Suspiria

réalisé par Dario Argento

avec Jessica Harper, Joan Bennett, Udo Kier, Stefania Casini…

Film épouvante-horreur, fantastique, thriller italien. 1h35. 1977.

sortie française : 18 mai 1977

interdit aux moins de 16 ans

Movie Challenge 2017 : Un film d’horreur

Suzy, une jeune Américaine, débarque à Fribourg pour suivre des cours dans une académie de danse prestigieuse. A peine arrivée, l’atmosphère du lieu, étrange et inquiétante, surprend la jeune fille. Et c’est là qu’une jeune élève est spectaculairement assassinée. Sous le choc, Suzy est bientôt prise de malaises. Et le cauchemar ne fait qu’empirer : le pianiste aveugle de l’école meurt à son tour, égorgé par son propre chien….
Suzy apprend alors que l’académie était autrefois la demeure d’une terrible sorcière surnommée la Mère des Soupirs. Et si l’école était encore sous son emprise ?

Suspiria : Photo

Je continue de découvrir petit à petit la filmographie de Dario Argento (rappelez-vous, je vous avais chroniqué récemment un de ses chefs-d’oeuvre, Les Frissons de l’angoisse). Suspiria faisait évidemment partie de mes priorités et c’est chose faite désormais ! Ce film, dont le remake devrait sortir dans l’année, fait partie d’une trilogie avec Inferno et La Troisième Mère (il est même le premier film de cette saga). Cette trilogie est inspirée par la suite du roman de Thomas de Quincey (Confessions d’un mangeur d’opium) : Suspiria De Profundis. Un des passages s’intitule « Levana et nos mères de Douleur ». L’auteur y parle alors de trois soeurs (qui rappellent les trois Grâces et aux trois Moires) de douleur : la Mère des Pleurs, la Mère des Soupirs et la Mère des Ténèbres. Dario Argento, le maître du giallo, se lance réellement pour la première fois dans l’horreur. Le cinéaste dit clairement (et cela se ressent) qu’il s’est inspiré des contes de Disney et ceux de Grimm, et qu’il a mélangé ces deux univers avec « la violence de L’Exorciste« . Si le film s’est inspiré de nombreux films et autres univers artistiques, il est également certain qu’il a eu une grande influence sur d’autres (notamment sur un certain Black Swan). L’histoire en elle-même est assez « simple » et accessible : une jeune danseuse qui a l’air toute innocente se retrouve dans une école dans lequel se déroulent une série de meurtres et autres événements étranges. Le film est plutôt court et le déroulement du scénario est assez fluide, j’ai même envie de dire qu’il est « direct » (du genre une fois qu’on a résolu l’intrigue, boum générique de fin). Et pourtant, Suspiria n’a rien d’un film simple même dans son écriture qui pourrait pourtant donner l’impression du contraire. Ce sont surtout la mise en scène et les choix esthétiques qui surprennent le plus et qui donnent une force inouïe à Suspiria. La mise en scène est d’une grande virtuosité et d’une incroyable précision. Ainsi, chaque détail semble compter, rien ne semble laisser au hasard. On notera au passage un petit clin d’oeil à un autre film d’Argento (son premier pour être précis), L’Oiseau au plumage de cristal le temps d’une scène ou encore le placement des poignées de portes, plus élevées qu’à l’accoutumée : les jeunes femmes du film pourraient finalement être des enfants (Argento voulait d’ailleurs des personnages âgés d’une douzaine d’années – c’est son père qui lui a déconseillé pour éviter une trop grande censure). Les couleurs sautent évidemment aux yeux, impossible d’y échapper, surtout à la présence du rouge et du bleu.

Suspiria : Photo

Le rouge a évidemment un rapport direct avec le sang (qui ressort particulièrement sur les corps, comme s’il avait quelque chose de volontairement irréel) et avec le Diable. On peut aussi rapprocher cette couleur avec le culte et même le pouvoir. Quant au bleu (« opposé » de la couleur chaude rouge), qui pourrait aussi être associé à la divinité, c’est une couleur froide qui rappelle à quel point la mort est omniprésente dans cette école du mal. Le mystère et l’atmosphère pesante sont présentes dès les premières minutes du long-métrage qui encore une fois ne perd pas de temps à nous présenter son intrigue. Argento joue également avec intelligence avec des motifs connus (notamment la présence de pluie et même de l’orage dans la nuit) pour pouvoir mieux nous surprendre. Cette ambiance et cette esthétique envoûtante (la part d’ésotérisme n’étant également pas à exclure) se combinent merveilleusement avec la dimension baroque, qui se traduit aussi bien par de magnifiques décors que par la musique de Goblin, assez dérangeante. Bref, Argento assume sa folie flamboyante et grandiloquente, rendant aussi hommage à l’expressionnisme. Encore une fois, il parvient à combiner différentes disciplines artistiques pour créer une oeuvre unique. : cinéma, littérature (en particulier le conte), danse, architecture et même peinture (je reviens encore une fois au sang pour ne citer que cet exemple) se côtoient avec beaucoup de cohérence et de pertinence. Côté casting, on est également bien servi, notamment par la trop rare Jessica Harper, parfaite dans le rôle principal (on pourrait presque établir des liens avec Phantom of the Paradise de Brian De Palma, sorti seulement trois ans avant). Pour les petites anecdotes, Daria Nicolodi, la scénariste du film (et à l’époque compagne d’Argento – et également maman d’Aria) devait tenir le rôle principal mais une actrice plus jeune devait être prise. Cela dit, c’est elle qui prête sa voix au personnage de Helena Markos. Selon Jessica Harper (à voir s’il s’agit d’une rumeur ou non mais je trouve en tout cas l’anecdote amusante), Markos serait interprétée par une ancienne prostituée de 90 ans rencontrée par Argento dans les rues de Rome ! Suspiria est donc l’un des plus beaux cauchemars et contes horrifiques que j’ai pu voir, un film diaboliquement efficace et extrêmement bien foutu.

Suspiria : Photo

Les Frissons de l’angoisse

réalisé par Dario Argento

avec David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Carla Calamai, Macha Méril…

titre original : Profondo Rosso

Thriller, épouvante-horreur italien. 1h40. 1975.

sortie française : 17 août 1977

interdit aux moins de 16 ans

Marcus Daly, un pianiste témoin du meurtre d’une médium, décide de mener son enquête, d’abord par curiosité, puis par nécessité lorsque l’assassin s’en prend à lui.

Présent sur les lieux des crimes, il est rapidement suspecté par la police. Il comprend qu’il a vu une chose qui devrait le mettre sur le chemin de la vérité mais ne parvient pas à saisir quoi…

Les Frissons de l'angoisse : Photo

Je n’avais pas spécialement aimé Blow Up de Michelangelo Antonioni (même si les cinéphiles doivent découvrir ce film) mais il avait tout de même su titiller ma curiosité. Le maître du giallo Dario Argento s’est inspiré de cette Palme d’or pour son cinquième long-métrage Les Frissons de l’angoisse (Profondo Rosso / Deep Red : bref, c’est quoi ce titre français assez bateau ?). Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si on retrouve dans le rôle principal David Hemmings, qui tenait le premier rôle dans le film d’Antonioni. Ce n’était pas la première fois que je regardais un film d’Argento mais je n’avais pas commencé par ses meilleurs. Avec Les Frissons de l’angoisse, j’ai enfin compris pourquoi ce réalisateur avait un certain lot d’admirateurs. J’ai toujours aimé les films à twist et pour moi, le bon twist, c’est celui qui pourrait être trouvable par les spectateurs et / ou les personnages (sinon pour moi, ça s’appelle une arnaque). Effectivement, une des grandes qualités de ce film réside dans la manière de nous amener vers la révélation finale. Tous les indices sont sous effectivement sous nos yeux et sous ceux de Marcus, le personnage principal. Comment cela se fait qu’on ne voit justement ces indices assez visibles ? Argento joue merveilleusement avec l’image. En effet, pour le réalisateur, tout réside dans la capacité de l’individu à capter le réel. Il faut savoir faire la différence entre « voir » et « regarder ». On n’apprend pas à voir, c’est instinctif, tandis que regarder relève davantage de l’apprentissage et surtout une implication. Cette notion de « regard » est pratiquement essentiel dans l’art, que ce soit au cinéma, la musique (le personnage principal est pianiste), l’architecture (comment ne pas penser au rôle de la Villa Scott ?) ou encore dans la peinture (cette discipline étant assez présente dans Les Frissons de l’angoisse – que ce soit notamment dans les décors, dans un sens dans le maquillage et même dans la vision du sang qui n’a rien de réel !). On trouvera alors notre révélation, notre quête de vérité dans notre observation, notre manière de diriger notre regard. Il faut savoir aller au bout, voire même littéralement gratter comme le fera Marcus. Ce thème du regard, mis en avant par l’art, était effectivement présent dans Blow Up (le personnage incarné par Hemmings devait mieux regarder la photographie qu’il avait prise). Le film d’Antonioni m’avait frustrée (et ennuyée au passage) parce que j’ai eu l’impression qu’il n’exploitait pas tant que ça ce point tandis qu’il est omniprésent dans celui d’Argento qui manie extraordinairement bien cet art du puzzle à remettre correctement en place pour pouvoir obtenir une vision globale.

Les Frissons de l'angoisse : Photo

Les Frissons de l’angoisse n’est pas très rythmé (un choix assumé par Argento pour qu’on prenne le temps d’observer tous les possibles indices dans le but de connaître la vérité et aussi pour mieux installer son ambiance) ce qui aurait pu me freiner comme cela m’arrive souvent. Je suis pourtant rentrée dès le début dans le long-métrage qui nous intrigue et interpelle. Il faut dire que la mise en scène est absolument remarquable. De plus, chaque plan est soigné (à l’image de l’esthétisme qui m’a scotchée) et a son importance, il est encore une fois à lui seul une pièce de puzzle. Le film possède aussi une véritable ambiance à la fois envoûtante et inquiétante, notamment par le biais de la médium qui a senti avant son assassinat la présence du tueur. Même certains décors ou autres aspects esthétiques, qui jouent sans cesse avec les formes, ont quelque chose qui semblent sortir de la réalité. Je pense notamment à ces effets de trompe-l’oeil, ces tableaux qui font penser au Cri de Munch ou encore au maquillage parfois dévoilé du tueur. La musique du groupe rock Goblin (qui a aussi composé les bandes-originales de Suspiria ou encore de Zombie de George Romero) contribue également beaucoup à ce sentiment d’étrangeté et de danger permanent. Finalement, cette atmosphère qui serait de l’ordre de l’ésotérisme aurait pour but de rendre les crimes plus réels et dans un sens encore plus sombres qu’ils ne le sont déjà. Le casting est également très bon : le charismatique David Hemmings est très à l’aise dans le rôle de ce pianiste, qui n’a rien d’un flic, mais qui va enquêter à sa manière quitte à passer parfois à côté de précieux indices. Daria Nicolodi (qui deviendra après le tournage de ce film sa future compagne et son égérie – c’est aussi la mère d’Asia Argento) est également plaisante dans le rôle de cette journaliste un poil loufoque (voire même casse-pieds). Pour conclure, Les Frissons de l’angoisse est un formidable film qui sait marquer les esprits, sachant utiliser de nombreuses références artistiques (je ne l’ai pas cité mais je pense évidemment à cette scène frappante reprenant clairement du Edward Hooper – impossible de ne pas la citer). pour nourrir son propos. A la fois étrange, même baroque, possédant une atmosphère mystérieuse et n’hésitant pas non plus à montrer des scènes assez gores, le long-métrage de Dario Argento surprend par sa complexité (que ce soit au niveau de la forme ou du sens, les deux se combinant avec habilité) en racontant pourtant une histoire a priori simple et accessible.

