentes luttes étudiantes et syndicales se déroulant en 1980. Face aux routes barrées par le gouvernement, il a besoin de quelqu’un connaissant bien le pays pour le conduire à sa destination. Il va donc faire appel à un certain « Kim Sa-bok », en tout cas c’est le nom qu’il lui donne. En réalité, on ne connaîtra jamais l’identité de ce chauffeur de taxi du titre qui a participé à la diffusion des images de ce soulèvement (d’où l’intérêt de l’article indéfini « un » dans le titre). Même la production du film n’a pas réussi à retrouver la trace de cet homme entré malgré lui dans l’histoire et préférant retourner dans l’anonymat. A Taxi Driver surprend pour son mélange de tons (sans vouloir faire de généralités, je constate qu’il s’agit pratiquement d’une « habitude » dans le cinéma coréen contemporain mais qui continue toujours de surprendre). Il commence sur un ton léger, voire même comique, même si la vie du Taxi Driver n’a rien de facile non plus : les personnages principaux sont encore loin des événements, ce ton impliquant alors une certaine distance avec la révolte à Gwangju. Il y a pratiquement un côté absurde dans la situation du chauffeur de taxi, peu informé dans ce qui se passe dans son propre pays : c’est finalement la figure de l’étranger qui va lui ouvrir les yeux. Le but n’est évidemment pas de dire que les Occidentaux sont supérieurs ou quoi que ce soit, mais de pointer du doigt le manque de communication en Corée pour mieux contrôler sa population.

A Taxi Driver : Photo

Petit à petit, le long-métrage prend une direction plus dramatique lorsque les protagonistes sont arrivés à leur destination, dans un climat de violence (loin des petites chamailleries nous faisant décrocher quelques sourires dans la première partie), réalisant les contestations des étudiants face au régime mis en place. Enfin, via un procédé peut-être parfois facile par moments, appuyant alors sur la véracité de l’histoire (notamment en nous exposant des images hors de la fiction), A Taxi Driver devient poignant dans sa troisième partie (je traduis : j’ai encore pleuré). Au-delà de nous livrer une réflexion intéressante mêlée à une vive émotion finale, le long-métrage porte un regard pertinent sur la question de l’héroïsme. Qui sont les véritables héros ? Ceux qui font connaître les grandes histoires ? Ceux qui y participent et y sont au premier plan ? Ceux de l’ombre ? A-t-on besoin d’être reconnu comme un héros pour en être un ? Rythmée, intense, sachant prendre en compte l’intimité et l’émotion de petits individus au coeur d’une page d’Histoire, la mise en scène est une belle réussite. Elle est également complétée par une approche esthétique plutôt surprenante par rapport à ce que j’imaginais avant de découvrir le film.En effet, dans un premier temps, l’esthétique semble assez proche d’un certain cinéma social. Puis, elle semble plus soignée lorsqu’on avance dans le film, face aux scènes plus enflammées. La photographie sublime alors la lumière. Cette transformation visuelle est logique par rapport à l’évolution narrative bien construite. Enfin, le duo Song Kang-ho/Thomas Kretschmann fonctionne également bien, même si l’acteur allemand s’efface parfois (à juste titre) pour son partenaire coréen, qui, décidément, ne déçoit jamais. Leurs personnages sont touchants grâce à leur complicité prenant forme au fur et à mesure des scènes malgré le barrage culturel et linguistique et leurs comportements s’adaptant naturellement à l’évolution historique. Ainsi, Peter est au départ un arriviste qui s’humanise et comprend alors peu à peu le véritable rôle que doit jouer un journaliste pour permettre à la vérité d’éclater dans le monde, une visibilité nécessaire pour faire changer les choses. Quant à Kim Man-seob (le nom a été modifié pour la fiction), il n’est qu’un homme ordinaire et humble vivant dans une situation précaire (il doit élever seul sa fille avec un petit salaire), qui pense avant tout à survivre en étant embarqué dans une situation qui le prend au dépourvu.

