Sherlock

Créée par Steven Moffat et Mark Gatiss

avec Benedict Cumberbatch, Martin Freeman, Andrew Scott, Mark Gatiss, Amanda Abbington, Rupert Graves, Louise Brealey, Una Stubbs, Toby Jones, Sian Brooke, Vinette Robinson, Lara Pulver, Katherine Parkinson…

Drame, policier britannique. 4 saisons. 2010-2017.

Les aventures de Sherlock Holmes et de son acolyte de toujours, le docteur Watson, sont transposées au XXIème siècle…

Sherlock : Photo

Sherlock Holmes fait certainement partie des oeuvres les plus adaptées au cinéma et à la télévision. Steven Moffat, connu pour son travail sur la célèbre série Doctor Who, et son compère scénariste Mark Gatiss (également le génial interprète de Mycroft Holmes, le frangin brillant de Sherlock), s’attaquent à une adaptation clairement plus moderne des oeuvres d’Arthur Conan Doyle. L’intrigue se déroule donc au XXIe siècle (bref de nos jours), Sherlock est donc toujours le brillant détective consultant asocial que l’on connait, toujours violoniste à ses heures perdues et également drogué lorsqu’il traverse les périodes les plus sombres. Son colocataire, qui deviendra son meilleur ami (que Sherlock le reconnaisse ou non), le Docteur John Watson, est un ancien médecin de l’armée britannique blessé en Afghanistan. Les deux compères collaborent également toujours pour Scotland Yard et affrontent également le même célèbre méchant : Moriarty. La liste pourrait s’allonger mais tout ça pour dire qu’il y a eu un véritable travail de transposition et d’adaptation. Moderniser des classiques connues et revues maintes fois est toujours un pari risqué. On aurait pu très vite entrer dans la surenchère et la superficialité, surtout quand on transforme Sherlock Holmes et John Watson en véritables geek (Holmes étant accro à son portable et aux réseaux sociaux, Watson raconte ses aventures policières avec Sherlock sur son blog très suivi). Pourquoi avoir rendu les aventures de Holmes dans une version moderne et technologique ? Parce que le Sherlock de Conan Doyle était lui-même un homme moderne, par rapport à son temps, s’intéressant aux techniques déjà présentes. J’ai lu quelques nouvelles des aventures de Holmes et j’ai aussi pris le temps de me renseigner sur toute l’intrigue. Les scénaristes sont donc parvenus à rendre justice à Conan Doyle : respecter son travail tout en proposant une relecture neuve et originale. Quant aux quelques ajouts ou modifications faites, on sent qu’ils n’ont pas été choisis au hasard : ils sont toujours là pour mieux surprendre le spectateur qui mérite qu’on lui propose un nouveau point de vue sur les personnages qu’on connait tous par coeur.

Photo

En général, contrairement à la majorité des séries américaines non câblées (et encore), les séries britanniques proposent peu d’épisodes et prennent même le temps entre plusieurs saisons. C’est effectivement le cas chez Sherlock. Ainsi, la série est composée de quatre saisons (avec parfois des écarts de deux ans entre), chacune contenant trois épisodes de 1h30. Il ne faut également pas oublier l’épisode spécial, « L’Effroyable Mariée » (« The Abominable Bride »), qui présente une confrontation entre Sherlock et Moriarty dans une réalité alternative victorienne : on doit découvrir cet épisode en question entre la fin de la saison 3 et le début de la saison 4. Chaque épisode est donc soigné sur tous les points : personnages, narration (qui va au-delà de la simple question de la réécriture), mise en scène et même esthétique (avec une jolie photographie appuyant sur le bleu/gris, sorte de rappel subtil entre le lieu – Londres – et la technologie). La série n’hésite également pas à mêler différents tons tout en gardant sa cohérence. Par exemple, l’épisode du mariage de Watson et Mary est tellement drôle que j’en ai eu mal au ventre (et cela n’empêche pas de voir un scénario et un montage juste hyper bien foutus) tandis que l’épisode final est extrêmement bouleversant (j’avais le coupe soufflé les dix dernières minutes et je ne ressens pas forcément cela pour toutes les séries que je regarde) pour ne citer que cet exemple-là (le premier épisode de la quatrième l’est également et quelle claque !). Par ailleurs, la série s’assombrit au fil des saisons sans tomber dans la caricature : en effet, on a vu dans beaucoup de films et de séries désormais des héros qui doivent apprendre à affronter eux-mêmes et leur passé. Il y a parfois eu des réussites, parfois c’est juste lourdingue. Sherlock entre heureusement dans la première catégorie. Au-delà de la question de l’adaptation moderne et d’enquêtes toujours bien foutues (qui parviennent à nous surprendre alors qu’on connaît déjà plus ou moins certaines grosses lignes vu qu’on connaît les oeuvres originales), qu’est-ce qui pourrait expliquer un tel succès ? Au-delà de nous raconter des intrigues qui nous clouent parfois au sol, Sherlock est bien plus qu’un portrait d’un personnage extraordinaire (ou des portraits) : on nous parle finalement d’amour, d’amitié et de famille. Je dirais aussi que l’une de ses principales qualités, en dehors de tout ce que j’ai déjà pu citer, réside dans le traitement des personnages.

Photo Amanda Abbington, Benedict Cumberbatch, Martin Freeman

On aurait pu tomber dans certains excès en nous présentant un personnage principal lui-même très excessif. Pourtant, si on est face à un personnage atypique et déroutant, Sherlock est un personnage bel et bien profond et complexe. De plus, pour un personnage aussi asocial, ses interactions avec les personnages, surtout Watson et Moriarty, sont magistrales. Son amitié, voire même sa bromance avec John Watson, est pour moi magique. Et le spectateur se met justement dans la peau de Watson : fasciné et interloqué par Sherlock. Benedict Cumberbatch est tout simplement parfait dans le rôle de Holmes. Physiquement, évidemment, quelque fonctionne pour contribuer à l’étrangeté même du personnage : il a l’air de sortir d’une autre planète mais il garde sa classe à la britannique. Son physique est un mélange entre son côté atypique et son intelligence bien supérieure à la moyenne. Martin Freeman est également fabuleux dans le rôle de Watson. Il parvient à être charismatique tout en gardant sa banalité, en contraste avec son partenaire. Et leur duo (ou même couple) fonctionne parfaitement : c’est même une évidence de les retrouver ensemble à l’écran. Les seconds rôles sont également excellents. Comment ne pas évoquer Andrew Scott, formidable en Moriarty (perturbant même durant son absence), Mark Gatiss en Mycroft (son rôle prend de plus en plus d’importance et tant mieux) ou encore Amanda Abbington (au moment du tournage, compagne dans la vraie vie de Martin Freeman) en Mary Watson (décidément, beaucoup de gens sont intelligents dans cette série et mieux : ils parviennent à se rencontrer !) pour ne citer qu’eux. Sherlock n’est alors pas uniquement désormais un produit de pop culture : c’est un exemple même de ce qui s’est fait de mieux à la télévision ces dernières années. Comme quoi, mêler le divertissement et l’exigence (que ce soit en écriture ou en mise en scène) reste encore possible.

Sherlock : Photo Benedict Cumberbatch

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Les Frissons de l’angoisse

réalisé par Dario Argento

avec David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Carla Calamai, Macha Méril…

titre original : Profondo Rosso

Thriller, épouvante-horreur italien. 1h40. 1975.

sortie française : 17 août 1977

interdit aux moins de 16 ans

Marcus Daly, un pianiste témoin du meurtre d’une médium, décide de mener son enquête, d’abord par curiosité, puis par nécessité lorsque l’assassin s’en prend à lui.

Présent sur les lieux des crimes, il est rapidement suspecté par la police. Il comprend qu’il a vu une chose qui devrait le mettre sur le chemin de la vérité mais ne parvient pas à saisir quoi…

Les Frissons de l'angoisse : Photo

Je n’avais pas spécialement aimé Blow Up de Michelangelo Antonioni (même si les cinéphiles doivent découvrir ce film) mais il avait tout de même su titiller ma curiosité. Le maître du giallo Dario Argento s’est inspiré de cette Palme d’or pour son cinquième long-métrage Les Frissons de l’angoisse (Profondo Rosso / Deep Red : bref, c’est quoi ce titre français assez bateau ?). Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si on retrouve dans le rôle principal David Hemmings, qui tenait le premier rôle dans le film d’Antonioni. Ce n’était pas la première fois que je regardais un film d’Argento mais je n’avais pas commencé par ses meilleurs. Avec Les Frissons de l’angoisse, j’ai enfin compris pourquoi ce réalisateur avait un certain lot d’admirateurs. J’ai toujours aimé les films à twist et pour moi, le bon twist, c’est celui qui pourrait être trouvable par les spectateurs et / ou les personnages (sinon pour moi, ça s’appelle une arnaque). Effectivement, une des grandes qualités de ce film réside dans la manière de nous amener vers la révélation finale. Tous les indices sont sous effectivement sous nos yeux et sous ceux de Marcus, le personnage principal. Comment cela se fait qu’on ne voit justement ces indices assez visibles ? Argento joue merveilleusement avec l’image. En effet, pour le réalisateur, tout réside dans la capacité de l’individu à capter le réel. Il faut savoir faire la différence entre « voir » et « regarder ». On n’apprend pas à voir, c’est instinctif, tandis que regarder relève davantage de l’apprentissage et surtout une implication. Cette notion de « regard » est pratiquement essentiel dans l’art, que ce soit au cinéma, la musique (le personnage principal est pianiste), l’architecture (comment ne pas penser au rôle de la Villa Scott ?) ou encore dans la peinture (cette discipline étant assez présente dans Les Frissons de l’angoisse – que ce soit notamment dans les décors, dans un sens dans le maquillage et même dans la vision du sang qui n’a rien de réel !). On trouvera alors notre révélation, notre quête de vérité dans notre observation, notre manière de diriger notre regard. Il faut savoir aller au bout, voire même littéralement gratter comme le fera Marcus. Ce thème du regard, mis en avant par l’art, était effectivement présent dans Blow Up (le personnage incarné par Hemmings devait mieux regarder la photographie qu’il avait prise). Le film d’Antonioni m’avait frustrée (et ennuyée au passage) parce que j’ai eu l’impression qu’il n’exploitait pas tant que ça ce point tandis qu’il est omniprésent dans celui d’Argento qui manie extraordinairement bien cet art du puzzle à remettre correctement en place pour pouvoir obtenir une vision globale.