Les Frissons de l'angoisse : Photo

Avanti !

réalisé par Billy Wilder

avec Jack Lemmon, Juliet Mills, Clive Revill…

Comédie américaine. 2h18. 1972.

sortie française : 23 septembre 1973

Movie Challenge 2016 : Un film avec un acteur que j’adore

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La partie de golf de Wendell Armbruster Jr., P.D.G. de 37 sociétés, est brutalement interrompue par la mort de son père survenue en Italie. Wendell saute dans l’avion et apprend que l’auteur de ses jours fréquentait une certaine Mrs Piggott alors qu’il était censé suivre une cure de bains de boue. De plus, il affronte Pamela, romantique et donc digne fille de Mrs Piggot qu’il se met illico à détester et qu’il surnomme « grosses fesses ». Mais très vite, d’autres rapports s’installent entre eux…

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Jusqu’à présent, de ce que j’ai pu voir, j’ai toujours aimé le cinéma de Billy Wilder, une vraie référence pour moi en tant que cinéphile. Et j’aime aussi énormément Jack Lemmon, un de mes acteurs préférés (et pour moi, malgré le succès qu’il a eu, j’ai toujours l’impression qu’on l’oublie un peu lorsqu’on veut évoquer les plus grands acteurs du cinéma). Vous imaginez bien que j’ai souvent aimé (on peut même dire adoré) les différentes collaborations entre Jack Lemmon et Billy Wilder : Certains l’aiment chaud, Irma La Douce ou encore La Garçonnière. J’étais donc enthousiaste à l’idée de découvrir Avanti, qui marque la neuvième collaboration entre Wilder et son scénariste attitré, I.A.L. Diamond. Les deux compères adaptent la pièce homonyme de Samuel A. Taylor (qui avait collaboré sur le scénario de Sueurs Froides / Vertigo d’Alfred Hitchcock). Sabrina était déjà une adaptation d’une oeuvre de cet auteur (Sabrina Fair). Pour la petite anecdote, dans une interview pour Positif, Billy Wilder avait dit les propos suivants concernant le personnage principal de Avanti : « C’est au commencement le héros de La Garçonnière s’il ne s’était pas révolté ». En tout cas, Avanti a rencontré un certain succès à sa sortie : il a permis à Jack Lemmon de remporter le Golden Globe du meilleur acteur dans une comédie (dans toute sa carrière, il en a remporté six !). Le film avait également décroché d’autres nominations aux Golden Globes (dans les catégories meilleurs film dans une comédie, actrice, acteur dans un second rôle, réalisateur et scénario). J’avais vraiment envie d’aimer ce film comme j’ai aimé les autres longs-métrages de Billy Wilder. Comme je l’ai dit, je n’ai pas vu tous les films de Wilder mais de ce que j’ai pu voir, il me semble que ce Avanti est un film mineur de sa carrière. Hélas, j’ai été assez déçue par ce film même s’il n’est pas non plus déplaisant à regarder (on peut même dire qu’il est assez sympathique). Je l’ai même regardé deux fois pour voir si je n’étais pas passée à côté de quelque chose la première fois. Hélas, je crois que je n’accroche pas plus que ça à l’histoire. Pourtant, sur le papier elle n’a rien de repoussante : il s’agit d’une comédie romantique assez classique, comme j’ai pu le voir des tonnes de fois. Mais je ne parviens pas totalement à y adhérer même si elle reste charmante. En plus, le film a du fond et les personnages ont tout pour plaire. De plus, les paysages italiens sont splendides et jouent un rôle important dans le déroulement de l’histoire avec toute l’atmosphère qui va avec, les accents, les chansons, le soleil, la mer, bref cet exotisme est assez agréable, il faut bien le reconnaître.

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Après tout, le film met en avant les différences culturelles pour pouvoir livrer une critique sociale assez fine (comme souvent chez Wilder) : les Américains sont vus comme des gens coincés et tiraillés par leurs différentes obligations (familiales et professionnelles) ne s’évadant jamais d’un triste quotidien tandis qu’en Italie (et plus généralement en Europe – Pamela étant britannique) les gens prennent le temps de vivre. Par ailleurs, toujours en Italie (en tout cas dans la vision proposée par Wilder), l’adultère n’est pas nécessairement quelque chose de condamnable, il prend même une dimension romantique, une sorte d’alternative et d’évasion à une vie pesante. Mais il me semble aussi que le jeu des stéréotypes italiens est assez lourd, le vaudeville en lui-même trop appuyé, certains gags tombent parfois à plat (même si, heureusement, certaines scènes restent tout de même plutôt drôles). Surtout j’ai trouvé Avanti affreusement long. Pratiquement 2h20 ! On les sent bien ! Le film ne manque pourtant pas de rythme si on regarde bien (sur le papier, je ne trouve pas qu’il y ait de temps mort) : les différents éléments narratifs s’enchaînent, les gags et quiproquos aussi. Mais c’est juste qu’il s’attarde trop inutilement sur certains éléments (certes sur certains gags qui auraient pu être plus drôles avec un effet de rapidité mais plus généralement sur la relation entre Wendell et Pamela alors qu’on sait d’avance comment l’histoire va plus ou moins se terminer) alors qu’on aurait enlevé facilement une bonne trentaine de minutes ! Ce sentiment d’étirement est assez désagréable. J’imagine que la durée peut être justifiée : en Italie, on doit prendre littéralement le temps de vivre. Sauf que ça ne fait pas nécessairement du bien aux spectateurs et que ça finit par desservir le film. Ca casse vraiment toutes les bonnes choses qui ont été mises en place et plus généralement le ton frais et léger. Heureusement, les personnages sont également plutôt sympas et attachants. Jack Lemmon est excellent (comme toujours) dans le rôle de Wendell Armbruster jr. (le nom a quelque chose d’assez « agressif » à l’image du personnage durant la première partie du film), un riche PDG toujours pressé et coincé parfois un peu aigri, qui va finir par s’ouvrir, se relâcher et goûter au bonheur. Juliet Mills (une découverte en ce qui me concerne) est également une très bonne surprise dans le rôle de Pamela Piggott (le nom me semble assez ironique par rapport à ses « problèmes » physiques), une femme « ronde » (je dirais plus avec des formes), tantôt coincée par son corps et les différents régimes qu’elle poursuit, tantôt libérée (je pense à la scène où elle se déshabille et se baigne finalement sans complexes dans la mer).

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Inferno / Doctor Strange

Inferno

réalisé par Ron Howard

avec Tom Hanks, Felicity Jones, Omar Sy, Ben Foster, Irrfan Khan, Sidse Babett Knudsen, Ana Ularu…

Thriller, policier américain. 2h02. 2016.

sortie française : 9 novembre 2016

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Dans Inferno, le célèbre expert en symbologie suit la piste d’indices liés au grand Dante lui-même. Robert Langdon se réveille dans un hôpital italien, frappé d’amnésie, et va devoir collaborer avec le docteur Sienna Brooks pour retrouver la mémoire. Tous deux vont sillonner l’Europe dans une course contre la montre pour déjouer un complot à l’échelle mondiale et empêcher le déchaînement de l’Enfer…

Inferno : Photo Felicity Jones, Tom Hanks

Ron Howard avait adapté Da Vinci Code et Anges et Démons de Dan Brown en 2006 et 2009. Il s’intéresse tout logiquement aux nouvelles aventures de Robert Langdon, toujours avec Tom Hanks (il s’agit de la troisième adaptation mais en réalité, en fonction de sa publication, il est le quatrième tome de la saga). J’avais auparavant une « dent » contre le film Da Vinci Code, maintenant je le trouve un peu plus acceptable (même s’il est très en-dessous du roman); et j’ai toujours aimé Anges et Démons (film et livre). Bref, Inferno est en tout cas dans la même lignée des deux précédents longs-métrages (même s’il est en-dessous de Anges et Démons). Dans ce nouveau volet, tout va assez vite : notre héros est en danger dès le début du film : qui lui veut du mal ? D’où lui viennent ses « visions » et hallucinations ? Le film reprend alors les mêmes ingrédients : rapport avec la culture (ici on retrouve notamment un lien avec Inferno / L’Enfer de Dante ou encore on se balade dans des musées), mystères en tout genre, messages à décrypter, personnages qui cachent leur jeu, voyages et collaborations internationales etc… L’ensemble m’a paru bien rythmé et dynamique (même si tout va vite – peut-être limite trop), la mise en scène assez efficace dans son genre (même si elle n’a rien de révolutionnaire, nous sommes bien d’accord), l’histoire en elle-même est aussi assez plaisante même s’il n’y a pas de réelles surprises (on peut deviner qui cache quoi par exemple). Esthétiquement, il y a quelques séquences (je pense aux visions de Robert Langdon) assez réussies. Cela dit, les différents thèmes abordés (par exemple la surpopulation) ne sont pas suffisamment développés et exploités : par conséquent, Inferno ne parvient pas à être autre chose qu’un divertissement sympa. C’est dommage. Côté casting, Tom Hanks est toujours à l’aise dans le rôle du célèbre professeur de symbologie de Harvard. Dans l’ensemble, le reste du casting suit plutôt bien : Felicity Jones – bon, elle a toujours l’air ébahie par tout et n’importe quoi mais elle apporte une certaine fraîcheur, Ben Foster – même si on le voit peu (et que par flashback) ou encore Sidse Babett Knudsen (la Danoise qu’on voit absolument partout en ce moment). Cela dit, sans faire du french bashing, les films américains ne mettent pas nécessairement en avant le talent de Omar Sy, décidément cantonné à des rôles secondaires pas très développés et vraiment caricaturaux. Bref, Inferno n’est pas le divertissement du siècle, loin de là : une fois vu, on l’aura oublié. Mais pour moi, le job est pas mal fait et pour être honnête, je n’en attendais pas spécialement plus !

Inferno : Photo Omar Sy

Doctor Strange

réalisé par Scott Derrickson

avec Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Tilda Swinton, Rachel McAdams, Mads Mikkelsen, Benedict Wong, Amy Landecker, Scott Adkins, Benjamin Bratt, Michael Stuhlbarg…

Film fantastique, action américain. 1h55. 2016.

sortie française : 26 octobre 2016

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Doctor Strange suit l’histoire du Docteur Stephen Strange, talentueux neurochirurgien qui, après un tragique accident de voiture, doit mettre son égo de côté et apprendre les secrets d’un monde caché de mysticisme et de dimensions alternatives. Basé à New York, dans le quartier de Greenwich Village, Doctor Strange doit jouer les intermédiaires entre le monde réel et ce qui se trouve au-delà, en utlisant un vaste éventail d’aptitudes métaphysiques et d’artefacts pour protéger le Marvel Cinematic Universe.

Doctor Strange : Photo Benedict Cumberbatch

Hollywood s’intéresse depuis plusieurs années aux adaptations de Marvel. Doctor Strange, créé par Steve Ditko, n’échappe pas à la règle. Je ne m’en suis jamais cachée : j’ai toujours eu du mal avec les adaptations de comics au cinéma, je ne me suis jamais « battue » pour en voir au cinéma alors que beaucoup pensent qu’il s’agit des films-EVENEMENTS de l’année. Le hasard (on m’a emmenée le voir) m’a permis d’aller voir Doctor Strange qui n’était pas prévu au programme de mon côté. Hélas, ce n’est pas ce film qui va réellement me réconcilier avec les Marvel et compagnie. Il s’agit pour moi d’un long-métrage assez sympathique, plutôt divertissant (ce qui n’est pas si mal) mais à mon avis ça a du mal à aller plus loin (comme hélas un peu trop de blockbusters – même si je ne veux pas non plus coller des étiquettes à tous les films de cette catégorie). Il y a plein d’effets spéciaux et des décors impressionnants qui nous permettent d’en prendre plein la vue (du genre la ville se tord dans tous les sens à la Inception) – c’est un peu fatigant à la longue mais ça marche sur écran (même si je n’ai pas testé avec la 3D) et j’ai envie de dire que c’est bien fait. L’histoire en elle-même est plutôt intéressante et plaisante même si elle ne respire non plus une folle originalité. La mise en scène est aussi très efficace et propre pour ce type de production, en tout cas je n’en attendais pas spécialement plus. L’ensemble est plutôt bien rythmé et le ton adopté est plutôt sympa avec quelques touches d’humour (certes, ce n’est pas d’une grande subtilité mais ça fonctionne). Dans l’ensemble, le casting est plutôt à la hauteur de nos attentes. Benedict Cumberbatch s’est fait connaître en incarnant Sherlock Holmes dans l’excellente série BBC Sherlock. Doctor Strange n’est pas si éloigné de Sherlock (des personnages brillants mais cyniques, égocentriques et prétentieux). Du coup, l’acteur britannique est très à l’aise dans le rôle principal ! Les seconds rôles sont également plutôt convaincants, notamment de la reine des déguisements Tilda Swinton (même si on regrettera de voir de nouveau du white washing de peur de froisser un certain public et de pouvoir mieux ramasser des dollars). Cela dit, on regrettera de croiser des personnages assez creux ou pas suffisamment exploités (je pense notamment au docteur Christine Palmer (interprétée par toujours la rafraîchissante Rachel McAdams) ou encore le méchant de l’histoire (incarné par le charismatique Mads Mikkelsen). Finalement, les personnages ne sont pas exploités à l’image du scénario et des différents thèmes abordés.