A Taxi Driver : Photo

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Last Flag Flying

réalisé par Richard Linklater

avec Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne…

Comédie dramatique américaine. 2h04. 2017.

sortie française : 17 janvier 2018

 

En 2003, Larry « Doc » Sheperd, un ancien médecin de la Navy, retrouve Sal Nealon, un gérant de bar et le révérend Richard Mueller. Tous les trois ont combattu ensemble au Vietnam mais ils ne s’étaient pas revus depuis trente ans. Larry est venu leur demander de l’accompagner aux funérailles de son fils, mort au combat en Irak et dont le corps vient d’être rapatrié aux Etats-Unis. Sur la route, l’émotion se mêle aux fous-rires car les trois hommes voient leurs souvenirs remonter et ils retrouvent leur camaraderie…

Last Flag Flying : Photo Bryan Cranston, Steve Carell

Last Flag Flying est l’adaptation du roman éponyme de Darryl Ponicsan (ce dernier en est également le co-scénariste). Ce texte en question est en fait la suite d’un autre roman : The Last Detail, adapté au cinéma en 1973 (La Dernière Corvée en VF – ce qui explique au passage le sous-titre « écho » présent sur l’affiche française La Dernière Tournée) par Hal Ashby avec dans les rôles principaux Jack Nicholson, Otis Young et Randy Quaid. Cela dit, Richard Linklater, réalisateur de films cultes hilarants (Rock Academy), d’une trilogie romantique tendre (les Before…), parfois « expérimentaux » (Boyhood), voire même étranges (A Scanner Darkly), n’a pas souhaité que son Last Flag Flying soit une suite du long-métrage d’Ashby. Avec son affiche française ringarde et datée (je n’arrive pas du tout à savoir si ce choix est volontaire ou non), le dernier film de Linklater est sorti discrètement chez nous malgré un casting masculin très attirant : malgré la réelle sympathie que j’ai en général pour le travail de Linklater (qui a le mérite d’avoir une filmographie personnelle et variée), je me suis intéressée à Last Flag Flying principalement pour ton trio prestigieux. Je ne dirais pas que le film est principalement sauvé par son casting et ses personnages (car je trouve toujours cet argument limité) mais il faut avouer qu’il s’agit au moins d’un point fort. Le trio formé par Steve Carell (décidément de plus en plus à l’aise dans des rôles dramatiques depuis Foxcatcher), Bryan Cranston et Laurence Fishburne fonctionne formidablement bien : il y a une belle complicité entre ces trois grands acteurs. Même s’ils tombent parfois dans un certain cabotinage (cela annonce déjà les réelles lourdeurs présentes tout le long du long-métrage), leurs interprétations sont remarquables. Leurs personnages sont tous très attachants, ayant chacun leurs histoires (la perte d’un fils, l’alcoolisme, la rédemption par la religion), leurs blessures et surtout leur propre vision du monde (ils sont, respectivement, médecin, barman et pasteur). Le propos en lui-même est plutôt « intéressant », notamment en établissant ce parallèle entre la guerre du Vietnam au cours des années 1970 et la guerre d’Irak dans les années 2000. Linklater dénonce plutôt bien l’absurdité de la guerre et surtout l’hypocrisie même de l’armée, qui parle d’héroïsme là où il n’y en a pas. Bon, il n’y a aucun génie là-dedans, ni dans sa démonstration ni dans sa mise en scène (mais j’imagine qu’on ne demande pas autant au réalisateur même si on l’a connu plus inspiré), mais je dois admettre que cela fonctionne un minimum.