Les Frissons de l'angoisse : Photo

Les Frissons de l’angoisse n’est pas très rythmé (un choix assumé par Argento pour qu’on prenne le temps d’observer tous les possibles indices dans le but de connaître la vérité et aussi pour mieux installer son ambiance) ce qui aurait pu me freiner comme cela m’arrive souvent. Je suis pourtant rentrée dès le début dans le long-métrage qui nous intrigue et interpelle. Il faut dire que la mise en scène est absolument remarquable. De plus, chaque plan est soigné (à l’image de l’esthétisme qui m’a scotchée) et a son importance, il est encore une fois à lui seul une pièce de puzzle. Le film possède aussi une véritable ambiance à la fois envoûtante et inquiétante, notamment par le biais de la médium qui a senti avant son assassinat la présence du tueur. Même certains décors ou autres aspects esthétiques, qui jouent sans cesse avec les formes, ont quelque chose qui semblent sortir de la réalité. Je pense notamment à ces effets de trompe-l’oeil, ces tableaux qui font penser au Cri de Munch ou encore au maquillage parfois dévoilé du tueur. La musique du groupe rock Goblin (qui a aussi composé les bandes-originales de Suspiria ou encore de Zombie de George Romero) contribue également beaucoup à ce sentiment d’étrangeté et de danger permanent. Finalement, cette atmosphère qui serait de l’ordre de l’ésotérisme aurait pour but de rendre les crimes plus réels et dans un sens encore plus sombres qu’ils ne le sont déjà. Le casting est également très bon : le charismatique David Hemmings est très à l’aise dans le rôle de ce pianiste, qui n’a rien d’un flic, mais qui va enquêter à sa manière quitte à passer parfois à côté de précieux indices. Daria Nicolodi (qui deviendra après le tournage de ce film sa future compagne et son égérie – c’est aussi la mère d’Asia Argento) est également plaisante dans le rôle de cette journaliste un poil loufoque (voire même casse-pieds). Pour conclure, Les Frissons de l’angoisse est un formidable film qui sait marquer les esprits, sachant utiliser de nombreuses références artistiques (je ne l’ai pas cité mais je pense évidemment à cette scène frappante reprenant clairement du Edward Hooper – impossible de ne pas la citer). pour nourrir son propos. A la fois étrange, même baroque, possédant une atmosphère mystérieuse et n’hésitant pas non plus à montrer des scènes assez gores, le long-métrage de Dario Argento surprend par sa complexité (que ce soit au niveau de la forme ou du sens, les deux se combinant avec habilité) en racontant pourtant une histoire a priori simple et accessible.

Les Frissons de l'angoisse : Photo

La Fille inconnue

réalisé par Luc & Jean-Pierre Dardenne

avec Adèle Haenel, Olivier Bonnaud, Jérémie Renier, Louka Minnella, Christelle Cornil, Nadège Ouedraogo, Olivier Gourmet, Fabrizio Rongione, Thomas Doret, Marc Zinga…

Drame belge, français. 1h46. 2016.

sortie française : 12 octobre 2016 (sortie dvd : 21 février 2017).


Vu dans le cadre de Dvdtrafic.

Un grand merci à Cinetrafic ainsi qu’à Diaphana (site + Facebook).

Cinetrafic vous propose plusieurs listes de films :

lafilleinconnue

Jenny, jeune médecin généraliste, se sent coupable de ne pas avoir ouvert la porte de son cabinet à une jeune fille retrouvée morte peu de temps après. Apprenant par la police que rien ne permet de l’identifier, Jenny n’a plus qu’un seul but : trouver le nom de la jeune fille pour qu’elle ne soit pas enterrée anonymement, qu’elle ne disparaisse pas comme si elle n’avait jamais existé.

La Fille Inconnue : Photo Adèle Haenel

La Fille inconnue avait été présenté au festival de Cannes en compétition en 2016 mais était reparti les mains… et heureusement. Je ne vais pas tourner autour du pot : ce film m’a énormément déçue. Décidément, j’ai toujours autant de mal avec le cinéma des frères Dardenne. Cela peut paraître étonnant vu que j’aime d’habitude ce type de cinéma social, j’adore notamment les films de Ken Loach, justement souvent comparés à ceux des Dardenne. Pourtant j’aurais voulu apprécier ce long-métrage assez actuel : en effet, les réalisateurs se penchent ici sur l’identité d’une prostituée immigrée. Dans un premier temps, c’est elle la fameuse fille inconnue du titre. Mais petit à petit, cette fille en question pourrait aussi désigner Jenny, une jeune médecin qui se sent coupable de ne pas avoir ouvert les portes de son centre médical à cette prostituée la veille de son décès. Tout ce qu’elle veut savoir, c’est son nom pour qu’elle puisse être enterrée dignement et que sa famille puisse faire son deuil. Les gens interrogés redoutent de finir derrière les barreaux ou plus généralement avoir des ennuis. Jenny a le mérite de ne pas se prendre pour une pseudo-flic comme on a parfois l’habitude de le voir dans certains films. A partir de ce point de départ, La Fille inconnue est avant tout un film qui nous interpelle par rapport à la question de la responsabilité. Jenny décide d’agir et ne pense jamais à elle sans le sens où elle ne recherche pas de reconnaissance, de récompense ou de gratitude. Par ailleurs, elle exerce également son métier avec sincérité et implication (et je dirais même avec application). Il y a pour moi un parallèle entre la profession et le devoir de citoyen : elle agit comme une citoyenne en enquêtant tout comme elle fait son job comme on le dirait – même si elle le fait très bien (et que la caméra des Dardenne souligne ce fait) – lorsqu’elle travaille en tant que médecin. En tout cas La fille inconnue veut, sans être prétentieux (on peut au moins reconnaître cette qualité chez les Dardenne), montrer la part d’humanité nécessaire qui peut ressortir si chacun se préoccupait de ce qui se passe autour. L’humanité est ici liée à la question du devoir et de la prise de conscience. Jenny est alors une jeune femme ordinaire qui sort durant quelque temps de son existence assez banale pour faire quelque chose qui pourrait relever de l’extraordinaire, dans le sens où justement personne n’aurait agi comme elle face à ce type de situation. Pourtant, par les actes et les qualités certaines de son personnage principal, les frères Dardenne ne transforment pas nécessairement Jenny en femme héroïque : elle fait ce qu’elle doit faire selon sa conscience.

La Fille Inconnue : Photo Adèle Haenel, Olivier Bonnaud

Une fois qu’elle aura terminé de ce qu’elle doit faire (c’est-à-dire connaître l’identité de la fille inconnue), Jenny reprendra le cours de son existence où elle continuera, par de petites actions (et donc par son travail), à agir simplement de son côté, toujours dans le but d’aider les autres parce qu’elle a décidé que cela ferait partie de son quotidien. Cela dit, malgré de bonnes intentions et un message fort, ancré dans notre actualité, La Fille inconnue est un film vraiment déplaisant à regarder. Comme le précédent long-métrage des Dardenne, Deux jours, une nuit, le scénario est trop répétitif pour susciter un réel intérêt. En résumé, on voit Jenny poser la même question tout le long du film (« connaissez-vous cette fille ? » en montrant la photo à droite et à gauche aux gens). Si son acte part d’une noble attention, au bout d’un moment, on a juste envie de la gifler cette Jenny. On a envie de la secouer et de lui gueuler dessus « mais mêle-toi de ton cul ! ». On comprend même qu’elle se fasse menacer ! La mise en scène reste certainement honnête et cohérente avec cette image de cinéma social. Cela dit, je trouve qu’elle manque tout de même d’intensité même si la caméra suit de près ses personnages, surtout Jenny. Je n’ai pas vu beaucoup de films avec Adèle Haenel mais le peu que j’ai pu voir avec j’ai rapidement compris à quel point elle pouvait être talentueuse. Par ailleurs, j’avais principalement envie de découvrir La Fille inconnue principalement parce que l’actrice doublement Césarisée tenait le rôle principal. Je ne dirais pas qu’elle joue mal mais je ne l’ai pas trouvée très à l’aise dans ce rôle alors que sur le papier il y avait tout pour qu’elle puisse bien interpréter ce rôle (ce que je veux dire c’est que je ne pense pas qu’il s’agit ici d’une erreur de casting). Je comprends la démarche des Dardenne de dresser le portrait volontairement flou de leur héroïne : Jenny est juste pour nous les spectateurs un bon médecin bienveillant et humaine (même dans ses erreurs, c’est-à-dire lorsqu’elle refuse d’ouvrir la porte à cette jeune fille inconnue uniquement parce qu’elle veut respecter les règles). J’ai conscience que Jenny est elle aussi une fille inconnue, comme si elle devait renvoyer, par ses actes, à ce que devraient / pourraient faire les spectateurs aussi ordinaires qu’elle. Mais à force de ne rien savoir sur elle, on se fiche complètement d’elle.  A cause de ce scénario non seulement assez répétitif mais également tiré par les cheveux et de ce personnage féminin un peu trop flou, même si le sujet est fort, je n’ai pas été émue. Cela est réellement dommage vu qu’il s’agit finalement d’une ode à notre humanité qui doit se traduire par des actes et non par de la passivité. Le tout manque donc selon moi d’intensité sur un trop grand nombre de niveaux, on finit donc par s’ennuyer fermement et à passer à côté d’une oeuvre qui aurait dû être plus forte.