Doctor Strange : Photo Benedict Cumberbatch, Rachel McAdams

Folles de Joie

réalisé par Paolo Virzi

avec Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Sergio Albelli, Marisa Borini…

titre original : La Pazza Gioia

Comédie dramatique italienne, française. 1h51. 2016.

sortie française : 8 juin 2016 (sortie dvd : 2 novembre 2016).

Vu dans le cadre de Dvdtrafic : Le film est présent sur le site de Cinetrafic qui vous présente différentes listes dont : films 2016. Un grand merci également à Bac Films (voici son site et sa page facebook).

entre copines
les sorties ciné de 2017

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Beatrice est une mythomane bavarde au comportement excessif. Donatella est une jeune femme tatouée, fragile et introvertie. Ces deux patientes de la Villa Biondi, une institution thérapeutique pour femmes sujettes à des troubles mentaux, se lient d’amitié. Une après-midi, elles décident de s’enfuir bien décidées à trouver un peu de bonheur dans cet asile de fous à ciel ouvert qu’est le monde des gens « sains».

Folles de Joie : Photo Valeria Bruni Tedeschi

Je ne suis pas très fan de La Prima Cosa Bella (très primé en Italie), en revanche par le même réalisateur, j’avais eu un véritable coup de coeur pour Les Opportunistes (Il Capitale Umano). J’étais donc curieuse de découvrir Folles de joie, présenté à la Quinzaine des Réalisateurs au dernier festival de Cannes. Paolo Virzi réunit deux actrices qu’il avait déjà dirigées (et toutes les deux récompensées par un Donatello grâce à lui) : Valeria Bruni Tedeschi et Micaela Ramazzotti (cette dernière étant également l’épouse de Virzi). L’histoire est assez basique (apparemment, l’histoire serait assez similaire à celle de Une journée de fous de Howard Zieff avec Michael Keaton (si des gens l’ont vu, à me confirmer l’information ou non) : Paolo Virzi met en scène deux femmes enfermées dans une institution psychiatrique qui finissent par s’y échapper. Le duo formé par Bruni Tedeschi et Ramazzotti est intéressant pour plusieurs raisons. La première concerne le ton général du film, une comédie dramatique (chacune semble incarner un genre en particulier), la seconde est un moyen de voir différents points de vue sur la folie. Beatrice (Valeria Bruni Tedeschi) est une femme exubérante et qui parle beaucoup et fort (et qui s’invente aussi une vie). L’actrice dit s’être inspirée de Blanche DuBois, le personnage culte de la pièce de Tennesse Williams, Un Tramway nommé Désir. Il y a bien une part de tragique dans ce film et les personnages. Pourtant, Beatrice a quelque chose qui ressemble plus à des actrices de la comédie italienne. Malgré toutes les épreuves qu’elle endure (la psychiatrie, c’est quand même pas de la tarte !), elle a quelque chose de solaire. En clair, c’est elle qui nous fait rire, c’est presque une incarnation même de la folie en tant qu’objet comique. Donatella (Micaela Ramazzotti) est tout le contraire de Beatrice. Elle est sombre avec sa couleur de cheveux noire, (loin de la blondeur de Beatrice), ses tatouages, sa maigreur (la silhouette de sa collègue est plus généreuse), son histoire (sans spoiler) est également beaucoup plus glauque ! Donatella est alors plutôt une représentation plus tragique de la folie. On a donc déjà vu mille fois (que ce soit qu’avec des femmes, des hommes ou mix) des duos de personnages très différents et qui finissent par devenir amis. C’est clairement ce qui se passe dans ce film (là par contre, cela n’a rien d’un scoop, on pouvait s’en douter avant même de regarder le film). Pas évident de re-exploiter ce thème en question (ce n’est d’ailleurs pas un reproche – il n’y a pas non plus des millions de thèmes) mais Paolo Virzi s’en sort plus que bien.

Folles de Joie : Photo Micaela Ramazzotti, Valeria Bruni Tedeschi

Les deux femmes sont donc opposées mais parviennent aussi à être complémentaires : il s’agit d’un schéma classique qui a le mérite de fonctionner, d’avoir du charme et de mêler réellement différentes émotions. Folles de joie doit donc beaucoup à ses personnages, bien dessinés et à ses actrices, toutes les deux formidables et investies. J’avais peur qu’elles en fassent des caisses. Certes, les deux actrices (enfin surtout Valeria Tedeschi Bruni) sont très expressives mais elles n’ont rien de pantins qui s’animent dans tous les ses comme on aurait pu le craindre, elles donnent simplement vie à des personnages peu ordinaires. Mais heureusement, le long-métrage ne repose pas que sur ces deux femmes très attachantes et fragiles. En mettant en scène deux femmes atteintes de troubles mentaux, Paolo Virzi parvient à retranscrire une sorte de tourbillon intérieur qui ne veut qu’être extériorisé, en signant un film assez bien rythmé sur différents niveaux. La mise en scène a quelque chose de classique (mais elle reste bien dans son genre) mais elle permet aux spectateurs de souffler un peu face à tant d’agitations. Le scénario m’a semblé assez inspiré et crédible, permettant aux personnages d’évoluer à travers leur cavale. Le choix de la photographie est également intéressant, soulignant autant des scènes lumineuses que sombres, encore une fois toujours à l’image du mental des deux personnages féminins. A travers ce (vague) mélange assez réussi de Thelma & Louise de Ridley Scott et Vol au-dessus d’un nid de coucou de Milos Forman (même si Folles de joie n’atteint évidemment pas le niveau de ces deux films en question), Paolo Virzi filme deux femmes, certes malades, qui ont soif de liberté. Pourquoi les a-t-on privées de ce pouvoir de liberté ? La société n’est-elle pas parfois responsable des maux, en particulier celles des femmes, davantage victimes de certains faits ? Le film est aussi une ode au bonheur : le bonheur (l’amitié peut contribuer au bonheur), c’est aussi un formidable accès à la liberté. La liberté, ce n’est pas uniquement une question de ne pas pouvoir sortir d’un lieu ou de pouvoir bénéficier de droits : c’est aussi pouvoir trouver une paix intérieure et accepter certaines choses qui nous dépassent. Mêlant merveilleusement bien drame, comédie et road-movie, traitant plutôt bien son sujet et présentant des personnages attachants très bien interprétés, Folles de joie est une des bonnes surprises cannoises venue tout droit d’Italie qui décidément nous livre toujours chaque année quelques pépites.

Folles de Joie : Photo Micaela Ramazzotti, Valeria Bruni Tedeschi

 

Where to Invade Next

réalisé par et avec Michael Moore

Documentaire américain. 2h. 2015.

sortie française : 14 septembre 2016

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Dans son nouveau documentaire, Michael Moore décide de s’amuser à envahir le monde pour déterminer ce que les États-Unis peuvent apprendre des autres pays.

Where To Invade Next : Photo Michael Moore

Présenté dans plusieurs festivals (Toronto, Berlin, Deauville…), probablement dans la liste des prochains nommés aux Oscars dans la catégorie « meilleur documentaire » (le contraire me décevrait), Where to invade next marque le retour de Michael Moore devant et derrière après six années d’absence. Le bonhomme est toujours aussi engagé et surtout aussi critique envers son pays d’origine, les Etats-Unis. A partir de son expérience personnelle et de ses voyages, Michael Moore se met en scène : comment peut-il aider le gouvernement américain à améliorer les conditions de vie de ses citoyens et plus généralement son système ? Comme on dit, l’herbe est toujours plus verte ailleurs ! Le réalisateur de Bowling for Columbine part alors dans différents pays Européens (ainsi qu’en Tunisie) afin de leur piquer leurs bonnes idées pour les redonner aux Américains : le travail (et tout ce qui va avec, notamment les congés payés) en Italie, l’école du bonheur en Finlande, les bonnes cantines en France, l’université gratuite en Slovénie, le travail de mémoire pour aller de l’avant en Allemagne qui traite bien ses employés au travail, les prisons en Norvège (qui interrogent aussi sur la question de la peine de mort), la chute des banquiers et la lutte des femmes en Islande,  l’interdiction de condamner toute personne possédant de la drogue (et en proposant de les aider à ne plus être dépendant) au Portugal ou encore le printemps arabe en Tunisie. Certains points sont évidemment discutables lorsqu’on en connait certains. On sait par exemple, de notre point de vue français, que les cantines dans l’Hexagone ne sont pas toutes excellentes comme celle présentée dans le film (qui se situe en Normandie). Ce n’est qu’un exemple parmi d’autres. Cela dit, sans vouloir défendre bêtement à tout prix ce film, cela ne m’a pas gênée pour plusieurs raisons. La première est que Michael Moore assume clairement (en le disant même assez tôt dans le film, après son escapade en Italie) ce choix : il ne va évidemment pas montrer les failles (heureusement sinon on ne s’en sortirait plus) ou les choses qui ne vont pas dans les pays que je viens de citer. Il sait qu’on ne vit pas dans le monde des Bisounours. Il a l’air candide mais tout ça reste de la mise en scène complètement assumée. Cela nous pousse alors à notre deuxième point : même s’il y a des choses certainement imparfaites dans n’importe quel pays, il faut savoir relativiser lorsqu’on sait que l’on possède des choses plus positives qu’ailleurs, même lorsque cet ailleurs fait rêver tout le monde (ou presque). Ce que je veux dire est que même une cantine médiocre en France restera meilleure qu’une cantine moyenne américaine.

Where To Invade Next : Photo Michael Moore

Troisièmement, et c’est peut-être le point le plus important à retenir, le but est d’exposer clairement sa critique envers les Etats-Unis et de poser de bonnes questions pour pouvoir changer son pays. Surtout Michael Moore parvient répondre à sa problématique de base : peut-on améliorer le système américain en piquant des idées aux autres ? La réponse va alors bien plus loin qu’un simple oui ou non. Le film a beau être critique envers les Etats-Unis (ce qui n’est pas une surprise venant de Michael Moore), il est pourtant étonnamment optimiste. Là encore dit comme ça on pourrait avoir l’impression d’être dans le pays des Bisounours. Mais le message est réellement fort : les Etats-Unis ont les cartes en main depuis très longtemps, les autres n’ont fait que piquer leurs idées qu’ils n’ont pas su mettre en place ! Le discours de Moore, évidemment appuyé par sa part de mise en scène qui séduira certains (dont moi) tout comme il pourra énerver d’autres spectateurs, m’a séduit et m’a paru pertinent. Je dois même admettre que j’ai eu l’impression d’élargir mon champ de vision en ce qui concerne certains points (notamment sur l’esclavage moderne dans les prisons américaines, je n’avais jamais étudié cette question de cette manière !). Surtout, au-delà d’une réelle réflexion, les séquences provoquent diverses réactions dans le sens où on passe volontiers du rire (notamment avec un Michael Moore faussement étonné par ses découvertes – que ce soit face aux cantines françaises sans fast-food et Coca ou en Italie avec les congés payés) à de l’émotion (je pense par exemple à la rencontre du père d’un des garçons tués par le monstrueux et glaçant Anders Breivik). Les rencontres entre les différents intervenants (politiciens, patrons, travailleurs, enfants, étudiants, prisonniers etc… bref, c’est assez varié comme vous pouvez le constater) sont également très enrichissantes. Le tout a beau durer deux heures, le temps passe très vite, l’ensemble est rythmé ça ne m’a pas paru barbant ou quoi que ce soit de ce genre. Il faut dire qu’au-delà d’un discours que j’ai trouvé passionnant et un Michael Moore toujours attachant, le montage est assez bien foutu, les plans soignés et surtout il y a une logique entre les différents voyages, une réelle connexion entre chaque pays et thèmes abordés. La pédagogie n’a alors absolument rien d’un gros mot, bien au contraire. Where to invade next est, malgré des reproches possibles à faire selon le point de vue, un documentaire passionnant, original et rafraîchissant.