Last Flag Flying : Photo Bryan Cranston, Laurence Fishburne

Le long-métrage pointe alors du doigt les échecs des gouvernements américains depuis plus de trente ans : rien n’a changé et ce sont finalement avant tout de simples individus (avant d’être des soldats) qui en prennent plein la gueule à la place. En dehors de ces quelques éléments notables, je n’ai pas non plus trouvé ce Last Flag Flying bien fou contrairement à ce que j’ai pu lire et entendre à droite et à gauche. Oui, l’ensemble se laisse volontiers regarder, oui parfois on rit avec les personnages, oui il y a même éventuellement quelques petites scènes touchantes, oui quelques répliques sont bien senties. Mais je trouve ça assez limité ! La modestie et la sincérité même du projet n’excusent pas non plus certains défauts à mes yeux. Après, à l’origine, je n’aime pas non plus les oeuvres qui forcent trop sur la nostalgie : en dehors du fait que ce sentiment a tendance à me déplaire, la manière dont Linklater en parle est assez lourde. De plus, même si je n’irais pas à dire que je me suis ennuyée, le film m’a paru bien trop long par rapport au peu qu’il raconte. Je suis persuadée qu’il aurait gagné en force et en efficacité en étant plus condensé. J’ai également été assez déçue par l’aspect road-movie. Beaucoup y ont vu une certaine originalité car une partie du film se déroule dans le train : pour ma part, cela ne m’a pas particulièrement frappée. En général, le road-movie n’est pas uniquement un moyen de se déplacer physiquement et géographiquement, c’est aussi une métaphore d’une évolution des personnages : le voyage géographique doit leur faire prendre conscience de ce qu’ils sont ou de ce qu’ils veulent changer. Si cet aspect est bel et bien présent dans le film, il reste tout de même traiter de manière assez faiblarde : la mise en scène de Linklater tout comme le scénario (assez prévisible) manquent de relief pour valoriser ce point qui me semble pourtant sur le papier assez important. Oeuvre certainement honnête mais mineure et oubliable dans la riche et électrique filmographie de Richard Linkalter, Last Flag Flying n’est pas inintéressant mais est surtout porté par la justesse de son casting. Malgré la réelle sympathie dégagée tout le long du métrage, le discours sur cette Amérique ordinaire face à ses désillusions n’est pas suffisamment bien traité (en tout cas trop faiblement), ce qui explique certainement le peu d’intérêt que je peux porter à ce film.

Last Flag Flying : Photo Laurence Fishburne, Steve Carell

American Honey / Monsieur et Madame Adelman

American Honey

réalisé par Andrea Arnold

avec Sasha Lane, Shia LaBeouf, Riley Keough…

Drame américain, britannique. 2h43. 2016.

sortie française : 8 février 2017

Star, 17 ans, croise le chemin de Jake et sa bande. Sillonant le midwest à bord d’un van, ils vivent de vente en porte à porte. En rupture totale avec sa famille, elle s’embarque dans l’aventure. Ce roadtrip, ponctué de rencontres, fêtes et arnaques lui apporte ce qu’elle cherche depuis toujours: la liberté ! Jusqu’à ce qu’elle tombe amoureuse de Jake, aussi charismatique que dangereux…

American Honey : Photo Sasha Lane, Shia LaBeouf

American Honey, récompensé par le prix du jury au festival de Cannes (le troisième même prix de la carrière de la réalisatrice britannique Andrea Arnold après Red Road et Fish Tank), est un film sur une jeunesse paumée qui m’a laissée perplexe. Je lui reconnais des qualités mais qui sont aussi des choses qui m’ont aussi gênée. Par exemple, la durée, c’est-à-dire pratiquement 2h45. D’un côté, je ne me suis pas ennuyée alors que je m’y attendais (et c’est principalement pour cette raison que je n’ai pas voulu me déplacer dans les salles) et je comprends la démarche de la réalisatrice : la longueur permet certainement de mieux représenter littéralement l’errance juvénile (déjà représentée par la forme même du film : le road movie). Les répétitions, cette lassitude de cette vie de nomade (les jeunes vivent d’hôtels en hôtels en se faisant passer pour des vendeurs de magazines) semblent être volontaires. Cela dit, au bout d’un moment, ces choix finissent par ne plus être aussi pertinents que prévu. Je suis certaine qu’on aurait pu garder cette idée d’errance notamment par la longueur sans étirer à tout prix la durée excessive et selon moi pas très justifiée par rapport à ce que la réalisatrice nous narre. Concernant le scénario, là encore je suis partagée. L’histoire en elle-même est crédible, la réalisatrice s’est bien renseignée et documentée sur son sujet et j’ai tendance à aimer les films au style réaliste : on est d’ailleurs parfois proche du « documentaire », la caméra étant très proche des acteurs et la lumière naturelle prenant souvent place dans le cadre. Mais finalement, et encore une fois, mon reproche est certainement lié à la durée. rien ne m’a réellement surprise dans le déroulement de l’histoire. Evidemment, Andrea Arnold expose des enchaînements narratifs logiques, on ne peut pas lui faire tous les reproches du monde, mais j’ai trouvé tous les événements très attendus. Reste tout de même des décors magnifiquement bien filmés, le tout sur une bande-originale bien choisie et qui a du sens par rapport aux différentes scènes. De plus le casting est parfait. La débutante Sasha Lane est fascinante de spontanéité, Shia Labeouf prouve également qu’il peut être excellent quand il est bien dirigé dans des films intéressants ou encore Riley Keough (même si j’ai du mal à comprendre comment un personnage aussi jeune qu’elle puisse avoir autant de pouvoir sur des jeunes de son âge) est remarquable. A noter aussi de très bonnes interprétations de la part du reste de la troupe, pratiquement tous des non-professionnels.