La Fille Inconnue : Photo Adèle Haenel, Jean-Michel Balthazar

Jour Polaire

Créée par Måns Mårlind et Björn Stein

Avec Leïla Bekhti, Gustaf Hammarsten, Peter Stormare, Denis Lavant, Olivier Gourmet, Jérémy Corallo…

Série policière franco-suédois. 1ere saison. 2016.

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Au cœur de l’été arctique, à Kiruna, ville suédoise du cercle polaire, est perpétré le meurtre violent et mystérieux d’un citoyen français. Très vite, Kahina Zadi, capitaine française de l’Office central pour la répression des violences aux personnes, est immédiatement dépêchée sur place afin de mener l’enquête avec la police locale et plus particulièrement avec le procureur Anders Harnesk.

midnightsuun

Les séries scandinaves me font de l’oeil depuis quelques années maintenant et j’espère que cette année sera la bonne (vive les résolutions). Pour débuter doucement, j’ai privilégié la dernière « Création originale » de Canal +, Jour Polaire (ou Midnight Sun dans son titre international / Midnattssol en suédois pour les petits curieux). Je retiens alors deux choses de cette petite expérience : étant donné que je ne connais rien aux séries scandinaves (j’ai juste tenté quelques films et une/deux lectures), je ne pouvais pas comparer avec une autre série. Surtout, Jour Polaire m’a donné envie de m’intéresser davantage aux séries scandinaves. Pourtant j’imagine bien (même s’il faudrait me le confirmer ou non) qu’elle ne doit pas totalement correspondre à l’univers scandinave par sa co-production française. Cela dit, je me dis que la partie française ne doit pas non plus trop le remporter. En effet, ce sont Måns Mårlind et Björn Stein, qui étaient déjà à l’origine de la série Bron (et qui a été objet de deux remakes : Tunnel, déjà sur Canal + avec Clémence Poésy, et The Bridge avec Diane Kruger) qui sont derrière les manettes. Est-ce finalement plus suédois que français ou vice versa ? Au fond, ce n’est pas si important (en dehors de nos interrogations pour connaître davantage des codes culturels et télévisuels) même si la série regorge évidemment d’une importante partie concernant la culture suédoise : les auteurs ont clairement voulu identifier les problèmes actuels en Europe qui tournent autour du racisme et de l’immigration. Je ne vais évidemment rien vous révéler de l’enquête qui, au passage, est passionnante du début jusqu’à la fin. Je dirais que l’intrigue autour des différentes cultures fonctionne totalement. En effet, d’un côté, on se retrouve en Suède dans laquelle on comprend que la place des Samis (en français, c’est tout simplement les Lapons), un peuple autochtone rejeté par le reste de la Suède. De l’autre, Kahina est une jeune policière française d’origine maghrébine. Son histoire personnelle est clairement reliée ses origines en question. Les deux histoires se font écho : les origines, même lorsqu’elles sont douloureuses et permettent parfois d’être au coeur de choix difficiles voire même condamnables, sont essentielles pour construire notre personnalité et notre manière d’aimer (même si cet amour – qu’il soit maternel ou fraternel). La série parvient alors dans un premier temps à confronter plusieurs types de sentiments : la haine la plus extrême (il n’y a qu’à voir la violence du meurtre du Français dès le premier épisode : au moins on reste scotché !) à l’amour (même si cela n’excuse nullement les actes barbares du tueur).

Photo Sofia Jannok

Jour Polaire démarre fort avec ce meurtre (un type, un certain français dénommé Carnot, est sur les hélices d’un hélicoptère qui se mettent à tourner de plus en plus vite) et sa mise en scène très choquante. Pourtant, durant le premier épisode, je n’étais pas totalement rassurée. La manière dont on nous présente Kahina manque un peu de subtilité par rapport à son histoire personnelle (notamment avec la relation avec son fils) et c’est principalement à cause de ce point en question que cette série n’est pas parfaite même si encore une fois elle est vraiment bonne (mais elle aurait pu meilleure – oui je suis exigeante !). L’histoire de Kahina est pourtant intéressante voire même plutôt touchante. La scène où elle raconte clairement tout ce qu’elle a vécu durant son adolescence est par ailleurs très forte en émotions. Je dirais juste que les scénaristes se sont trop précipités sur ce personnage. Ils arrivent paradoxalement à faire durer le suspense concernant l’identité du tueur (pour ma part, j’avais « deviné » seulement cinq minutes avant la révélation à l’avant-dernier épisode, bref côté suspense c’est plutôt réussi) mais pas réellement sur Kahina ce qui est fort dommage. En clair, je trouve qu’on en sait trop sur elle dès le premier épisode, le personnage n’est alors plus aussi mystérieux que prévu. Du coup, quand je la voyais se scarifier, il y a des moments où, sans dire que c’était ridicule (je n’irais pas jusque-là), ces scènes en question perdaient presque en noirceur et en douleur. Après, d’après ce que j’ai compris par des purs fans de télévision et plus généralement de polars scandinaves, Kahina correspondrait à des héroïnes de ce type de fiction du Nord. A vous de me confirmer ou non ce point. En dehors de ce petit point noir que je relève, j’ai en revanche aimé le portrait de tous les autres personnages. On arrive bien à les cerner aussi bien individuellement que collectivement. Les personnages sont donc assez complexes par ce procédé (et encore une fois même le méchant, pourtant inexcusable, a de l’épaisseur) et il n’est pas toujours évident de les classer dans une catégorie (dans le sens où je ne les vois ni comme des gentils ni méchants).

Photo Gustaf Hammarsten, Leïla Bekhti

Jour Polaire se fait aussi remarquer pour son ambiance sombre (je veux dire les gars, on parle d’un horrible serial killer !) alors que le soleil ne se couche jamais (pas de chance pour Kahina, il n’y a pas de volets là elle est logée). La photographie met merveilleusement bien en avant ce magnifique climat qui contrebalance avec les terribles événements en cours. Il n’y a plus de notion de temps alors que la course à la montre a démarré depuis la découverte du premier cadavre. Cette notion de temps s’ajoute aussi à la perte de repères culturels et linguistiques : on parle principalement anglais, mais les dialogues sont aussi en français, en suédois et même en sami. Comme Kahina (en VO Leïla Bekhti a volontairement gardé un gros accent français pour montrer encore plus le décalage linguistique), on finit par être déstabilisé par cette sorte de relecture de Tour de Babel. Les huit épisodes, chacun durant une bonne cinquantaine de minutes, sont pour moi passés à la vitesse grand V alors que le rythme est finalement assez lent (une caractéristique assez commune aux fictions scandinaves). Il faut dire que le scénario est captivant et bien ficelé jusqu’au bout même lorsqu’on connait l’identité de l’assassin. Enfin, Jour Polaire est servi par une très bonne distribution internationale. Certes, le personnage de Kahina est parfois présenté maladroitement, en revanche, Leïla Bekhti s’en sort très bien, réussissant bien à mêler différentes émotions et rend aussi Kahina attachante. Pourtant, sans dire que j’ai quelque chose contre elle, je n’accroche pas spécialement à son jeu dans certains de ses films. Son partenaire, Gustaf Hammarsten (inconnu au bataillon en ce qui me concerne) est également remarquable. Plus discret (il devient en quelque sorte le personnage principal masculin malgré lui), son personnage touche par sa sensibilité et sa différence (notamment sexuelle) qui le détache du reste de la communauté. Finalement, le duo fonctionne très bien à l’écran. D’après ce que j’ai compris, vu le succès rencontré sur Canal +, une deuxième saison devrait voir le jour (visiblement avec d’autres personnages sur une nouvelle histoire).