Where To Invade Next : Photo Michael Moore

Zoolander 2

réalisé par Ben Stiller

avec Ben Stiller, Owen Wilson, Penélope Cruz, Will Ferrell, Kristen Wiig, Cyrus Arnold, Benedict Cumberbatch, Nathan Lee Graham, Christine Taylor, Kiefer Sutherland, Billy Zane, Sting, Milla Jovovich, Justin Theroux, Ariana Grande, Katy Perry, Neil deGrasse Tyson, Mika, Demi Lovato, Olivia Munn, John Malkovich, Anna Wintour, Susan Sarandon, Macaulay Culkin, Kim Kardashian, Kanye West, Kate Moss, Skrillex, Lenny Kravitz, Susan Boyle…

Comédie américaine. 1h42. 2016.

sortie française : 2 mars 2016

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Blue Steel. Le Tigre. Magnum… Des regards si puissants qu’ils arrêtent des shuriken en plein vol et déjouent les plans de domination mondiale les plus diaboliques. Un seul top model est capable de conjurer autant de puissance et de beauté dans une duck-face : Derek Zoolander ! Quinze ans après avoir envoyé Mugatu derrière les barreaux, Derek et son rival/meilleur ami Hansel, évincés de l’industrie de la mode suite à une terrible catastrophe, mènent des vies de reclus aux deux extrémités du globe. Mais lorsqu’un mystérieux assassin cible des popstars célèbres, les deux has-been des podiums se rendent à Rome pour reconquérir leur couronne de super mannequins et aider la belle Valentina, de la Fashion Police d’Interpol, à sauver le monde. Et la mode.

Zoolander 2 : Photo Ben Stiller, Owen Wilson, Penélope Cruz

J’ai toujours aimé Ben Stiller, que ce soit en tant qu’acteur, réalisateur et scénariste. J’ai cependant mis un temps fou à découvrir Zoolander, je ne l’ai vu que très récemment et je m’étais franchement bien marrée. Bon, après c’est du Ben Stiller, dans le sens où c’est un humour assez caricatural, qui ne vole pas toujours haut mais en même temps est plus sombre qu’il en a l’air (malgré toute la gamme de couleurs flashy via les costumes délirants). C’est pour cette raison que j’ai voulu aller voir cette suite assez attendue par les fans. Pourtant, je n’étais pas hyper rassurée car cette suite n’a pas été très bien reçue par la presse. J’ai fini par relativiser ces critiques assez négatives en me rappelant qu’en général les films réalisés par Ben Stiller ne sont pas réellement appréciés par la presse et qu’ils finissent par trouver un certain statut au fil du temps. Zoolander en fait partie. A sa sortie, il ne faut pas oublier que le film s’était fait casser et n’avait pas remporté un succès fou à sa sortie (on peut même parler d’échec). C’est finalement grâce à sa sortie en vidéo qu’il trouvera son public ! C’est par ailleurs pour cette raison que cette suite a mis du temps à être préparée, Stiller se rappelant de l’échec du premier film au cinéma. Je ne veux pas défendre bêtement cette suite, et je respecte évidemment les avis négatifs de chacun, mais quand je constate le manque d’engouement pour cette suite, je ne peux pas m’empêcher de penser qu’il y a un peu d’hypocrisie et de mauvaise foi (en tout cas de la part de certains). Je peux me tromper mais je pense que cette suite finira par être appréciée avec le temps. Après je reconnais que mon jugement sur cette suite est peut-être lié au fait que j’ai justement découvert le premier opus assez récemment.

Zoolander 2 : Photo Kristen Wiig, Will Ferrell

J’ai trouvé cette suite réussie pour plusieurs raisons. Déjà, je me suis tout simplement marrée, ce qui est le premier but de n’importe quelle comédie ! Encore une fois, j’adhère à l’humour assez gros, exagéré et tout ce qu’on veut, assez fidèle du premier volet. Certes, il y a évidemment des gags qui sont parfois lourds, d’autres plus réussis que d’autres, mais dans l’ensemble, les différentes situations présentées, les répliques et la crétinerie générale des personnages (incarnés par un casting toujours aussi si inspiré, qui s’éclate avec des expressions faciles ahurissantes !) sont juste pour moi drôles. L’humour n’est pas fin mais pourtant on ne peut s’empêcher de voir toute la bêtise constante qui nous entoure, que ce soit par la presse people, la milieu de la mode en générale ou encore les dérives des réseaux sociaux et des selfies. Le film est pour moi dans son temps, comme l’était par ailleurs le premier opus. Au-delà d’avoir signé un film qui est selon drôle, rythmé et divertissant, je trouve que Stiller parvient à trouver un juste équilibre, en faisant à la fois plaisir aux fans du 1er et à ceux qui découvrent cet univers pour la première fois. Le film prend quelques minutes pour expliquer ce qui s’est passé à la fin du film (ce qu’on connait donc déjà) et tout ce qui a suivi juste après. Certains diront après qu’il y a un effet de répétition, un avis que je peux comprendre mais que je ne partage pas. Je trouve qu’il y a derrière tellement une énergie à recréer un univers, à retrouver les personnages, il y a même une certaine inventivité (dans des détails, ce qui peut paraître paradoxal quand on connait l’humour lourd autour) et une réelle envie de pointer du doigt un milieu, avec les codes qui lui colle dans notre époque. On peut également discuter des guests (il y en a tellement, j’avoue ne pas les avoir tous reconnus). Certes, dans ce genre de films, il y a toujours quelque chose de gratuit, ça peut vite tourner au défilé de stars inutile. Cela dit, vu le sujet (comme dans le premier), ça passe de nouveau sans problèmes et beaucoup de caméos ou de petits rôles sont également jouissifs !

Zoolander 2 : Photo Nathan Lee Graham, Will Ferrell

Une journée particulière

réalisé par Ettore Scola

avec Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd…

titre original : Una Giornata Particolare

Drame italien. 1h45. 1977.

sortie française : 7 septembre 1977

Movie Challenge 2016 : Un film LGBT

 

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A Rome le 6 mai 1938. Alors que tous les habitants de l’immeuble assistent au défilé du Duce Mussolini et d’Hitler, une mère de famille nombreuse et un homosexuel se rencontrent.

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Au risque de choquer certains d’entre vous, je n’avais pas encore eu l’occasion de regarder des films d’Ettore Scola (j’en avais pourtant très envie). Suite à son décès en janvier dernier, Arte (chaîne que je vénère tant chaque jour) a décidé de programmer certains de ses longs-métrages, dont Une journée particulière. Ce film avait été présenté au festival de Cannes en compétition et avait remporté le César du meilleur film étranger. Marcello Mastroianni avait été nommé aux Oscars et aux Golden Globes pour son interprétation. L’histoire se situe le 8 mai 1938, c’est-à-dire le jour durant lequel Hitler (invité par Mussolini) a défilé dans les rangs des jeunesses mussoliniennes. Toute l’Italie est alors invitée à y assister. Cela dit, deux personnages ne vont pas y aller : d’un côté, Antonietta (incarnée par une excellente Sophia Loren, incarnant d’habite des femmes fatales), une mère au foyer à la tête d’une famille nombreuse et mariée à un macho qui ne se préoccupe pas d’elle, ce dernier pense que le rôle de la femme doit être à la maison et de s’occuper de sa famille. De l’autre, Gabriele (interprété par un magnifique Marcello Mastroianni, lui aussi dans un rôle à contre-emploi) est un présentateur radio homosexuel, consigné par la police dans son appartement. La caméra ne va alors jamais lâcher ces deux personnages qui apprennent à se connaître, dans un sens même à s’aimer et surtout à s’exprimer librement. Deux personnages, peu de lieux (pour ne pas dire pratiquement au même endroit), un récit qui se déroule (comme l’indique le titre ahahah) en une journée : on pense forcément aux codes du théâtre. Ce film a d’ailleurs été adapté à plusieurs reprises sur scène, ce qui n’est pas un hasard. Cela dit, Une Journée Particulière dépasse ce schéma. Certes, il a un aspect assez simple, ce qui n’a rien d’un reproche, au contraire, c’est même assez plaisant, mais je n’ai jamais eu l’impression d’assister à une pièce (beaucoup de films tombant parfois dans ce piège).

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La mise en scène est précise tout en restant très fluide à l’image de certains mouvements de caméra, je pense notamment à un joli plan-séquence suivi après d’une succession de petits plans qui donnent l’impression d’assister à un nouveau plan-séquence. Le scénario est habilement bien écrit dans le sens où il parvient à mêler habilement Histoire (le film étant en plus introduit par des images d’archive pour situer encore plus le contexte) et histoires individuelles et intimes, en dressant des portraits saisissants. Ainsi, cette rencontre va faire réaliser à Antonietta à quel point en réalité elle ne partage pas du tout l’opinion du foyer sur le Duce. Antonietta et Gabriele sont deux personnages qui a priori sont différents, surtout à cause de leur mode de vie, pourtant les deux se retrouvent dans une situation : leur vie les emprisonne. Le côté presque « huis clos » confirme la triste situation dans laquelle ils se trouvent sans pouvoir en échapper. Leur relation est intéressante : comme je le disais, quelque part, ils s’aiment, mais il ne s’agit évidemment pas d’un amour traditionnel comme l’entendent habituellement les spectateurs. Et je ne dis pas ça qu’à cause de l’homosexualité de Gabriele. En effet, à travers toutes les discussions (qui ne fatiguent jamais le spectateur), qui montrent déjà un désir de liberté, Antonietta et Gabriele se livrent à un étrange jeu de séduction. Certes, encore une fois, je ne remets pas la part humaine et sentimentale présente mais cette séduction en question apparaît ici comme un moyen de chercher une liberté que les personnages ne sont pas encore parvenus à acquérir. Finalement, même si ce film possède effectivement une part importante historique, il reste un film très universel, dont les thèmes peuvent parler à tout le monde et finalement le propos n’a pas vieilli. Une journée particulière est un film sobre mais pourtant aux qualités nombreuses et remarquables et surtout à la fois puissant et émouvant, porté par deux acteurs époustouflants.

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Tale of Tales

réalisé par Matteo Garrone

avec Salma Hayek, Toby Jones, Vincent Cassel, John C. Reilly, Shirley Henderson, Hayley Carmichael, Bebe Cave, Jessie Cave, Stacy Martin, Christian Lees, Jonah Lees, Alba Rohrwacher, Guillaume Delaunay…

titre original : Il racconto dei racconti

Film fantastique italien, français, britannique. 2h14. 2014.

sortie française : 1 juillet 2015

Movie Challenge 2016 : Un film adapté d’un livre

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Il était une fois trois royaumes voisins où dans de merveilleux châteaux régnaient rois et reines, princes et princesses : un roi fornicateur et libertin, un autre captivé par un étrange animal, une reine obsédée par son désir d’enfant… Sorciers et fées, monstres redoutables, ogre et vieilles lavandières, saltimbanques et courtisans sont les héros de cette libre interprétation des célèbres contes de Giambattista Basile.