American Honey : Photo Riley Keough, Shia LaBeouf


Monsieur et Madame Adelman

réalisé par Nicolas Bedos

avec Doria Tillier, Nicolas Bedos, Antoine Gouy, Denis Podalydès, Christiane Millet, Pierre Arditi, Zabou Breitman, Julien Boisselier…

Comédie dramatique française. 2h. 2016.

sortie française : 8 mars 2017

Comment Sarah et Victor ont-ils fait pour se supporter pendant plus de 45 ans ? Qui était vraiment cette femme énigmatique vivant dans l’ombre de son mari ?
Amour et ambition, trahisons et secrets nourrissent cette odyssée d’un couple hors du commun, traversant avec nous petite et grande histoire du dernier siècle.

Monsieur & Madame Adelman : Photo Doria Tillier, Nicolas Bedos

On connait davantage Nicolas Bedos le personnage public télé imbuvable que l’artiste (chroniqueur aussi dans la presse, dramaturge, écrivain, scénariste et acteur). Bedos passe désormais derrière la caméra avec Monsieur et Madame Adelman. Il a co-écrit le scénario avec Doria Tillier, connue pour avoir été une des Miss Météo dans l’émission de Canal + Le Grand Journal. Les deux, apparemment toujours en couple (information certes people mais qui peut être intéressante si on la lie au contenu du film), se sont également attribués les rôles principaux (les fameux Adelman du titre). Ainsi, Bedos et Tillier nous présentent l’histoire d’amour avec ses hauts et ses bas (surtout ses bas) d’un couple sur 45 ans. Victor, qui a emprunté le nom de sa femme dans le cadre de sa profession (« plus juif » parce que ça fait « plus Philip Roth » selon lui), est un écrivain qui galère quand il rencontre Sarah. Mais Sarah a fait des études de lettres à la Sorbonne : c’est elle qui va l’aider à mieux écrire ses romans, à lui donner des suggestions pertinentes notamment pour ses tournures de phrases etc… Au-delà d’un regard assez sombre et touchant sur les relations amoureuses face au temps à partir d’une fresque parfois parodiée avec un humour noir décapant et surprenant (les relations sexuelles sont complètement nulles, la fille des Adelman est insupportable, le fils est un handicapé mental rejeté par le couple Adelman pour son handicap justement !), Monsieur et Madame Adelman interroge intelligemment également sur les rapports entre l’écrivain et sa muse, et sur la femme de l’ombre laissant place au mari artiste. Le film, qui propose un twist plutôt saisissant, est également convaincant dans ses scènes mélancoliques. Cela dit, en dehors de ses moments justement assez cyniques qui prouvent justement que Bedos et Tillier sont capables de jouer avec les codes, on n’échappe pas totalement quelques clichés habituels hystériques. J’avoue avoir eu peur de revoir Mon Roi. Pour sa première réalisation, Bedos s’en sort en tout cas remarquablement bien. Mais c’est surtout l’écriture qui surprend davantage. Les interprétations sont également solides. Bedos et Tillier, qui se fondent merveilleusement dans les différents costumes (on sent que le déguisement les éclate : justement, le projet de ce film est né suite à leur amour pour se déguiser et l’improvisation), le tout dans des décors soignés, sont excellents même si Tillier a tendance à piquer la vedette à son partenaire. Ils ont également su communiquer leur évidente complicité à l’écran. Monsieur et Madame Adelman n’est peut-être pas le grand film qu’il aurait pu être, il lui manque ce quelque chose pour qu’on y adhère totalement mais il reste plutôt pertinent et on a bien envie de voir d’autres projets cinématographiques de Tillier et Bedos.