Photo Leïla Bekhti

 

Truman Capote

réalisé par Bennett Miller

avec Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Clifton Collins Jr., Chris Cooper, Bruce Greenwood, Mark Pellegrino, Amy Ryan, Bob Balaban…

titre original : Capote

Drame, biopic américain. 1h50. 2005.

sortie française : 8 mars 2006

Movie Challenge 2016 : Un film que ma mère adore

affichecapote

En novembre 1959, Truman Capote, auteur de Breakfast at Tiffany’s et personnalité très en vue, apprend dans le New York Times le meurtre de quatre membres d’une famille de fermiers du Kansas. Ce genre de fait divers n’est pas rare, mais celui-ci l’intrigue. En précurseur, il pense qu’une histoire vraie peut être aussi passionnante qu’une fiction si elle est bien racontée. Il voit là l’occasion de vérifier sa théorie et persuade le magazine The New Yorker de l’envoyer au Kansas. Il part avec une amie d’enfance, Harper Lee.
A son arrivée, son apparence et ses manières provoquent d’abord l’hostilité de ces gens modestes qui se considèrent encore comme une part du Vieil Ouest, mais il gagne rapidement leur confiance, et notamment celle d’Alvin Dewey, l’agent du Bureau d’Investigation qui dirige l’enquête…

capote

Truman Capote, que j’avais découvert au cinéma à sa sortie avec ma mère (il fallait bien que je cale ça quelque part pour justifier le Movie Challenge), est un film important à mes yeux. Je ne prétends pas avoir lu tous les ouvrages de Truman Capote (même si j’en ai lu pas mal) mais il s’agit d’un auteur qui m’a vraiment aidée à aimer la littérature (à une période où je n’étais pas amie avec cet art). De Sang-Froid : récit véridique d’un meurtre multiple et de ses conséquences (qui avait connu une adaptation en 1967 par Richard Brooks) fait d’ailleurs partie de mes romans préférés. Contrairement à ce que pourrait indiquer son titre, Truman Capote n’est pas réellement un biopic (comme on aime bien à Hollywood, presque devenu un genre de la facilité, tout le contraire de ce que propose Bennett Miller). Il ne reprend que la partie de la vie de l’auteur américain durant l’écriture de ce qui est considéré par ses fans et les littéraires comme son chef-d’oeuvre. Capote est un personnage assez complexe, pas nécessairement sympathique au premier abord. Il s’est habitué à vivre dans la mondanité (toujours accompagné d’un petit verre), à se donner en spectacle avec des phrases toujours bien tournées et avait un problème d’ego. Le fait divers autour du meurtre de quatre membres d’une famille l’intrigue évidemment intellectuellement, il sent aussi qu’il y a un potentiel littéraire derrière (et a par ailleurs contribué au mouvement du roman-vérité). Mais cette histoire contribue aussi à son ego dans le sens où il sait qu’il peut « révolutionner » à sa façon la littérature. Sa relation avec l’un des meurtriers, Perry Smith, est intéressante dans l’évolution et la perception de Truman Capote en tant que personnage (Perry Smith est aussi concerné même s’il s’agit d’un second rôle) : Capote se sert de sa relation avec Perry avant tout pour nourrir son roman, pour devenir le grand auteur qu’il a toujours voulu être et non par « amitié » comme il le prétend (même si l’attachement avec Perry est bien réel et le conduit aussi à sa dépression et à un alcoolisme encore plus poussé qu’auparavant). L’humanité que Capote prétend voir en Perry Smith est en réalité de la monstruosité. Perry Smith se sert probablement de Capote pour éviter la peine de mort et non réellement pour éviter une quelconque solitude (même si là encore il est possible aussi de son point de vue qu’il se soit attaché à l’écriain). La question qu’on peut aussi se poser est la suivante : Capote n’est-il pas aussi une forme de monstre à sa façon en exploitant en quelque sorte la réalité pour créer en quelque sorte son propre monstre textuel ?

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Bref, les personnages ne peuvent pas alors être limités à leurs défauts, à leurs manipulations ou leurs sentiments de faiblesse, il s’agit d’un tout, d’une réelle complexité pas toujours évidente à retranscrire (donnant aussi plusieurs ressentis sur les réactions et agissements des personnages). Truman Capote parvient alors à traiter plusieurs thèmes sans partir dans tous les sens (au contraire en restant cohérent dans les liens noués entre les différents thèmes abordés) : le processus d’écriture (la fiction est-elle toujours influencée par la réalité ?), le passé en tant que construction de l’identité (est-ce que notre passé peut-il excuser certains de ses actes ?), la rencontre entre deux êtres (à quel point peut-elle nous marquer ?) ou encore plus généralement une réflexion autour de la peine de mort. Truman Capote n’a donc rien du biopic lambda, il dépasse largement cette question du genre. Il s’agit alors d’un beau drame sur l’humain et l’artiste, sorte de dualité sans tomber dans la caricature de ce côté-là. On peut aussi y voir une réflexion intéressante sur la relation entre la fiction et la non-fiction (à l’image de De Sang-Froid). Le film est lent, pas très rythmé (je préfère prévenir) mais honnêtement je ne me suis pas ennuyée (et pourtant vous savez à quel point je suis pénible et exigeante sur ce point) car l’intrigue reste bien présente. Le scénario écrit par Dan Futterman (acteur qu’on a pu voir dans The Birdcage de Mike Nichols ou encore Un coeur invaincu / A Mighty Heart de Michael Winterbottom) est particulièrement bien écrit. Par sa mise en scène précise, froide mais paradoxalement envoûtante à la fois, Bennett Miller signe un film intense et captivant. La photographie et la lumière contribuent également à cette ambiance si particulière (on peut même dire malsaine) qui fait ressortir une grande violence chez l’homme. Philip Seymour Hoffman, qui nous manque terriblement, est formidable dans le rôle de Truman Capote,certainement le rôle de sa vie. Il n’imite pas seulement bien l’auteur (il n’y a qu’à voir des vidéos pour constater l’important travail d’appropriation d’identité), il parvient aussi à lui donner une véritable personnalité, à le rendre complexe et humain. Catherine Keener a un rôle plus secondaire mais je l’ai également trouvée très convaincante dans le rôle de la formidable auteure de Ne tuez pas l’oiseau moqueur (To Kill the Mockingbird), Harper Lee. Enfin, l’acteur américano-mexicain Clifton Collins Jr. (qui aurait mérité pour moi plus une nomination aux Oscars que Keener) est saisissant dans le rôle de Perry Smith et trouve l’un de ses meilleurs rôles de sa carrière.

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The Strangers

réalisé par Na Hong-jin

avec Kwak Do-won, Hwang Jung-min, Chun Woo-hee, Kunimura Jun…

titre original : Goksung

Thriller, policier, fantastique, épouvante-horreur, drame coréen. 2h36. 2016.

sortie française : 6 juillet 2016

interdit aux moins de 12 ans avec avertissement

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La vie d’un village coréen est bouleversée par une série de meurtres, aussi sauvages qu’inexpliqués, qui frappe au hasard la petite communauté rurale. La présence, récente, d’un vieil étranger qui vit en ermite dans les bois attise rumeurs et superstitions. Face à l’incompétence de la police pour trouver l’assassin ou une explication sensée, certains villageois demandent l’aide d’un chaman. Pour Jong-gu aussi, un policier dont la famille est directement menacée, il est de plus en plus évident que ces crimes ont un fondement surnaturel…

The Strangers : Photo Kwak Do-Won

The Strangers est le troisième long-métrage du coréen Na Hong-jin, le réalisateur de l’incroyable The Chaser (sans déconner, un de mes films préférés) et The Murderer (en revanche, même si je lui reconnais des qualités, je n’aime pas trop ce film). The Strangers, qui avait été présenté au dernier festival de Cannes en hors compétition, s’intitule en VO Goksung. Il s’agit du village dans lequel se déroule l’intrigue. Et il s’en passe de ces choses dans ce village. Le début du film rappelle un peu l’ambiance de Memories of Murder de Bong Joon-ho (également un de films préférés, oui j’aime beaucoup le cinéma coréen actuel) : des corps atrocement assassinés retrouvés, des soupçons rapides sur un individu sans trop savoir qu’en réalité les choses sont bien pires, un flic maladroit, voire même un boulet qui nous fait marrer au début, alors qu’il va être embarqué ici littéralement dans une spirale infernale. Plus on avance dans le film, plus des références, très éloignées du cinéma coréen, se multiplient. Le réalisateur ne s’en cache pas : il s’est beaucoup inspiré de L’Exorciste de William Friedkin et de Rosemary’s Baby de Roman Polanski. Il y a donc beaucoup de mélanges dans ce film : on passe du film policier voire le thriller, en passant par le film d’épouvante mettant en scène des démons ou même le film de zombie. Il y a quelque chose de grotesque également. Il faut avouer : ça peut dérouter. On sent parfois le réalisateur débordé par les références mais aussi plus généralement par son enthousiasme. Je précise que la multiplication de genres et de références ne me dérange pas du tout en soi, du moment qu’il y a un minimum de cohérence et de gestion. Je ne dis pas que ce n’est pas le cas mais tout de même j’ai parfois senti un peu trop de débordements et donc parfois de l’égarement. Il faut dire que sur 2h30, c’est difficile de tenir le pari. La durée fait d’ailleurs débat au sein de la presse et de la blogosphère. Pour ma part, je vais nuancer. Je n’ai pas vu le temps passer, ce qui est déjà bien en soi. J’ai pris beaucoup de plaisir à découvrir ce film. Cela dit, quand je suis face à un film qui dépasse les deux heures, je me pose toujours cette question qui me semble légitime : les longueurs étaient-elles nécessaires ? Je ne suis pas sûre ici, ou en tout cas, je dirais qu’il y a quelque chose de pas toujours bien géré, principalement à cause du scénario, pourtant plutôt bon (qui est dans un sens, à sa manière, développé, peut-être parfois mal, mais bel et bien développé), mais encore une fois, qui a tendance à s’égarer par moments. Je n’ai rien contre les rebondissements et avouons que la fin est juste hyper glaçante, mais là il y a un moment où c’est (pour caricaturer) : c’est la fin, mais en fait non, parce qu’il y a machin qui est ça, et nooon en fait et ben c’était même ça, il y a une troisième fin qui arrive dans ta gueule.