Tale of Tales : Photo Salma Hayek-Pinault

Cela fait un moment que j’aime beaucoup le travail de Matteo Garrone, le réalisateur de Gomorra et Reality, tous les deux couronnés par le Grand Prix au festival de Cannes, respectivement en 2008 (sous la présidence de Sean Penn) et 2012 (sous celle de Nanni Moretti). J’étais donc enthousiaste de voir de nouveau Garrone en compétition cannoise avec ce Tale of Tales, même si le fait d’avoir tourné en langue anglaise avec un casting international ne me rassurait pas bizarrement. Garrone adapte ici Le Pentamerone (ou Le Conte des Contes) de Giambattista Basile, qui regroupe une cinquantaine de contes. Le titre ne vous dira peut-être rien, pourtant cette oeuvre a inspiré un grand nombre d’auteurs : Charles Perrault, les frères Grimm, J. R. R. Tolkien ou encore J. K. Rowling. Hélas, ce dernier long-métrage de Garrone ne m’a pas vraiment emballée. Le réalisateur a clamé dans toutes ses interviews qu’il présente comme des tableaux, lui-même étant peintre à côté de ses activités de cinéaste. Certes, je dois reconnaître que le film est très réussi d’un point de vue esthétique. L’équipe a vraiment mis les moyens dans d’impressionnants décors et costumes, la photographie et la lumière rendent également ce film encore plus sublime. On sent effectivement le rapprochement avec la peinture. En dehors de ça, Tale of Tales ne m’a pas vraiment convaincue et j’ai même l’horrible sentiment qu’il s’agit d’un horrible gâchis. Pour moi, c’est la preuve vivante qu’un beau film d’un point de vue esthétique n’est pas nécessairement un gage de réussite. J’aurais voulu littéralement m’émerveiller devant toutes ces belles images qui présentent des rois et monstres en tout genre, hélas je me suis vraiment ennuyée et je trouve que ça manque d’émotion, de force, de puissance et de magie même, ce qui est un comble face à des contes ! J’ai l’impression que Garrone a eu du mal à trier parmi les nombreux contes et surtout son travail est hyper bordélique. Le long-métrage présente trois histoires de manière entrecroisée : la première présente une reine (Salma Hayek) obsédée par son désir d’enfant, la seconde met en scène un roi (Toby Jones) qui découvre une puce qui va grandir considérablement et enfin la troisième histoire est celle d’un roi libertin qui est séduit par le chant d’une femme sans savoir que cette dernière est âgée et pas franchement très bien conservée.

Tale of Tales : Photo Stacy Martin

Entrecroiser ces trois histoires aurait pu donner du rythme à ce film qui dépasse les deux heures. Or, je me suis beaucoup ennuyée car le montage n’est pas très bon. Je n’ai rien contre les films qui présentent ce type de schéma à condition qu’il n’y ait pas de déséquilibre dans la présentation des histoires. Or, non seulement, il y a ce problème d’équilibre mais en plus, en dehors de la toute fin, on a tout de même du mal à voir la réelle connexion entre chaque récit, il n’y a pas de réelle connexion narrative, on ne comprend pas toujours les passages d’une histoire à l’autre. Pire, on a même parfois la désagréable impression que ce long-métrage ne parle de rien. En fait, on sent que Garrone a voulu lier les trois histoires mais il n’a pas réussi à nous donner cette impression d’emboîtement, c’est-à-dire qu’on est face à trois contes mais pas à ce que nous promet le titre, un conte des contes. Cela est réellement dommage de voir un scénario qui manque de structure et du coup qui part dans tous les sens car du coup on ne perçoit pas toujours les efforts de mise en scène. De plus, à force de tout miser sur l’aspect merveilleux et par conséquent par l’esthétique, Matteo Garrone ne pense pas à creuser les différents thèmes abordés (ou plutôt, pour reprendre le langage littéraire, les morales), comme par exemple les conséquences de l’égoïsme au sein de sa famille (le père délaisse sa fille pour sa créature puis la laisse concrètement à une autre créature, la reine qui veut tellement tomber enceinte qu’elle envoie à la mort son mari, la lavandière devenue jeune qui met de côté sa soeur et son propre milieu social), par conséquent la remise en question des liens du sang ou encore les névroses de femmes à chaque étape de sa vie (l’envie de s’émanciper, le désir d’être mère, la peur de vieillir). C’est d’autant plus dommage lorsqu’on connait la dimension psychologique voire même psychanalytiques que nous pouvons rencontrer dans les contes. Les stars du film (Salma Hayek, Toby Jones, Vincent Cassel) font plutôt bien le boulot même si leurs interprétations n’ont rien de transcendantes (il faut dire que les personnages manque d’épaisseur, ça n’aide pas). J’ai été plus convaincue par des acteurs davantage méconnus comme Christian et Jonah Lee ou encore Bebe Cave. Pour conclure, Le Conte des Contes est certes une réussite esthétique, qui avait un réel potentiel mais qui selon moi n’est pas à la hauteur de ses ambitions.

Tale of Tales : Photo Vincent Cassel

 

Mia Madre

réalisé par Nanni Moretti

avec Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini, Nanni Moretti, Beatrice Mancini, Anna Bellato…

Drame italien, français. 1h47. 2015.

sortie française : 2 décembre 2015

Mia Madre

Margherita est une réalisatrice en plein tournage d’un film dont le rôle principal est tenu par un célèbre acteur américain. À ses questionnements d’artiste engagée, se mêlent des angoisses d’ordre privé : sa mère est à l’hôpital, sa fille en pleine crise d’adolescence. Et son frère, quant à lui, se montre comme toujours irréprochable… Margherita parviendra-t-elle à se sentir à la hauteur, dans son travail comme dans sa famille ?

Mia Madre : Photo Margherita Buy, Nanni Moretti

Mia Madre faisait partie de ces chouchous au festival de Cannes (que ce soit par la presse française ou la presse internationale) et finalement, le jury présidé par les frères Coen a décidé de ne pas figurer le film au palmarès (tout ça pour mettre le film moyen d’Audiard en Palme d’or… oui, tacle totalement gratuit de ma part). Déjà, il y a quelques mois, face au verdict, j’avoue m’être posée des questions. Après, c’est sûr qu’on ne peut jamais juger un palmarès sans avoir vu le film mais j’aime tellement les films de Moretti que j’étais étonnée par ce résultat. Et effectivement, après avoir découvert ce nouveau cru de Moretti, j’étais en pétard contre le jury. Je sais qu’il y a toujours une part de subjectivité et c’est aussi pour cela que c’est intéressant de suivre différents festivals mais là, selon moi, il s’agit d’une grossière erreur de l’avoir totalement écarté de ce palmarès. Je vais même vous l’avouer avant la publication de mon bilan de l’année : Mia Madre est mon film préféré de 2015. Je trouve cela formidable de voir de la part d’un réalisateur qui a tout de même la carrière qu’on connait puisse signer un film aussi riche et profond. Moretti a beau avoir déjà traité le sujet difficile et délicat de la mort d’un membre de la famille (La Chambre du fils), de la maladie (Journal Intime) ou encore de la difficulté d’un tournage (Le Caïman) mais encore une fois reprendre des thèmes de prédilection n’a rien de scandaleux quand on a encore des choses à dire sur ces sujets en question et qu’on arrive à renouveler son cinéma. Je n’ai en tout cas pas eu l’impression qu’il se répétait, juste que ce film faisait partie de la continuité de son travail même si je sens que Moretti est encore plus exigeant qu’avant. Evidemment, et c’est peut-être cela qui a facilité mon coup de coeur, j’ai trouvé le film très émouvant, voire même bouleversant. Je pense que nous avons tous plus ou moins vécu ce genre de situation, c’est-à-dire la perte d’un proche suite à une maladie, et il faut avouer que le décès d’une mère a quelque chose de tristement universel. Sur le papier, ça peut être très repoussant. Certes, le film m’a fait pleurer, je ne vais pas vous mentir. Même si je trouve qu’il s’agit d’un film magnifique, pas forcément tout le monde a envie de voir ce genre d’histoire au cinéma. Mais il a plusieurs mérites et je crois que c’est pour cela que je l’ai autant aimé voire même adoré.

Mia Madre : Photo John Turturro

En effet, malgré son sujet très difficile, le film n’est pas du tout tire-larmes. C’est une émotion « vraie », il y a quelque chose d’authentique, qui a fait écho à des situations que j’ai vécues ou que j’ai observées. Il y a quelque chose de terriblement réaliste (mot qui veut un peu tout dire, j’en ai conscience – dans le sens où j’utilise beaucoup ce mot pour désigner des films à tendance documentaire ou dans cette veine), le film est, comme les autres longs-métrages de Moretti, autobiographique, ce qui peut expliquer ce côté si véridique (par ailleurs, les personnages du frère et de la soeur portent les prénoms des acteurs – Giovanni étant le véritable prénom de Moretti). En même temps, les scènes hilarantes du tournage de Margherita permettent de couper avec ce côté très intimiste (même s’il y a certainement du vécu vu que Margherita est un double de Moretti). Pour aller même plus loin dans cette question de « fiction » (je mets entre guillemets puisque justement les frontières entre la fiction, l’intime et l’autobiographie restent tout de même « floues »), il y a un emboîtement de scènes se déroulant dans le passé ainsi que des scènes relatant la conscience même de Margherita. Il y a des fois où on ne sait pas tout de suite de quoi il s’agit, ce qui parvient à montrer le bouleversement intérieur que vit Margherita. Comment continuer à vivre, à être dans son travail (qui peut littéralement se transformer en moments de comédie, ce qui ne parait pas anodin – je ne crois pas que ces scènes-là sont uniquement là pour nous détendre face à d’autres scènes plus dures), à se préoccuper de ce qui se passe dans la société (le sujet du film – autour du travail des ouvriers qui luttent – n’est pas également choisi au hasard) quand une chose aussi personnelle et finalement inévitable se produit ? Peut-on continuer à voir la réalité et même dans un sens à la vivre (Margherita étant dans un certain déni face à l’état de sa mère – ce qui n’est pas le cas de son frère) quand on n’accepte pas ce qui doit arriver ? Face à tous ces entrechocs, mis en puzzle de façon très habile, on arrive vraiment à décrire le chaos émotionnel de cette femme désemparée. Il est aussi intéressant de voir comment des éléments a priori uniquement autobiographiques peuvent avoir un véritable intérêt pour rendre ce film plus parlant. En effet, la mère de Moretti était vraiment professeur de latin. Ici, au-delà de l’hommage à sa mère, le latin semble prendre une réelle dimension et des interprétations diverses. Pour moi, le latin représente le lien entre les différents membres d’une famille (notamment d’une génération à l’autre) mais aussi une trace de vie malgré son statut de langue morte : une fois la madre disparue meurt, elle sera toujours présente dans le coeur et l’esprit des gens qui l’aimaient.