Monsieur & Madame Adelman : Photo Doria Tillier, Nicolas Bedos

Sky

réalisé par Fabienne Berthaud

avec Diane Kruger, Norman Reedus, Gilles Lellouche, Lena Dunham, Q’Orianka Kilcher, Joshua Jackson…

Drame français, allemand. 1h43. 2015.

sortie française : 6 avril 2016

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En vacances avec son mari dans l’Ouest américain, Romy décide de mettre fin à cette relation toxique et de reprendre sa vie en main. De Las Vegas aux plaines du Nevada, la route sera jalonnée de rencontres improbables, intenses et toutes porteuses d’un nouvel espoir…

Sky : Photo Diane Kruger, Lena Dunham, Norman Reedus

Sky est le troisième long-métrage de Fabienne Berthaud, après Frankie et Pieds nus sur les limaces dans lesquels elle dirigeait déjà la plus française des actrices allemandes du moment, Diane Kruger. Sky a aussi su attirer la curiosité de certains spectateurs qui regardent un peu trop le petit écran (j’en fais partie) : en effet, nous trouvons dans le rôle principal masculin Norman Reedus alias Daryl Dixon de The Walking Dead, et dans un rôle plus secondaire on notera la présence de Lena Dunham (la créatrice et la Hannah de Girls). Sky raconte alors l’histoire d’une franco-allemande qui part en vacances avec son mari aux Etats-Unis admirer les magnifiques paysages et surtout espère sauver son mariage qui bat sérieusement de l’aile (le mari n’étant pas la personne la plus intelligente du monde et le couple a traversé beaucoup d’épreuves, madame ayant eu plusieurs fausses couches). Face aux tensions, Romy (donc notre héroïne) décide de continuer son voyage seule en quête de liberté. Elle va alors rencontrer à Las Vegas Diego, un ranger qui aime bien s’envoyer des prostituées et ne tient pas à s’attacher. Génial, les deux loulous veulent juste passer du bon temps ensemble et ne refusent l’amour. Romy va continuer son périple en allant à la rencontre d’une Amérique pauvre. A partir de ce récit, Fabienne Berthaud a su poser des questions intéressantes en les mêlant à des paradoxes : qu’est-ce que la liberté ? La liberté, est-ce réellement synonyme de solitude ? Peut-on être libre tout en gardant des désirs très terre-à-terre et communs à beaucoup de mortels (être amoureux, fonder une famille) ? Je sais que certains spectateurs prendront ces interrogations plus comme des contradictions que des paradoxes (même si la frontière entre ces deux termes restent floues). Les interrogations en elles-mêmes me paraissent pourtant pertinentes parce que l’être humain est paradoxal et doit affronter ces interrogations. Le film est construit aussi sur d’autres paradoxes : il y a d’un côté l’Européenne Romy qui semble vivre son rêve américain en étant dépaysée et en voyant certains désirs se concrétiser. De l’autre, les figures typiques américaines (notamment des Indiens) vivent dans une réalité effrayante, c’est-à-dire dans la pauvreté, en vivant dans des mobile home avec parfois une ribambelle d’enfants à élever et nourrir, et malades, en étant des victimes de guerre et plus généralement de la politique américaine.