The Strangers : Photo Chun Woo-hee

J’ai l’air de gueuler alors qu’en réalité, en dehors de ces quelques points (qui empêchent selon moi le film d’accéder à un statut de chef-d’oeuvre alors qu’il en avait la possibilité  – The Chaser, lui, reste un chef-d’oeuvre), j’ai beaucoup aimé The Strangers et je ne peux que le conseiller, surtout si vous êtes comme moi des amateurs de cinéma coréen (parce qu’on est en manque, disons-le). Ca a le mérite, malgré les nombreuses références et la multiplication des genres, d’être audacieux, on ne voit pas nécessairement ce genre de propositions artistiques actuellement. Et malgré mes quelques bémols, qui empêchent parfois de voir tout de suite où le réalisateur veut en venir et en nous laissant parfois sur quelques interrogations (même si je pense avoir globalement compris), ça reste paradoxalement bien foutu, notamment en ce qui concerne la mise en scène. En fait, Na Hong-jin tente de proposer autre chose sur la forme en jouant avec différents codes mais il y a tout de même une certaine continuité à travers le thème du mal qui semble envahir son oeuvre jusqu’à présent. Surtout, encore une fois, malgré des défauts selon moi, je n’ai vraiment pas vu le temps passer. The Strangers est réellement un film captivant, qui a le mérite d’emmener le spectateur (malgré quelques égarements encore une fois) dans différentes émotions. Certaines scènes sont vraiment impressionnantes et n’ont franchement rien à envier à L’Exorciste de Friedkin (la gamine est vraiment bluffante). Certes, pour les Occidentaux, il y a peut-être quelques éléments qui ne nous parleront pas lorsque nous ne sommes pas habitués à la vision de la vie et de la mort en Asie. Mais dans l’ensemble, sans trop en dire sur le scénario, ce point en question fonctionne très bien dans le film. Surtout, le propos derrière est extrêmement puissant. Comment ne pas y voir là-dedans une vision extrêmement sombre de l’Eglise catholique, qui perd de l’importance face aux croyances plus de l’ordre du folklore ? Comment aussi ne pas penser aux relations tendues entre la Corée et le Japon ? Le casting est également à la hauteur. J’ai bien aimé l’interprétation de Kwak Do-won, qui interprète Jong-gu le policier même si je n’ai pas pu m’empêcher de penser tout le long du film à Song Kang-ho (et pas uniquement à cause du lien qu’on peut établir avec Memories of Murder, les deux acteurs se ressemblent réellement physiquement). Mais l’acteur se fait pour moi un peu voler la vedette par ses partenaires, que ce soit par Hwang Jung-min, un excentrique et charismatique chaman (la scène d’exorcisme très carnavalesque est surprenante au passage), l’acteur japonais Kunimura Jun (qu’on a pu notamment voir dans Kill Bill de Quentin Tarantino, Outrage de Takeshi Kitano ou encore Audition de Takashi Miike) est jusqu’au bout angoissant et enfin, même si on ne la voit pas tant que ça, par l’énigmatique Chun Woo-hee.

The Strangers : Photo Han Chul

Les Huit Salopards

réalisé par Quentin Tarantino

avec Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Walton Goggins, Michael Madsen, Tim Roth, Demian Bichir, Bruce Dern, Channing Tatum, Zoe Bell, Dana Gourrier, Gene Jones…

titre original : The Hateful Eight

Western américain. 2h45 (3h pour version 70 mm). 2015.

sortie française : 6 janvier 2016

interdiction aux moins de 12 ans avec avertissement

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Quelques années après la Guerre de Sécession, le chasseur de primes John Ruth, dit Le Bourreau, fait route vers Red Rock, où il conduit sa prisonnière Daisy Domergue se faire pendre. Sur leur route, ils rencontrent le Major Marquis Warren, un ancien soldat lui aussi devenu chasseur de primes, et Chris Mannix, le nouveau shérif de Red Rock. Surpris par le blizzard, ils trouvent refuge dans une auberge au milieu des montagnes, où ils sont accueillis par quatre personnages énigmatiques : le confédéré, le mexicain, le cowboy et le court-sur-pattes. Alors que la tempête s’abat au-dessus du massif, l’auberge va abriter une série de tromperies et de trahisons. L’un de ces huit salopards n’est pas celui qu’il prétend être ; il y a fort à parier que tout le monde ne sortira pas vivant de l’auberge de Minnie…

Les Huit salopards : Photo Kurt Russell, Samuel L. Jackson

Certains d’entre vous doivent le savoir mais je suis une grande fan de Quentin Tarantino. J’ai alors profité de l’occasion qui se présentait pour aller le découvrir en avant-première dans son format d’origine, c’est-à-dire en 70 mm. A l’occasion de l’avant-première (je ne sais pas comment ça s’est bien dans les quelques autres cinémas français qui ont pu diffuser le film dans ce format-là mais chez moi, la soirée organisée était vraiment top), le film avait également droit à une introduction, un entracte ainsi que huit minutes supplémentaires. Le format, qui a été utilisé pour la dernière fois en 1966, permet d’obtenir une image très large (à partir d’objectifs anamorphiques). Je dois avouer que le résultat visuellement (grâce à ce format) est magnifique, l’introduction et l’entracte donnent également un petit plus au film. Je ne vous cache pas que j’ai vraiment été ravie de découvrir Les Huit Salopards de cette manière-là, que je me sens même très chanceuse d’avoir pu participer en quelque chose au délire de Tarantino. Après, pour en rassurer quelques uns, je pense que vous pouvez parfaitement apprécier ce film dans sa version numérique (et donc sans les petits bonus avec), le principal c’est tout le reste ! Je préfère prévenir d’emblée : je suis persuadée que ce film va dérouter beaucoup de gens (pour ne pas dire « détester »). Pour ma part, j’ai énormément aimé ce 8e long-métrage de Quentin Tarantino. Pourtant, sur le moment, je ne savais pas trop en penser. Quand il y a eu justement l’entracte, j’étais en train de me demander si j’aimais ou non. Effectivement, face à un film qui dure tout de même trois heures, on se demande très légitimement si cette durée en question est nécessaire (surtout que la première partie est, comme souvent chez QT, très concentrée autour de dialogues). Mais honnêtement, une fois que j’ai vu l’ensemble (avec une deuxième partie que j’ai trouvée jouissive), j’ai vraiment adoré le long-métrage. Il n’est peut-être pas parfait mais je l’ai trouvé vraiment excellent (ce qui est déjà très bien en soi !). Ce que j’ai trouvé formidable personnellement, c’est de trouver tous les ingrédients tarantinesques, en pensant évidemment à certains films de sa filmographie (on pensera prioritairement à Django Unchained et Reservoir Dogs) mais en même temps je le trouve différent de ses autres longs-métrages.

Les Huit salopards : Photo Samuel L. Jackson, Walton Goggins

Certes, Les Huit Salopards est sur le papier moins « cool » que les autres (je rassure les fans, il y en a quand même) mais en réalisant un film plus sombre, selon moi, Tarantino signe un film plus abouti et audacieux. J’ai toujours aimé les films de Tarantino mais certaines de ses marques avaient quelque chose de gratuit, faut bien l’avouer (même si ça fait le charme de certains de ses films). Là (je l’avais déjà ressenti sur Django Unchained, ici mon impression se confirme), j’ai l’impression que Tarantino sait vraiment ce qu’il fait, qu’il ne met pas uniquement des choses parce que ça fait bien. La violence n’est plus aussi fun, elle répond réellement à une interrogation sur l’Amérique d’après la guerre de Sécession (en particulier sur les « minorités » : les Noirs et les femmes). L’excellente musique signée par Ennio Morricone (je l’écoute déjà en boucle sur Spotify) donne également un véritable souffle au film et pour une fois (à part une ou deux petites exceptions) on a l’impression que Quentin Tarantino a arrêté de faire de se taper des trips tout seul (certes, j’aime beaucoup les bandes-originales de ses films, mais il faut bien avouer qu’on avait parfois l’impression qu’il calait dans ses films ses derniers coups de coeur musicaux). Certains vont évidemment être très réfractaires aux longs dialogues (ce qui est compréhensible encore une fois). Personnellement, encore une fois, je me suis moi-même interrogée sur ces dialogues, peut-être que certains auraient pu plus courts et tout ça mais encore une fois, une fois qu’on a vu l’ensemble, je trouve que ce point en question prend plus de sens. En fait, plus généralement, j’ai trouvé l’écriture vraiment bonne, d’une grande habilité. Je ne suis pas du tout étonnée de savoir le réalisateur souhaitant écrire des romans et des pièces. Il y a quelque chose de très littéraire dans ce film tout en gardant un langage très cinématographique. Le mélange fonctionne véritablement bien, le côté littéraire ne prenant pas le dessus comme cela arrive trop souvent dans des longs-métrages. Mais plus généralement, ce qui m’a véritablement plu, c’est la manière de mélanger les genres. L’hybridité a toujours fait le charme des films de Tarantino et c’est ici encore le cas.