Mia Madre : Photo Giulia Lazzarini, Margherita Buy, Nanni Moretti

A l’image des émotions de Margherita qui se mélangent, ce film a quelque chose de merveilleusement paradoxal : ce film a beau parler de la mort, il est évidemment triste, mais c’est aussi une formidable ode à la vie, à ce qu’on a été dans notre existence, à ce qu’on laissera une fois qu’on ne sera plus là. L’écriture du film est alors extrêmement riche alors que le film a l’air a priori très simple. Mais c’est juste cette apparente simplicité qui fait la force de ce film. La mise en scène de Moretti est également vraiment bonne, en fait à l’image du scénario : elle a l’air simple, elle est également sobre mais en réalité elle est très soignée et précise. Il y a également un excellent travail de cadrage ainsi qu’un très bon montage. Enfin, les acteurs sont absolument tous exquis. En tête, Margherita Buy, actrice chouchou de Moretti depuis quelques années maintenant, qui interprète ici une sorte d’alter ego du réalisateur, est tout simplement excellente. Giulia Lazzarini, qui n’est pas célèbre en France mais est connue en Italie surtout pour avoir fait du théâtre, est également géniale et si attachante ! Comme le disent ses élèves, on l’aime comme si c’était notre mère ! Nanni Moretti s’est donné un rôle plus discret et secondaire, c’est-à-dire celui du grand frère bienveillant et lucide sur la situation. Il fait définitivement partie de ces réalisateurs qui parviennent aussi à être de très bons acteurs. Enfin, il faut évidemment parler de l’interprétation de John Turturro. Je sais que certains n’ont pas forcément aimé son interprétation ou son personnage très excessif, certains diront même qu’il cabotine. Pour ma part, justement, je l’ai trouvé bon dans ce rôle exubérant, je le trouve vraiment crédible en star hollywoodienne qui en fait des caisses pour se faire remarquer. En même temps, grâce à certaines scènes, il ne s’agit pas que pour moi d’un acteur qui oublie ses répliques en italien et qui fait perdre du temps à tout le monde. On comprend tout de même qu’il s’agit à la base d’un très bon acteur, capable de réellement bien jouer. Ca serait vraiment réducteur de dire qu’il en fait que des caisses et que son personnage n’est qu’un guignol : heureusement son personnage est plus épais qu’il en a l’air et l’interprétation de Turturro permet également de donner beaucoup de consistance à ce personnage.

Mia Madre : Photo Margherita Buy, Nanni Moretti

 

Contes italiens

réalisé par Vittorio et Paolo Taviani

avec Riccardo Scamarcio, Kim Rossi Stuart, Jasmine Trinca, Rosabell Laurenti Sellers…

titre original : Maraviglioso Boccaccio

Drame italien. 1h55. 2014.

sortie française : 10 juin 2015

Contes Italiens

Florence, XIVème siècle : la peste fait rage. Dix jeunes gens fuient la ville pour se réfugier dans une villa à la campagne et parler du sentiment le plus élevé qui existe, l’amour, dans toutes ses nuances.

Contes Italiens : Photo Lello Arena

Je n’ai pas vu des tonnes de films des frères Taviani mais de ce que j’ai pu voir, j’aime vraiment leur travail. Je garde vraiment un bon souvenir de Kaos et j’adore César doit mourir (Ours d’or au festival de Berlin en 2012). J’étais donc curieuse de découvrir leur dernier long-métrage, Contes Italiens, même si je ne suis pas forcément fan des films en costume et tout ça. Puis, en cours de littérature, mes profs ont souvent parlé de Boccace (puisque le long-métrage est donc tiré de cinq nouvelles du Décaméron). Je n’ai jamais osé lire ce pavé (et je ne pense pas aimer même si c’est bien de le lire pour sa culture générale) donc je n’ai aucune idée de la manière dont ont procédé les Taviani pour l’adaptation mais je connais un peu de quoi il s’agit tout de même (et ça change des adaptations idiotes, du style Virgin Territory, parce que là, malgré ma tolérance pour le travail des scénaristes envers les adaptations, il n’y a pas d’autres mots). Je ne parlerais pas de déception étant donné que je n’attendais pas non plus des masses ce film (encore une fois, je l’ai vu par curiosité et j’ai eu l’occasion de le voir à une période creuse, rien de plus) mais j’ai quand même trouvé ce film très moyen, ce qui est dommage, surtout quand on connait le talent des Taviani. Le film part pourtant plutôt bien, c’est-à-dire lorsque les personnages fuient Florence à cause de la peste pour aller se réfugier à la campagne : le contexte historique m’a semblé bien reconstitué et le spectateur est rapidement plongé dans l’histoire. Puis, les choses se gâtent quand les jeunes sont à la campagne et racontent à chaque fois une histoire. En fait, malheureusement, les Taviani, qui ont avoir plus de 80 ans (et donc beaucoup d’expérience), n’ont pas évité les éternels pièges réservés aux « films à sketchs » (enfin je ne suis quand même pas sûre de classer Contes italiens dans cette catégorie en particulier même si ça peut rappeler certains films dans cette veine-là). Du coup, on a droit à un long-métrage inégal.

Contes Italiens : Photo Carolina Crescentini

Disons qu’il y a des histoires plus intéressantes que d’autres. De tête, je garde un très bon souvenir de l’histoire avec Calandrino (avec Kim Rossi Stuart, qui doit jouer un moche, mais qui reste canon, bref pas grave), un gars un peu (beaucoup) simplet qui pense devenir invisible grâce à une pierre « magique » noire. J’ai également beaucoup aimé l’histoire avec les coucheries de bonnes soeurs dans un couvent. Ces deux sketchs en question m’ont tout simplement fait rire grâce à une écriture certes simple mais efficace (oui, j’aime dire cette expression à la con, on ne me tape pas !) et une chute qui fonctionne à merveille à chaque fois. Le tout dernier sketch, avec le fauconnier Federico qui retrouve sa bien-aimée, n’est certes pas drôle du tout contrairement aux deux autres histoires que je viens de citer mais cette dernière partie est vraiment très émouvante sans être larmoyante. En revanche, les deux autres histoires ne m’ont pas convaincue, et cela a tendance à créer une sorte de déséquilibre. En effet, rien que la toute première histoire avec une femme mourante sauvée par son amant (là déjà, malgré une bonne introduction, tu te dis que c’est mal barré pour la suite) m’a assommée (d’ailleurs, il me semble que je me suis légèrement assoupie à ce moment-là). J’ai juste trouvé l’histoire très cul-cul (oui j’utilise en plus des expressions dignes d’un enfant de troisième année de maternelle). Et l’autre histoire que je n’ai pas aimée (avec Tancredi et sa fille) est également très niaise et limite un peu dépassée et tu sors de là avec une affreuse envie de te pendre ! Bref, comme je le disais, l’ensemble paraît du coup déséquilibré, il y a clairement quelques problèmes de rythme et des longueurs, on ne rencontre pas le même intérêt pour chaque histoire, les transitions entre les sketchs sont parfois un peu longues même si elles ne sont pas toujours inintéressantes (notamment en ce qui concerne la reconstitution historique qui ne paraît pas too much, mais vraiment juste comme il le faut). Même le casting est assez déséquilibré, il faut quand même le dire : certains jouent mieux que d’autres (certains sont même carrément mauvais).

Contes Italiens : Photo Kim Rossi Stuart

Youth

réalisé par Paolo Sorrentino

avec Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Mark Kozelek, Robert Seethaler, Alex MacQueen, Luna Zimic Mijovic, Tom Lipinski, Chloe Pirrie, Alex Beckett, Nate Dern, Mark Gessner, Paloma Faith, Ed Stoppard, Sonia Gessner, Madalina Ghenea, Sumi Jo…

titre original : La Giovinezza

Drame italien, britannique, suisse, français. 1h58. 2015.

sortie française : 9 septembre 2015

Youth

Fred et Mick, deux vieux amis approchant les quatre-vingts ans, profitent de leurs vacances dans un bel hôtel au pied des Alpes. Fred, compositeur et chef d’orchestre désormais à la retraite, n’a aucune intention de revenir à la carrière musicale qu’il a abandonnée depuis longtemps, tandis que Mick, réalisateur, travaille toujours, s’empressant de terminer le scénario de son dernier film. Les deux amis savent que le temps leur est compté et décident de faire face à leur avenir ensemble.
Mais contrairement à eux, personne ne semble se soucier du temps qui passe…

Youth : Photo

Youth, présenté en compétition au dernier festival de Cannes, était évidemment un des films que j’attendais le plus cette année. Je dis « évidemment » car si vous suivez mon blog depuis un moment, vous devez donc savoir à quel point j’aime les films de Paolo Sorrentino et j’ai généralement toujours défendu ce réalisateur face à ses nombreux détracteurs. J’aime énormément Il Divo et This must be the place, quant à la La Grande Bellezza, je n’ai pas peur de dire qu’il s’agit pour moi d’un chef-d’oeuvre et qu’il s’agit toujours de MA Palme d’or 2013. C’est pour moi si rare d’éprouver autant d’émotions en regardant un film, de voyager comme une âme errante au coeur d’une ville avec ses personnages. Je me rappelle être sortie de la séance émue, en me disant « pétard, le film est déjà terminé ? ». Le film durait 2h20 mais honnêtement, je n’avais vraiment pas vu le temps passer et j’avais l’impression que je pouvais encore rester dans la salle ! J’ai d’ailleurs revu le film récemment et je ressens toujours la même chose, le résultat est pour moi toujours aussi intense et je trouve ses significations de plus en plus profondes. Bref, pour ma part, j’attendais donc logiquement ce Youth. Je ne m’attendais pas forcément à un film aussi bon que La Grande Bellezza (je ne sais pas si Sorrentino pourra un jour faire mieux) mais j’espérais tout de même voir un bon film, voire même un très bon film car je sais tout simplement de quoi Sorrentino est capable. Comme vous l’aurez peut-être compris à travers cette longue introduction, j’ai été déçue par ce Youth (et là pour une fois, c’est totalement justifié qu’il n’ait rien remporté à Cannes). Je ne dis pas que le film est mauvais, juste décevant. On retrouve la patte de Sorrentino mais la magie fonctionne beaucoup moins qu’avant. Au niveau de la mise en scène et de la technique, il n’y a pourtant rien à dire, on retrouve donc tout ce qui a contribué au succès des films de Sorrentino. J’ai effectivement retrouvé tout ce que j’aime chez Sorrentino, c’est-à-dire sa mise en scène grandiloquente et virtuose (même si elle est souvent associée à quelque chose de clippesque et prétentieux).

Youth : Photo Harvey Keitel, Michael Caine

Encore une fois, lui et son équipe ont vraiment fait du bon boulot en ce qui concerne la photographie, la lumière, la maîtrise évidente d’un grand nombre de plans, la manière de s’approprier des lieux ou encore la manière de faire intervenir des personnages parfois trèèès secondaires. Cependant, contrairement à ses précédents longs-métrages, pour une fois, je vais rejoindre l’avis des détracteurs de Sorrentino : j’ai trouvé ce film assez prétentieux, clippesque et pas aussi profond que prévu. Je sais ce que certains vont me répondre : c’était déjà le cas dans ses autres films. Ahaha. Je ne nie pas cette possibilité. Seulement, comme je le disais, il se passait quelque chose émotionnellement, j’étais envoûtée. Surtout, je trouvais à chaque fois le résultat fluide. Je m’explique. Pour moi, l’émotion même de ces films venait de la manière dont les scènes s’enchaînaient, comme si tout était d’une logique imparable, comme s’il n’y avait finalement aucun calcul. C’est vraiment une incroyable expérience d’entrer dans ses films et d’avoir cette impression de flotter, de vagabonder, c’est difficile de décrire toutes mes émotions, je fais de mon mieux, j’espère être claire. Bref, là, pour la première fois, premier vrai blocage : je ne vois qu’une succession de techniques et de pseudo-philosophie. Pour la première fois chez Sorrentino, je vois effectivement de bonnes scènes, parfois touchantes, parfois très drôles, mais c’est comme s’il n’y avait vraiment de lien entre elles. Il y a des moments où je me disais : « j’ai raté une scène ? » ou encore « mais pourquoi on passe déjà à cette scène ? ». Peut-être que le problème vient alors du montage. Puis, en analysant bien mes impressions, je dirais que ce sont finalement les personnages qui m’ont déçue (enfin il n’y a pas que ça non plus). Je ne viens pas du tout d’un milieu aisé mais les précédents personnages richissimes de Sorrentino parvenaient tout de même à me toucher, j’arrivais à comprendre leur détresse et surtout j’aimais vraiment leur cynisme.