Sky : Photo Diane Kruger

Hélas, si le propos derrière est intéressant à défendre, j’ai tout de même trouvé à ce Sky quelques défauts. En effet, si je trouve les espaces américains bien mis en avant – même si dans un exercice similaire, Guillaume Nicloux s’en sortait largement mieux avec son Valley of Love – en revanche, Fabienne Berthaud maîtrise moins les notions de temps et ça gâche vraiment toutes les bonnes choses qu’elle a mis en place, qui passent notamment par la mise en scène et le scénario. C’est dommage car du coup on ne croit pas totalement à l’histoire de cette femme qui refait sa vie ailleurs. On a l’impression que tout a l’air trop facile pour Romy, que ce soit pour l’amour, les rencontres en général, le travail (alors qu’elle est censée être une touriste et qu’il y a très peu d’offres d’emploi !) etc… Je comprends encore une fois la signification, j’aurais juste aimé plus de crédibilité. J’ai même trouvé que ça manquait même un peu de subtilité par moments. Je pense par exemple à cette opposition un poil lourde entre Billie qui, elle, a des gosses alors qu’elle vit dans la pauvreté tandis que Romy vient probablement d’un bon milieu social, a l’air responsable mais n’arrive pas à avoir d’enfants. Sky bénéficie heureusement d’un très bon casting. Diane Kruger (même si je n’ai rien contre elle à la base, loin de là) m’a agréablement surprise. Je l’ai trouvée très l’aise dans ce rôle assez complexe et réussit à montrer une gamme d’émotions tout en restant juste. Son partenaire Norman Reedus s’en sort également bien. Certes, on ne peut pas s’empêcher de faire le lien avec Daryl dans The Walking Dead (dans le genre « j’ai des cheveux improbables et je suis peu causant ») mais il parvient tout de même à sortir de ce qu’on connait déjà en livrant une interprétation sensible. Lena Dunham apparaît peu mais elle est très différente de ce qu’elle fait dans Girls et ça fait du bien ! Je sens vraiment qu’elle a un énorme potentiel et j’espère qu’elle va vraiment l’exploiter. J’étais aussi contente de retrouver la Pocahontas de Malick, Q’Orianka Kilcher et l’apparition de Joshua Jackson (le compagnon de Kruger depuis des années maintenant) m’a évidemment fait sourire. Je suis par contre plus réservée sur Gilles Lellouche qu’on ne voit que dix minutes pourtant. Il ne joue pas mal mais je trouve qu’il partage de plus en plus les mimiques de son ami Dujardin, c’est très perturbant !

Sky : Photo Diane Kruger, Norman Reedus

Paris, Texas

réalisé par Wim Wenders

avec Harry Dean Stanton, Nastassja Kinski, Dean Stockwell, Aurore Clément, Hunter Carson…

Drame américain, allemand, britannique, français. 2h27. 1984.

sortie française : 19 septembre 1984

Paris, Texas

Un homme réapparaît subitement après quatre années d’errance, période sur laquelle il ne donne aucune explication à son frère venu le retrouver. Ils partent pour Los Angeles récupérer le fils de l’ancien disparu, avec lequel celui-ci il part au Texas à la recherche de Jane, la mère de l’enfant. Une quête vers l’inconnu, une découverte mutuelle réunit ces deux êtres au passé tourmenté.