Les Huit salopards : Photo Tim Roth

A priori, Les Huit Salopards se présente comme un western avec un background historique (finalement, bien traité malgré les apparences, ce que j’avais également aimé dans Django Unchained). Mais le film reprend également les codes du genre policier (chaque personnage semble suspect, tout le monde ment et les plus « honnêtes » meurent en premier), renforcé par ce faux huis clos (la porte ne se fermant pas bien, on ne peut pas dire que la seconde partie soit totalement fermée). On pensera évidemment à The Thing (notamment avec la présence de la neige et de Kurt Russell au casting) et surtout au roman d’Agatha Christie, Les Dix Petits Nègres. La première partie peut paraître longue et pourtant elle fait son effet : l’ambiance est pesante voire même carrément étouffante (et c’est pour cela que, pour ma part, je ne me suis pas ennuyée malgré mes interrogations), les personnages se complexifient, on fait attention à chaque petit détail. La seconde partie est une pépite explosive. En dehors de l’effet plus qu’efficace du 70 mm, le film est d’une grande beauté visuelle grâce à des décors magnifiques, mis en avant par une sublime photographie. De plus, il est paradoxalement à la fois lumineux et sombre, comme si cela traduisait toute la tromperie au coeur de cette histoire. Enfin, Les Huit Salopards bénéficie d’un excellent casting. En tête, Samuel L. Jackson est évidemment, comme toujours chez Tarantino (et j’ai envie de dire comme souvent), très bon. Certes, beaucoup diront qu’il fait du Samuel L. Jackson, ce qui n’est pas totalement faux, mais ici disons que ce n’est une remarque négative. Si on aime Jackson, on devrait normalement aimer cette nouvelle interprétation. Pour moi deux acteurs sont particulièrement excellents : Jennifer Jason Leigh et Walton Goggins. La première s’en prend plein la gueule tout le long (qu’on ne me sorte pas que Quentin est misogyne, je vais m’énerver !), ne parle pas forcément beaucoup mais elle arrive à rendre son personnage puissant. J’ai toujours bien apprécié cette actrice mais là elle explose !

Les Huit salopards : Photo Jennifer Jason Leigh

Quant à Goggins (que je connais très mal, en dehors de sa prestation dans Django Unchained, je sais juste qu’il est surtout connu pour les séries Justified et Sons of Anarchy… que je n’ai toujours pas vues, décidément je suis toujours autant à la ramasse), il a un charisme fou (accompagné d’un grand sourire ultra bright, je vous jure, je ne m’en suis pas remise – ne croyez pas non plus que je suis une groupie) ! Après, si j’ai eu un petit coeur pour ces deux interprètes en question, cela ne m’empêche pas d’aimer les autres salopards. J’étais évidemment ravie de revoir deux acteurs purement tarantinesques, Tim Roth (qui s’éclate à caricaturer à fond le bourgeois anglais) et Michael Madsen « fait du Michael Madsen » comme l’a dit Tarantino dans le dernier numéro de Positif (et c’est toujours aussi jouissif). Kurt Russell, Demian Bichir et Bruce Dern sont également impeccables, chacun apportant également un plus au personnage. Après, pour être réellement honnête, même si ce que je vais dire peut paraître paradoxal, même si j’ai eu quelques préférences, au-delà d’avoir trouvé tout le casting vraiment très bon et sans fausse note, je l’ai trouvé très cohérent, personne ne tente de se voler la vedette, au contraire, chacun est mis en avant, les personnages ayant de l’épaisseur. Pour conclure, j’ai vraiment adoré les Huit Salopards même si j’ai parfaitement conscience qu’il ne plaira pas à tout le monde, loin de là. Je l’aime même de plus en plus et j’ai même déjà envie de le revoir, ce que je n’avais pas forcément ressenti pour son précédent film, Django Unchained, que j’aime pourtant énormément. Je dirais (en tout cas, c’est ma perception sur ce film) qu’il faut « digérer » ce qu’on a vu, prendre du recul, se laisser prendre par l’histoire même s’il y a des longueurs. Je ne sais pas si Les Huit Salopards fait partie de mes Tarantino préférés, je n’ai pas suffisamment de recul pour affirmer une telle chose mais il s’agit pour moi du film le plus mature de sa filmographie.

Les Huit salopards : Photo Tim Roth, Walton Goggins

Regression

réalisé par Alejandro Amenábar

avec Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis, Devon Bostick, Dale Dickey, Aaron Ashmore, Lothaire Bluteau, David Dencik, Adam Butcher…

Thriller espagnol, canadien. 1h47. 2015.

sortie française : 28 octobre 2015

interdit aux moins de 12 ans

Regression

Minnesota, 1990. L’inspecteur Bruce Kenner enquête sur un crime révoltant dont la jeune Angela accuse son père, John Gray. Lorsque John avoue sa culpabilité de façon tout à fait inattendue et sans garder le moindre souvenir des faits, le docteur Raines, un célèbre psychologue, est appelé à la rescousse. Il va devoir aider John à retrouver la mémoire, mais ce qu’ils vont découvrir cache un terrifiant mystère qui concerne le pays tout entier…

Regression : Photo David Thewlis, Emma Watson, Ethan Hawke

Six ans après le film historique Agora, Alejandro Amenábar fait son retour avec Regression. Je vais tout faire pour ne pas spoiler afin que ma critique reste accessible à ceux qui souhaiteraient voir un de ces jours ce film et connaître mon avis. Pour ceux qui ont déjà vu ce film, j’espère que vous arriverez à voir ce que je veux dire, même si mes propos peuvent être vagues. Bref, tout ça pour vous dire qu’en gros, la régression est une technique que les psychologues utilisent (ou visiblement utilisaient) pour tenter de faire ressortir des souvenirs enfouis. Le réalisateur des Autres a donc voulu construire son thriller à partir de la psychologie et aussi d’un ensemble de faits divers qui étaient visiblement assez fréquents aux Etats-Unis dans les années 80 et 90 : de nombreuses affaires étaient liées à des rituels sataniques. Je vois que ce point historique commence à préoccuper les auteurs et réalisateurs puisque récemment Dark Places de Gilles Paquet-Brenner (adapté du roman de Gillian Flynn) évoquait aussi ces événements en question. Dans l’ensemble, Regression est un sympathique petit film idéal pour se divertir qui possède une réflexion intéressante mais hélas l’ensemble manque cruellement de charme et de force, ce qui pourra étonner et aussi décevoir de la part d’Alejandro Amenábar car on sait de quoi il est capable. En ce qui concerne le twist, je l’avais à moitié deviné (il faut dire qu’à force de regarder des films, on commence à comprendre certaines choses), c’est-à-dire que j’avais compris qui n’était pas clair dans cette histoire mais une partie de mon imagination m’a légèrement joué des tours : il y a une sorte de mise en abyme que j’ai alors trouvée intéressante. Beaucoup de critiques ont souligné les clichés voire même les effets exagérés présentes dans certaines scènes. Certes, on ne va pas se mentir : on trouve bien tout ça dans Regression. Ceci dit, ce n’est pas pour excuser ces choses-là en question, mais disons que certains éléments du scénario expliquent leur présence. En revanche, je n’excuserai pas vraiment la mise en scène un peu trop plate à mon goût ni l’aspect esthétique un peu trop absent. Certes, certaines séquences sont assez réussies esthétiquement, je pense notamment à celles avec Ethan Hawke qui rêve de rites sataniques la nuit. Le maquillage des personnages m’a d’ailleurs fait pensé à celui du démon dans L’Exorciste (de William Friedkin).

Regression : Photo Emma Watson, Ethan Hawke

Ceci dit, en dehors de ces quelques séquences, sans dire que c’est du travail de cochon ou que ce soit, je m’attendais à mieux esthétiquement, surtout quand on apprend que le film a bénéficié d’un budget de 20 millions de dollars… Je ne dirais pas que c’est moche mais je n’ai pas pu m’empêcher d’être frustrée, de me dire qu’il y a de quoi faire quelque chose d’un peu plus solide. On a l’impression qu’Amenábar ne se sert jamais de son contexte en Amérique par exemple. Certes, le fond de l’histoire a quelque chose d’universel mais quand on prend quelques minutes à expliquer aux spectateurs que l’histoire qui va suivre est est inspirée d’une série de faits réels qui se sont déroulés à une période précise dans un pays précis, je trouve cela regrettable de ne pas se servir de ces informations en question et de ne pas faire quelque chose avec de plus ambitieux artistiquement (après, attention, histoire de ne pas créer de pseudo-polémiques, je ne dis pas qu’il faut créer quelque chose de complètement superficiel non plus même si je ne prétends pas refaire un film de A à Z). Du coup, même si la mise en scène reste tout à fait correcte dans l’ensemble, on ne sent pas non plus Alejandro Amenábar totalement inspiré ou impliqué : je veux dire, à part dans les thèmes abordés, on n’a pas forcément l’impression de retrouver la patte du cinéaste. Du coup le film est simplement (à mes yeux) sympathique, regardable, intéressant même mais l’ensemble manque de charme voire même de force. Finissons cette critique en parlant du casting. Sans dire qu’il s’agit d’une grande interprétation, le toujours charismatique Ethan Hawke est pour moi très bien dans ce film tout comme David Thewlis (qui a un rôle également important même si son nom n’apparaît sur l’affiche, cela ne doit pas être assez vendeur) même s’il fait un peu son Professeur Lupin. En revanche, Emma Watson ne m’a pas convaincue. Ce n’est pas son interprétation qui m’a posé problème, il s’agit presque d’une erreur de casting. Elle est censée interpréter une adolescente de 17 ans, or l’actrice est âgée de 25 ans. Je ne critique pas son physique, il s’agit d’ailleurs d’une jolie femme mais elle fait ses 25 ans, elle fait adulte quoi ! Mine de rien, cela enlève quelque chose à son personnage qui aurait être encore plus mystérieux. Ceci dit, pour finir, au-delà de sa popularité (même si dans un sens, cela peut aussi lui faire du tort), je comprends d’un autre côté le choix de cette actrice car elle a un visage angélique.