Youth : Photo Paul Dano

Dans Youth, on retrouve bien tout ça, des personnages riches, même célèbres, cyniques mais malheureux. Seulement, moi qui adore le cynisme chez les personnages, je n’y ai pas vraiment cru cette fois-ci. Je n’ai pas non plus cru à la peine qu’ils éprouvent. En fait, pour clarifier mon propos, je dirais qu’il y a un problème d’écriture, du coup les personnages en ont pris un coup, et par conséquent le film aussi. Encore une fois, même si je ne nie pas cette possibilité, je ne trouvais pas forcément les précédents longs-métrages de Sorrentino superficiels. Certes, on voyait déjà que le réalisateur était préoccupé par ses créations esthétiques (en soi, ce n’est pas forcément une mauvaise idée) mais pour moi même si les personnages sont superficiels, ses films avaient encore une fois une véritable profondeur. Là, pour la première fois, j’ai eu du mal à voir une véritable profondeur dans les personnages, même si on sent que Sorrentino a pourtant envie de leur en donner. Je trouve qu’il a du mal à trouver un bon équilibre dans ses dialogues. Je sais pourtant à quel point les dialogues sont importants dans ses films mais j’avais l’impression qu’il savait s’arrêter juste quand il le fallait. Or là, j’ai eu l’impression que ses personnages en disaient trop, que leur cynisme était ultra forcé, comme si une pancarte était affichée devant la caméra : « attention, il est cynique ». Je dirais aussi qu’il y a un déséquilibre dans la manière de nous présenter les personnages. On sent bien que le personnage incarné par Michael Caine est le point de l’histoire et qu’autour de lui gravitent les personnages. Or, le personnage de Keitel s’impose parfois un peu trop, au point qu’on oublie son partenaire. Cela m’a encore plus gênée étant donné que j’ai trouvé le personnage incarné par Keitel (un réalisateur en train de préparer avec ses jeunes scénaristes son film-testament) inintéressant. Il y a même un moment où tu as envie de lui gueuler : « Putain, on s’en fout de ta putain de fin que tu cherches depuis 3 heures ! ». Oui, parce que son personnage et ses jeunes scénaristes cherchent donc une putain de fin pour son dernier chef-d’oeuvre à venir (ou pas). Et les scènes autour de ce problèmes deviennent rapidement ultra-répétitives.

Youth : Photo Ed Stoppard, Paloma Faith

Sorrentino aime aussi mettre en scène des personnages qui parfois ne disent pas grand chose, sont trèèès secondaires, mais pourtant apportent vraiment quelque chose au propos. Attention, ces seconds rôles en question (Paloma Faith, la masseuse, la Miss Univers etc…) ne sont pas forcément déplaisants mais je ne vois pas trop où il a voulu en venir, leur intérêt m’a paru là encore un poil superficiel. La présence de Jane Fonda m’a également gênée. Alors, certes, son personnage est très attendu vu qu’on ne fait que parler d’elle. Cependant, quand elle apparaît enfin, je n’ai pas pu m’empêcher de me dire « boudi, mais elle déboule de nulle part ! ». On a vraiment l’impression que c’est une guest star pour être une guest star, que c’est une apparition un peu gratuite juste pour essayer de dire un max de saloperies en très peu de temps. J’ai également trouvé le film vraiment trop long, on a l’impression que Sorrentino a dû mal à finir son film. Pourtant, je reconnais que la scène finale (certes également étirée) avec Sumi Jo est formidable. Surtout, alors que je trouvais les films de Sorrentino intelligents jusqu’à présents, j’avoue ne pas vraiment voir où il a voulu en venir avec cette vague réflexion autour de la jeunesse et de la vieillesse. Avec toute cette bouillasse, il y a certes des choses intéressantes ou qui fonctionnent. L’ensemble n’est pas non plus désagréable, encore une fois le savoir-faire de Sorrentino sauve pas mal les meubles, il y a des scènes vraiment réjouissantes qui m’ont rappelé pourquoi j’aimais Sorrentino. Enfin, même s’ils ne rivalisent pas avec les interprétations de Toni Servillo ni celle de Sean Penn dans This must be the place, les acteurs sont également tous très bons, alors qu’ils ont la lourde tâche d’interpréter des personnages superficiels et pas suffisamment approfondis par le scénario.

Youth : Photo Jane Fonda

La Grande Bellezza

réalisé par Paolo Sorrentino

avec Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Iaia Forte, Isabella Ferrari, Vernon Dobtcheff, Giorgio Pasotti, Luca Marinelli, Galatea Ranzi…

Comédie dramatique italienne, française. 2h20. 2013.

sortie française : 22 mai 2013

La Grande Bellezza

Rome dans la splendeur de l’été. Les touristes se pressent sur le Janicule : un Japonais s’effondre foudroyé par tant de beauté. Jep Gambardella – un bel homme au charme irrésistible malgré les premiers signes de la vieillesse – jouit des mondanités de la ville. Il est de toutes les soirées et de toutes les fêtes, son esprit fait merveille et sa compagnie recherchée. Journaliste à succès, séducteur impénitent, il a écrit dans sa jeunesse un roman qui lui a valu un prix littéraire et une réputation d’écrivain frustré : il cache son désarroi derrière une attitude cynique et désabusée qui l’amène à poser sur le monde un regard d’une amère lucidité. Sur la terrasse de son appartement romain qui domine le Colisée, il donne des fêtes où se met à nu « l’appareil humain » – c’est le titre de son roman – et se joue la comédie du néant. Revenu de tout, Jep rêve parfois de se remettre à écrire, traversé par les souvenirs d’un amour de jeunesse auquel il se raccroche, mais y parviendra-t-il ? Surmontera-t-il son profond dégoût de lui-même et des autres dans une ville dont l’aveuglante beauté a quelque chose de paralysant…

La Grande Bellezza : Photo Toni Servillo

Le réalisateur napolitain Paolo Sorrentino (actuellement en compétition à Cannes pour Youth – La Giovinezza) présente son sixième long-métrage, La Grande Bellezza, au festival de Cannes en 2013. Comme l’a dit très justement une critique de Première, soit on adore ce film, soit on le déteste. Ceci dit, ce film possède pour moi tellement de qualités que j’avoue ne pas comprendre son absence au palmarès (tout ça pour remettre la Palme d’or à l’interminable La vie d’Adèle… oui, toi lecteur qui commence à me connaître, je suis désolée, je te saoûle parce que je te parle trop de Kechiche). Je pense tout particulièrement à l’énième absence de Toni Servillo au palmarès alors que cela fait des années qu’il mérite de le remporter et là il s’agissait de l’occasion idéale pour lui en remettre un. Je précise que je comprends pourtant qu’on puisse détester ce film (ce qui peut sembler paradoxal). Depuis, j’ai une dent contre le président du jury de l’époque, Steven Spielberg, ainsi qu’à son jury (raaaahhhh). Heureusement, d’autres académies ont remarqué les qualités louables de ce film que je considère déjà comme un chef-d’oeuvre et dont je ne me lasse pas de revoir. Ainsi, il a reçu l’Oscar et le Golden Globe du meilleur film étranger, ainsi que plusieurs Donatello (les équivalents des César en Italie) dont meilleurs réalisateur et acteur (le Donatello du meilleur film a été remis au très bon Les Opportunistes) ou encore plusieurs European Film Awards. Pourtant, cela pourrait paraître étrange que j’aime autant ce film. Sur le papier, il n’y aurait pas d’histoire : le spectateur suit une partie de l’existence de Jep Gambardella face à la vieillesse et à la mort. Pourtant, au fond, dire qu’il n’existe aucune histoire serait faux : il s’agit de l’histoire de Jep. Nuance.

La Grande Bellezza : Photo Toni Servillo

Malgré ce « rien » en apparence, qui met en avant le vide existentiel du personnage principal, il y a derrière un véritable travail d’écriture, nous trouvons notamment une progression dans ce « rien » narratif, ou encore les différentes interventions des personnages permettent à l’histoire d’avancer. En général, j’ai horreur des films qui mettent en scène l’ennui des personnages car justement souvent je m’emmerde avec eux. Or, ce long-métrage ne m’ennuie pas, au contraire, je suis emportée par cette odyssée au coeur de la ville éternelle. Cela m’a émue de me retrouver pratiquement à l’intérieur de la conscience de Jep, qui vagabonde dans Rome entre le présent et le passé. Sorrentino a su filmer tous les paradoxes même d’une existence, voire même d’une société (en l’occurrence la société romaine), oscillant ainsi entre la mort et la vie, le profane et le sacré, l’ancien et le moderne, la beauté et la superficialité / le grotesque. Le mélange des différentes émotions que le spectateur peut ressentir est alors cohérent par rapport à la complexité et dans un sens la misère intérieure de l’homme seul face à la métropole. Qu’est-ce que la grande beauté évoquée dans le titre ? La beauté de Rome, qui parvient à garder ses traces historiques dans une époque moderne et superficielle, au point de tuer un touriste japonais ? S’agit-il d’un titre ironique, soulignant ainsi une beauté disparue à cause du renoncement des personnages ? S’agit-il plutôt de la beauté intérieure, plus importante que la superficialité ? Ou encore, la grande beauté ne désignerait-elle pas la quête du bonheur ? Cette beauté en question apparaît évidemment aussi à travers l’art et les nombreuses références cinématographiques et littéraires qui construisent ce film. On pensera évidemment à La Dolce Vita de Fellini mais aussi à Huysmans (la référence ultime sur la décadence), Proust (dans le voyage du souvenir), Céline (dont un extrait de Voyage au bout de la nuit est cité au début du film) ou encore Flaubert (sur le néant).

La Grande Bellezza : Photo Luciano Virgilio, Toni Servillo

Cependant, il ne s’agit pas de références pour faire des références. Ces références servent à montrer l’importance même de cette recherche de l’art absolu qui parvient à rester éternel, comme Rome, contrairement à l’homme, confronté à la mort, que ce soit la sienne ou celle des autres. Le mélange de tous ces arts ensemble (cinéma, littérature, photographie, peinture, architecture, musique) est explosif mais sans jamais s’éparpiller, comme si chaque art apportait un nouveau regard sur l’histoire, mais apportait aussi des réponses même au cinéma ou se complétant sans cesse. Surtout, Paolo Sorrentino ne se laisse pas écraser par ses connaissances qui trouvent ici une véritable utilité, il a clairement son propre univers, chaque scène est précise, chaque plan a son utilité, son détail, sa richesse, on sait où le réalisateur mène son film. La mise en scène de Sorrentino pourra évidemment agacer et être accusée de superficialité. Pour ma part, je l’ai trouvée virtuose, parvenant à retranscrire le tourbillon existentiel du personnage principal. De plus, son style parfois « tapageur » sert réellement le propos du film. Non seulement, il réussit à montrer la décadence de la société romaine à son paroxysme mais surtout il surcharge volontairement la réalité pour pouvoir en retirer l’essentiel. De plus, Sorrentino a beau filmer des riches avec parfois une certaine tendresse (je fais ici une référence à une réplique explosive de Jep), grâce notamment au cynisme désabusé du personnage principal, le réalisateur n’est pas, selon moi, hautain avec ses spectateurs. La musique va également de pair avec cette mise en scène, confirmant cette avalanche de sentiments parfois contradictoires au sein d’un même individu. Enfin, qu’on aime ou qu’on déteste ce film (et encore une fois, je comprends qu’on puisse en avoir horreur), impossible de passer à côté l’époustouflante interprétation de Toni Servillo, pour moi l’un (voire même le) des meilleurs acteurs de sa génération.