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J’ai toujours eu envie de regarder Paris, Texas, Palme d’or au festival de Cannes en 1984 (présidé par Dirk Bogarde), mais je dois avouer qu’après avoir vu Les Ailes du Désir (qui a ses qualités mais je n’accroche pas plus que ça), je n’avais plus spécialement envie de regarder du Wim Wenders. Mais la rétro consacrée au réalisateur allemand sur Arte il y a un mois à peu près m’a donnée envie de découvrir enfin ce long-métrage. Et je dois avouer que j’ai eu un véritable coup de coeur pour ce film bouleversant qui mérite vraiment son statut de de chef-d’oeuvre de la part d’un grand nombre de cinéphiles. Je n’étais pourtant pas sûre d’aimer au début, j’avais peur de m’emmerder comme devant Les Ailes du Désir, on peut être perturbée par le rythme lent qui se met en place dès les premières minutes du long-métrage (pratiquement muettes), par les décors américains qui ont quelque chose à la fois de chaud et d’onirique et puis j’avoue que je ne savais pas trop à quoi m’attendre, surtout quand on voit débarquer Travis qui ressemble à un vagabond. Pourtant, petit à petit, j’ai commencé à être à l’aise avec les personnages, l’environnement et l’histoire qui se dévoile au fur et à mesure. Le rythme lent est finalement assez cohérent par rapport à la situation de Travis, qui erre, qui va lentement renouer des liens avec son fils et va prendre du temps pour retrouver de Jane pour qu’elle-même retrouve son petit garçon. Cela correspond tout simplement à des situations humaines complexes qui ne peuvent pas se résoudre du jour au lendemain. De plus, le rythme est lent mais finalement je ne me suis pas ennuyée alors que le film dure tout de même plus de 2h20. Mais encore une fois, il y a un côté onirique qui se met en place, du coup personnellement le film m’a transportée, m’a littéralement fait voyager. Comme Travis, le spectateur accepte de laisser son esprit errer face à de splendides et lumineux paysages, notamment éclairés par une magnifique photographie, et à la musique désormais culte de Ry Cooper. Mais nous ne pouvons pas limiter Paris, Texas à une simple histoire d’errance, de road movie (un des meilleurs films appartenant à ce genre), mis en avant par des efforts esthétiques. L’histoire qui se déroule petit à petit est envoûtante et surtout émouvante, mais jamais larmoyante.

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Mais surtout, je crois que tous ces effets oniriques et émotionnels viennent du fait que le road movie se mêle à un autre genre : celui du conte. En effet, même si c’est un thème finalement assez récurrent dans le road movie et plus généralement dans le genre du voyage, Paris, Texas se présente comme un récit initiatique dans lequel on recherche à chaque étape du scénario un personnage : le père, le fils, la femme et la mère. Il s’agit alors de la recherche de plusieurs types d’amour familiaux tout comme il s’agit d’un film sur la quête de soi. Le scénario a donc quelque chose de simple au premier abord car il s’agit d’une histoire familiale (ce qui a tendance à parler aux spectateurs, même ceux qui n’ont pas eu une vie aussi agitée que celle de Travis et Jane) et pourtant il est bel et bien construit. Quelque part, à l’image de son rythme, il y a quelque chose qui coule de source dans ce scénario. Que ce soit à travers le scénario finalement écrit avec beaucoup de subtilité ou la mise en scène très soignée et réfléchie, on sera séduit par la fluidité même de l’histoire. Comme je le disais, il n’y a rien de larmoyant, Wenders n’en ajoute pas trop. L’émotion vient justement par des scènes qui peuvent sembler simples et pourtant provoquent petit à petit une véritable émotion. Je pense notamment à la scène dans laquelle le petit Hunter, de l’autre côté du trottoir, imite les gestes de son père alors qu’au début du film son père est pour lui qu’un étranger. Enfin, Paris, Texas est servi par des acteurs impeccables qui interprètent des personnages vraiment intéressants, complexes et attachants, malgré un passé assez sombre pour ne pas dire chaotique. Harry Dean Stanton a certainement trouvé ici le rôle de sa vie, il est inoubliable dans ce rôle si énigmatique. Nastassja Kinski (que je « découvre » finalement… et oui, la lose, j’ai quelques films à rattraper !) apparaît peu à l’écran et pourtant quelle présence, elle est si lumineuse ! Et d’ailleurs, les deux scènes de retrouvaille, notamment la deuxième, avec son ex, sont vraiment émouvantes. Au-delà de sa très belle interprétation, même si elle incarne la fameuse mère et ancienne femme absente, on a sans cesse l’impression qu’elle est présente. J’ai également beaucoup aimé les seconds rôles, que ce soit Hunter Carson (qui joue le gamin de Stanton et Kinski), Dean Stockwell ou encore Aurore Clément (malgré son affreux accent).

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