Regression : Photo David Thewlis, Ethan Hawke

Life on Mars

Créée par Matthew Graham, Tony Jordan et Ashley Pharoah

avec John Simm, Philip Glenister, Liz White, Dean Andrews, Marshall Lancaster, Tony Marshall, Noreen Kershaw, Ralph Brown, Joanne Frogatt…

Série dramatique, policière britannique. 2 saisons. 2006-2007.

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Le monde de l’inspecteur Sam Tyler va changer du tout au tout. Peu de temps après que sa petite amie ait été kidnappée par un serial killer, il est renversé par une voiture. Il se réveille en 1973… Devenu jeune inspecteur de police, il doit s’adapter à ce nouveau monde et découvre un lien entre un meurtre récent et le kidnapping de sa fiancée en 2006.

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Life on Mars est une série culte en Grande-Bretagne au point d’avoir un remake (apparemment raté) américain avec Harvey Keitel (mais vite annulé) et une suite (Ashes to Ashes, qui totalise en tout trois saisons). La série avait beau cartonné dans son pays d’origine, elle a été arrêtée au bout de deux saisons (il y a en tout cas que 16 épisodes, chacun durant 50 minutes) tout simplement parce que les scénaristes ont pris la bonne décision : ne pas éterniser cette histoire. Mais quelle histoire vous allez me demander ? Celle de l’inspecteur Sam Tyler, brillant inspecteur qui se fait renverser par une voiture et qui se réveille en 1973… sur la chanson de David Bowie, Life on Mars (lui-même étant juste avant en voiture avant d’y descendre et écoutant cette chanson avant l’accident). « Am I mad, in a coma, or back in time ? » (« Suis-je fou, dans le coma ou suis-je dans le passé ? ») est la question (présente dans ce générique que j’adore) que Sam va se poser tout le long de la série. Il y a de quoi se poser la question car le spectateur ne sait pas du tout que ce qui arrive à Sam. D’ailleurs, plus généralement, on peut même dire que la série est inclassable (enfin sur le papier, on pourrait la « classifier » mais je ne veux rien spoiler). En effet, on retrouve à la fois l’esprit des films et séries policières mettant en scène un duo de flics radicalement opposés ainsi que le côté fantastique et voyage dans le temps, façon Code Quantum même si, pour vous rassurer, Life on Mars n’a finalement rien à voir avec cette autre série culte, et surtout, on ne sait pas vraiment s’il y a une part de fantastique (je ne vous dirai évidemment, ah ah ah !). Sans trop en dire (car cette référence a évidemment un intérêt scénaristique), il s’agit plutôt d’une sorte de relecture du Magicien d’oz, assumée dès le premier épisode à travers certaines répliques et confirmée dans le tout dernier épisode, surtout avec la présence d’un personnage qui se nomme Frank Morgan (le même nom que l’acteur qui jouait Oz dans le film de Victor Fleming). Mais la série ne peut pas se limiter à ce mélange unique. Certes, on suit les enquêtes policières avec intérêt même si elles n’ont rien d’exceptionnel ou encore on trouve le décalage entre les époques très drôle.

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Mais les scénaristes ont surtout eu la bonne idée d’instaurer un fil conducteur : ainsi, à chaque épisode, Sam entend des gens (sa famille, ses proches et ce qu’il devine être ses médecins) : est-ce sa conscience, son imagination qui lui joue des tours ou est-ce qu’il y a des gens qui lui parleraient durant un coma, si on accepte l’idée que Sam puisse être plongé dans un éventuel coma ? Il entend aussi ce qui ressemblerait à des sonorités médicales qui sortiraient de différents appareils (téléphone, radio, télévision etc…). Ainsi, même si au fil des épisodes, surtout au cours de la saison 2, on finit par y voir plus clair et par comprendre ce que vit Sam. Pourtant, jusqu’à l’épisode final, on a le doute sur cette vérité, on est comme Sam, dans un flou total. Certains spectateurs ont exposé des théories farfelues mais les scénaristes ont affirmé, après la diffusion de l’épisode final, qu’il n’y avait qu’une seule réponse possible (même s’ils sont très contents d’avoir brouillé les pistes). En tout cas, encore une fois, sans vouloir spoiler (au moins, ça vous encouragera, enfin je l’espère, à découvrir pour de bon cette série si ce n’est pas encore fait !), à partir de cette intrigue qui se déroule sur deux saisons, Life on Mars est une série qui est bien plus profonde qu’elle en a l’air et d’une grande humanité. Certes, divertissante, et souvent drôle (les répliques de Gene sont à mourir de rire par exemple), Life on Mars est surtout en réalité une série bouleversante (et j’insiste sur ce terme, vu comme j’ai chialé au tout dernier épisode…) sur l’illusion que peut nous offrir la vie, notamment à travers les souvenirs (correspondent-ils toujours à la réalité ?) et nos désirs (qui se traduisent par le voyage dans le temps). « Que signifie être vivant ? » pourrait même être la question principale de la série et c’est d’ailleurs la question que se posera Sam. Cette sorte de voyage énigmatique dans le passé est donc très intéressante par rapport à la vision qu’on peut avoir du présent et notamment celle que peut avoir Sam. Ainsi, les années 1970, qu’on pourrait idéaliser en pendant que c’était mieux avant, ont quelque chose de cool (c’est même un peu poil trop cool, mais ici cela n’a rien d’un reproche étant donné que le côté un peu caricatural et déjà-vu joue en réalité un rôle dans le scénario), avec notamment une très bonne reconstitution de cette période.

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Pourtant, au fil des épisodes, on nous rappelle que cette période n’a pas toujours été aussi géniale : les enquêtes étaient bâclées, les femmes étaient victimes de sexisme et même au sein de la police elles avaient du mal à trouver leur place, les Noirs et les Indiens étaient subissaient le racisme, le hooliganisme était à son paroxysme etc… Quand on parle d’années 1970, on pense évidemment aux nombreuses références musicales (ce qui est normal, rien qu’on en voit le titre même de la série !). La principale sera évidemment celle à David Bowie, à travers quelques chansons (Gene se fait surnommer « The Gene Genie » en référence à la chanson « The Jean Genie » par exemple), mais aussi d’autres chansons de cette période-là (Paul McCartney, Elton John, T-Rex…). Enfin, la série doit également beaucoup à ses interprètes, surtout au duo formé par les brillants (n’ayons pas peur des mots) John Simm et Philip Glenister. D’un côté, John Simm (c’est moi ou il a un air de Thom Yorke ?) donne beaucoup d’humanité et de complexité à son personnage, c’est-à-dire Sam a un côté très professionnel, rigide (ce qui aura tendance à énerver ses nouveaux collègues) et en même temps il a toujours l’air mélancolique (mais sans se prendre pour Louis Garrel… oui c’est méchant) ce qui le rend plus sympathique et surtout extrêmement attachant. De l’autre, Philip Glenister donne une interprétation plaisante à ce personnage pourtant controversé sur le papier, c’est-à-dire bourru, misogyne, raciste, alcoolique et en même temps lui aussi donne une réelle profondeur à ce personnage également plus complexe qu’il en a l’air, qui ne peut pas se limiter à ces simples traits de caractère. En tout cas on s’attache vraiment aux personnages, même aux rôles secondaires, comme la timide mais courageuse Annie (Liz White) ou encore aux stupides Chris (Marshall Lancaster) et Ray (Dean Andrews). Maintenant, il faut que je découvre Ashes to Ashes, en espérant que ce soit aussi bien que Life on Mars

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Sicario

réalisé par Denis Villeneuve

avec Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin, Jon Bernthal, Victor Garber, Jeffrey Donovan, Daniel Kaluuya, Raoul Trujillo, Maximiliano Hernandez, Julio Cedillo…

Thriller américain. 2h02. 2015.

sortie française : 7 octobre 2015

interdit aux moins de 12 ans

Sicario

La zone frontalière entre les Etats-Unis et le Mexique est devenue un territoire de non-droit. Kate, une jeune recrue idéaliste du FBI, y est enrôlée pour aider un groupe d’intervention d’élite dirigé par un agent du gouvernement dans la lutte contre le trafic de drogues. Menée par un consultant énigmatique, l’équipe se lance dans un périple clandestin, obligeant Kate à remettre en question ses convictions pour pouvoir survivre.