La Grande Bellezza : Photo Toni Servillo

La Chambre du fils

réalisé par Nanni Moretti

avec Nanni Moretti, Laura Morante, Jasmine Trinca, Giuseppe Sanfelice, Silvio Orlando, Stefano Accorsi…

Titre original : La stanza del figlio

Drame italien. 1h40. 2001.

sortie française : 18 mai 2001

La Chambre du fils

Dans une petite ville du Nord de l’Italie, Giovanni mène une vie paisible, entouré de sa femme, Paola, et de ses deux enfants déjà adolescents : Irene, l’aînée, et Andrea, le cadet.
Giovanni est psychanalyste. Dans son cabinet qui jouxte son appartement, ses patients lui confient leurs névroses, tandis que sa vie privée est réglée par un tissu d’habitudes : lire, écouter de la musique et s’épuiser dans de longues courses à travers la ville.
Un dimanche matin, Giovanni est appelé en urgence par un patient. Il ne peut aller courir avec son fils, comme il le lui avait proposé. Andrea part plonger avec ses amis. Il ne reviendra pas…

La Chambre du fils : Photo

Comme vous le savez probablement, le Festival de Cannes commence aujourd’hui. C’est l’occasion pour moi de consacrer quelques lignes à quelques films, sélectionnés voire même récompensés par le jury. Certains se réjouissent de voir de nombreuses dindes stars hollywoodiennes fouler le tapis rouge (comme si le cinéma se résumait à l’Amérique). Quant à moi, j’ai hâte de découvrir la sélection italienne. Certes, certains râlent car mes amis Nanni Moretti, Paolo Sorrentino et Matteo Garrone sont souvent / tout le temps sélectionnés dès qu’ils sortent un nouveau film. Cependant, même si je suis totalement pour la découverte de nouveaux talents, ces trois messieurs font pour moi partie des meilleurs réalisateurs européens actuellement. Et non, le cinéma italien n’est pas mort ! Je fais donc une première critique « cannoise » sur la Palme d’or attribuée par le jury de Liv Ullmann en 2001, c’est-à-dire La Chambre du fils. C’est une Palme d’or qui a tendance à emmerder les cinéphiles. Et il y a de quoi : la concurrence était rude, pas mal de films avaient largement le niveau pour remporter cette fameuse Palme qui fait tant rêver (et dans le lot, je considère certains comme des chefs-d’oeuvre). Pourtant, je défends fermement cette Palme d’or. Il s’agit d’un des meilleurs films de Nanni Moretti (je dis « un » car j’avoue que j’ai du mal à en avoir un préféré). Au passage, La Chambre du fils avait également remporté le prix FIPRESCI du festival de Cannes ainsi que 3 récompenses sur 12 nominations aux Donatello (les César italiens) : meilleur film, meilleure actrice pour Laura Morante et meilleure musique (composée par Nicola Piovani). Nanni Moretti était jusqu’à présent connu pour être une sorte de Woody Allen grognon, très engagé politiquement et qui n’hésite pas à dire ce qu’il pense (son passage à Cannes en 2012 en tant que Président du jury nous l’a récemment prouvé lors des conférences de presse  qu’on aime ou non son verdict). Même s’il n’y a pas nécessairement un changement radical, selon moi La Chambre du fils représenterait une sorte de renouveau dans la carrière de Nanni Moretti, dans le sens où son cinéma s’ouvre au fil des années à un public un peu plus large.

La Chambre du fils : Photo

Malgré une émotion qui peut paraître d’emblée dans son sujet (la perte d’un enfant), ce film avait tout pour se casser la gueule : comment filmer le deuil sans en faire des tonnes ? Comment rendre cette chronique familiale captivante ? Pourtant, Moretti s’en sort avec brio. Le film se veut simple notamment en prenant le temps de présenter chaque membre de la famille, leurs habitudes etc… La réalisation joue également sur la sobriété. Cependant, malgré cette simplicité en apparence, La Chambre du fils est vraiment émouvant. En réalité, c’est même cette sobriété qui permet au film de toucher le public. On aurait pu s’attendre à un film tire-larmes mais heureusement Moretti évite ce piège. Puis, surtout, cette sobriété, ce côté banal n’est qu’une apparence. En réalité, la mise en scène est exigeante et l’écriture remarquable, permettant de mettre en avant toute la complexité des sentiments humains. Le film est alors construit en trois parties. Dans la première partie, on nous présente la vie quotidienne d’une famille banale comme on en voit souvent, chacun ayant ses habitudes. Ce quotidien sera alors bouleversé par le décès du fils Andrea dans un accident de plongée. Dans la seconde partie, la cellule familiale est en crise, chacun réagit différemment suite à ce décès soudain : le père culpabilise, la mère s’effondre très rapidement et la soeur se défoule en jouant au basket. En ce qui concerne le père, il est intéressant de voir la confrontation entre la vie professionnelle et la vie privée. Le père (Giovanni) a l’habitude dans le cadre de son travail de voir la douleur des autres. Il pense qu’il pourra continuer à travailler après le décès de son fils. Mais sa douleur ne lui permet plus d’être compétent. La situation devient alors ironique, lui qui écoute les autres ne parvient pas à partager sa douleur en parlant avec quelqu’un d’autre. Cette deuxième partie présenterait alors une étude sur le comportement humain face au deuil, il y aurait alors une mise en abyme avec le travail de psychanalyste du père de famille.

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Enfin, dans la dernière partie, la famille aide Arianna, l’ancienne petite amie d’Andrea, à rejoindre la frontière française avec son Paul. Le voyage symbolise clairement la nouvelle vie de cette famille sans Andrea. Arianna est clairement une référence au fil d’Ariane, comme si l’âme d’Andrea s’était rattachée à elle : quand elle part, c’est comme si l’âme du fils pouvait partir à son tour définitivement, comme si la famille acceptait enfin sa mort. Même si chacun marche séparément dans le même cadre, la mer calme au dernier plan peut indiquer cet apaisement et surtout la possibilité d’un rapprochement entre chaque membre et par conséquent de la reconstruction de la cellule familiale : cela prendra encore du temps mais cette famille a désormais la possibilité de surmonter son drame et continuer sa vie. Il n’y a pas que la construction du scénario ou encore toutes les métaphores possibles qui sont intéressantes. Chaque détail, chaque dialogue, chaque plan compte et a une réelle signification. Par exemple, il est intéressant de voir comment la mort est omniprésente avant le décès d’Andrea : Giovanni roule en voiture pour se rendre chez un patient, un camion roule dangereusement sur la route, un voleur pousse violemment la mère au marché aux puces, la soeur a une conduite dangereuse sur sa motocyclette. Pourtant Andrea meurt dans un paysage qui n’a pas l’air dangereux, d’un calme effroyable. Pour conclure, La Chambre du fils est un magnifique film, accessible mais pas simpliste, profond, généreux, précis et rigoureux, mais jamais prétentieux ni méprisant avec ses spectateurs, au contraire. L’ensemble est juste, puissant, intelligent et émouvant, sans foutre un couteau sous la gorge aux spectateurs. Enfin, le casting est impeccable, la musique de Nicola Piovani est magnifique sans être envahissante et certains choix musicaux (Insieme a te non ci sto più de Caterina Caselli, By this river de Brian Eno etc…) sont pertinents.

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La Belle Endormie

réalisé par Marco Bellocchio

avec Toni Servillo, Isabelle Huppert, Alba Rohrwacher, Michele Riondino, Maya Sansa, Piergiorgio Bellocchio jr…

titre original : La Bella Addormentata

Drame italien, français. 1h50. 2012.

sortie française : 10 avril 2013

La Belle endormie

Le 23 novembre 2008, l’Italie se déchire autour du sort d’Eluana Englaro, une jeune femme plongée dans le coma depuis 17 ans. La justice italienne vient d’autoriser Beppino Englaro, son père, à interrompre l’alimentation artificielle maintenant sa fille en vie. Dans ce tourbillon politique et médiatique les sensibilités s’enflamment, les croyances et les idéologies s’affrontent. Maria, une militante du Mouvement pour la Vie, manifeste devant la clinique dans laquelle est hospitalisée Eluana, alors qu’à Rome, son père sénateur hésite à voter le projet de loi s’opposant à cette décision de justice. Ailleurs, une célèbre actrice croit inlassablement au réveil de sa fille, plongée elle aussi depuis des années dans un coma irréversible. Enfin, Rossa veut mettre fin à ses jours mais un jeune médecin plein d’espoir va s’y opposer de toutes ses forces.

La Belle endormie : photo Maya Sansa, Piergiorgio Bellocchio jr

Pour construire le scénario de La Belle Endormie, Marco Bellocchio est parti d’un événement qui a secoué l’Italie : la jeune Eluana Englaro fut victime en 1992 d’un accident de voiture qui la laissa dans un coma végétatif. Affirmant qu’elle aurait préféré être débranchée si elle tombait dans un coma, son père Beppino Englaro entreprend à partir de 1999 des démarches pour que son système d’alimentation artificielle soit enfin débranché. Après des années de débats et de manifestations dans tout le pays, le gouvernement italien autorisa finalement l’arrêt de son traitement. Cependant, le réalisateur du Vincere ne parle pas directement de l’histoire des Englaro. Le débat autour de cette mort assistée est bien sûr omniprésente, mais La Belle Endormie est plutôt un film choral, c’est-à-dire les personnages tournent et évoluent autour de ce sujet mais ne sont pas nécessairement impliqués dans la vie des Englaro. En réalité, on peut même dire que l’histoire d’Eluana va servir de fil conducteur entre les différentes histoires et les personnages. Malheureusement, comme dans beaucoup de films dans lesquels se mêlent et se croisent des personnages, le propos se perd un peu dans cette réalisation un peu trop longue et chaque personnage semble avoir du temps à exister. On ne sait pas vraiment pourquoi ils agissent ainsi, ce qu’ils pensent vraiment, on a du mal à avoir de la sympathie ou à les comprendre. Les personnages se trouvent dans des situations dramatiques, profondément difficiles, pourtant l’émotion n’est pas vraiment au rendez-vous. Du coup, on a un petit goût d’inachevé. Mais surtout, en multipliant les personnages, Marco Bellocchio veut montrer les différents points de vue possibles sur cette affaire, et plus généralement sur l’euthanasie, le suicide et plus généralement sur la mort.

La Belle endormie : Photo Toni Servillo

C’est encore une fois intéressant, mais j’ai eu le sentiment que le réalisateur ne voulait pas trop se mouiller alors qu’au bout d’un moment, je n’ai pas réellement eu l’impression qu’il était neutre sur ce sujet. Paradoxalement, l’avis du réalisateur sur l’euthanasie semble apparaître, mais en s’éparpillant, et en réalisant parfois du coup un film brouillon, Bellocchio dit à la fois tout et pas assez. Finalement, qu’a voulu-t-il nous dire s’il ne veut pas totalement défendre son point de vue alors que ce dernier m’a pourtant paru présent ? Il y a aussi des éléments dans l’histoire qui me paraissent un peu naïfs, même si ce n’est pas totalement inintéressant : je pense par exemple à l’histoire du médecin qui veut absolument que la jeune Rossa reste en vie alors qu’elle ne souhaite que mourir. Sur le papier, l’histoire est intéressante car elle est en opposition avec l’histoire d’Eluana (et les autres qui sont similaires) : on imagine bien que cette jeune fille (ainsi que la femme du sénateur et la fille de la grande actrice) voulait rester en vie avant d’être plongés dans un terrible coma. En terminant le long-métrage sur l’histoire de Rossa, Marco Bellocchio essaie de donner une vision optimiste. J’ai pas mal donné d’éléments qui me semblent problématiques, on a l’impression que je n’ai aimé La Belle Endormie, mais pourtant, ce n’est pas le cas : j’ai quand même apprécié le film dans son ensemble et je ne suis pas trop ennuyée. Même s’il n’est pas toujours bien traité, le sujet en lui-même reste suffisamment intéressant car justement, cette histoire n’est pas seulement celle d’Eluana mais aussi celle de nombreuses familles. Que faire quand un membre de sa famille est plongé dans un coma ? Faut-il abréger ses souffrances ou avoir encore de l’espoir ? Malgré un scénario brouillon, Bellocchio parvient à montrer les différents points de vue possible sur l’euthanasie et le rapport qu’ont les gens à la vie et à la mort en mêlant à la fois les histoires intimes, affaires politiques et affaires religieuses. Le film a le mérite d’ouvrir à la réflexion et au débat. Même si le sujet est traité maladroitement, la mise en scène reste convaincante. Enfin, j’ai trouvé le casting très bon.

La Belle endormie : Photo Isabelle Huppert