 Sicario : Photo Emily Blunt

 

Sicario, dont le titre signifie en espagnol « tueur à gages », a été présenté en compétition dans la sélection officielle de la dernière édition du festival de Cannes. On a dit qu’il a pu repartir les mains vides de peur d’accuser le jury de copinage avec l’équipe du film : Jake Gyllenhaal, membre du jury, a travaillé à deux reprises avec Denis Villeneuve; le chef opérateur Roger Deakins a travaillé avec les frères Coen, Présidents du jury, sur No Country for old men; ou encore, pour aller plus loin dans le délire, Xavier Dolan est québécois… Bien avant la sortie de Sicario, je me demandais si on n’était pas en train de raconter n’importe quoi. Je veux dire (et je ne remettais pas en cause la qualité du long-métrage), je ne voyais pas du tout ce film séduire un jury (même si on peut s’attendre à tout effectivement). De plus, pour être franche, je n’étais pas spécialement attirée par ce film : certes, le seul film de Denis Villeneuve que j’ai pu voir (Prisoners) m’a vraiment plu, le casting me plaisait également beaucoup sur le papier mais j’ai généralement du mal avec les films qui parlent de trafics de drogue et tout ça. Ceci dit, les très bonnes critiques à son égard m’ont réellement encouragée à faire le déplacement pour aller le voir. Sicario est un très bon film même si je ne crierais pas non plus au chef-d’oeuvre (je pense à certaines critiques qui me semblent démesurées) et qu’il ne fait pas du tout partie de mon top 10 de l’année. Etant donné que je n’apprécie pas particulièrement ce genre de films, je dois avouer que j’ai tout d’abord passé un très bon moment face à ce thriller intense. Le long-métrage dure deux bonnes heures mais je ne me suis jamais ennuyée : on entre tout de suite dans l’histoire, l’ensemble est très rythmé et captivant, on ne décroche pas les yeux de l’écran une seule seconde et certaines scènes en jettent vraiment. J’ai juste envie de dire : c’est très bien foutu ! Le film est également une pure réussite esthétique, notamment par un splendide travail de lumière et une magnifique photographie. La frontière américano-mexicaine est clairement représenté comme un enfer sale, violent et obscur, à l’image des douteuses affaires qui se trament derrière par certaines personnalités. Le lieu devient ici un personnage à part entière, notamment à travers les plans de paysages vus d’en haut, dans la lignée de True Detective ou du plus récent La Isla Minima. Villeneuve sait vraiment quoi faire de cet espace qui joue un rôle essentiel. J’ai également apprécié la bande-originale, qui contribue à cette atmosphère oppressante. Si la mise en scène est maîtrisée et est clairement le point fort du film, je ne trouve pas l’écriture des personnages toujours réussie : heureusement, leurs interprètes sont bons.

Sicario : Photo Benicio Del Toro, Emily Blunt, Josh Brolin

Je crois que nous sommes tous à peu près d’accord pour saluer l’excellente performance du toujours charismatique Benicio Del Toro qui est clairement au-dessus du lot et qui incarne le personnage le plus intéressant. En revanche, les autres rôles m’ont déçue. Josh Brolin est certes bon, comme très souvent, mais son personnage m’a laissée indifférente. J’ai surtout été déçue par le personnage féminin, incarné par la pourtant très talentueuse Emily Blunt. Cela va paraître fort mais j’ai trouvé ce personnage plutôt raté même si je vois où Villeneuve veut en venir. Kate serait une sorte de représentation du respect de la loi et de la morale et elle respectera jusqu’au bout ses convictions. Sur le papier, il y a quelque chose de très fort et j’aime d’habitude ce genre de personnage, mais là je trouve que les traits de ce personnage font parfois un peu de tort à ce film pourtant très riche. En effet, j’ai trouvé les réactions de Kate assez énervantes, limite peu réalistes. Pour caricaturer, on a parfois l’impression de voir Candy qui découvre le monde des méchants (la meuf est agent du FBI, rappelons-le). De plus, elle est assez passive et n’évolue jamais. Certes, je vois ce que Villeneuve a voulu dire à travers ce personnage : Kate représente parfois les yeux des spectateurs qui découvrent en même temps qu’elle une situation qui la dépasse totalement, c’est-à-dire que la loi officielle n’empêche pas d’autres lois peu morales à s’imposer et que finalement la frontière entre les différents types de lois ne semblent plus avoir de frontière (et là on peut finalement faire un parallèle intéressant avec la frontière physique entre le Mexique et les Etats-Unis). Le propos est fort et fonctionne mais pas le personnage, ce qui est parfois problématique et qui m’a empêchée d’aimer encore plus ce film : Kate passe ainsi pour une fille larguée, on finit par ne plus trop croire qu’elle bosse au FBI, on ne comprend pas non plus qu’elle ne comprenne pas alors que certaines choses sautent aux yeux. De plus, certains traits sont vraiment trop appuyés, du genre elle est maigre, c’est la fiesta avec ses sourcils, ne se lave pas et se remet à fumer : Kate est à bout, c’est bon, message reçu. Cela est vraiment dommage car pour moi, Sicario aurait pu être meilleur mais heureusement que pour contrebalancer, le film possède d’indéniables qualités.

Sicario : Photo Emily Blunt

La Isla Minima

réalisé par Alberto Rodriguez

avec Raul Arevalo, Javier Gutierrez, Antonio de la Torre…

Film policier, thriller espagnol. 1h44. 2014.

sortie française : 15 juillet 2015

La Isla mínima

Deux flics que tout oppose, dans l’Espagne post-franquiste des années 1980, sont envoyés dans une petite ville d’Andalousie  pour enquêter sur l’assassinat sauvage de deux adolescentes pendant les fêtes locales. Au coeur des marécages de cette région encore ancrée dans le passé, parfois jusqu’à l’absurde et où règne la loi du silence,  ils vont devoir surmonter leurs différences pour démasquer le tueur.

La Isla mínima : Photo Javier Gutiérrez (II), Raúl Arévalo

La Isla Minima (ou Marshland en anglais) a rencontré un joli succès chez lui (en Espagne), notamment en raflant dix Goya (c’est-à-dire l’équivalent des César en Espagne) dont celui du meilleur film. Il a également été récompensé par deux prix au festival du Film Policier de Beaune. En tout cas, j’ai toujours essayé de m’intéresser aux autres académies cinématographiques (car il n’y a que les César et les Oscar qui sont « importants »), de voir ce qui se fait et ce qui plait ailleurs. De plus, les très bonnes critiques m’ont encouragée à découvrir dans une salle pleine en ce qui me concerne (je suis toujours ravie de voir des films d’art et essai qui marchent en salle, même si je sais que mes cinémas ne sont pas toujours représentatifs du box-office du reste de la France). Effectivement, la presse a bien fait d’avoir écrit tant de louanges sur ce film qui mérite vraiment d’être vu. A priori, il s’agit d’un thriller de ce qu’il y a de plus classique : un duo de flics (évidemment opposés) enquête sur les meurtres sordides de plusieurs jeunes filles. Mais Alberto Rodriguez est parvenu à combiner cette enquête policière, passionnante jusqu’au bout (même si elle n’a rien de révolutionnaire en soi mais on se laisse prendre par l’histoire) malgré une ambiguïté à la fin du film qui a pu gêner quelques spectateurs (j’ai entendu certaines réflexions en sortant de la salle et lu quelques critiques sur des blogs qui s’interrogeaient sur cette fin), avec l’histoire même de l’Espagne, nous prouvant de nouveau la complexité de l’homme. Le duo de flics fonctionne d’ailleurs à merveille, montrant encore plus la confrontation de l’homme face à son passé et à son futur, aux choix qu’il fait ou qu’il aurait dû faire. Pour mieux comprendre où le film veut en venir, il faut savoir que La Isla Minima se situe dans les années 1980, c’est-à-dire juste après la chute de Franco. L’Espagne est à ce moment-là en pleine transition : on veut aller de l’avant et pourtant il est encore difficile de se débarrasser des fantômes de son propre passé.

La Isla mínima : Photo

D’un côté, Pedro est un jeune policier qui rêve de retourner à Madrid voir sa femme qui est enceinte. Il représente cette Espagne démocratique en train de se mettre en place (quelque part, la future naissance de cet enfant qu’on ne verra pourtant jamais en est le symbole, comme s’il s’agissait d’un nouveau départ), il préfère parler pour enquêter et trouver la vérité. De l’autre, Juan préfère utiliser la violence pour obtenir des réponses et représente une Espagne encore marquée par le franquisme : il a d’ailleurs fait partie de la police de Franco et a donc fait des actes insoutenables. Cependant, les personnages n’ont rien de manichéens, l’écriture a su mettre des nuances. Ainsi, chaque personnage a sa part d’ombre et de lumière. Par ailleurs, la fin du film illustre parfaitement cette complexité : peut-on fermer les yeux pour avancer ? Les deux acteurs principaux, Raul Arevalo et Javier Gutierrez, sont en tout cas excellents, ils réussissent à donner beaucoup de profondeur à leurs personnages. Par ailleurs, je rebondis sur cette histoire de démocratie et d’Espagne hantée par les fantômes de son passé. Ce point, essentiel pour apprécier ce film comme il se doit, passe aussi par le rôle des femmes. Ce n’est certainement pas un hasard si le scénario reprend le schéma classique de jeunes filles assassinées. La femme sous Franco est littéralement effacée et l’est encore durant cette période de transition alors qu’elle tente de se libérer : elle va devoir se battre pour trouver sa place dans cette nouvelle société (de nombreux films espagnols exposent parfaitement ce point). Or, alors que la mère des deux jeunes soeurs assassinées est elle-même effacée par son mari, c’est tout de même elle qui va guider à plusieurs reprises la police à retrouver l’identité du tueur. On pensera aussi à l’étrange médium qui parvient probablement à connaître le futur sombre de l’un des deux policiers. Les femmes semblent alors être une sorte de représentation de la vérité qui permet d’avancer et de reconstruire un futur, même s’il faudra en payer le prix.

La Isla mínima : Photo

Les tourments humains sont également merveilleusement bien représentés à travers de magnifiques décors, sublimés par une somptueuse photographie et un important jeu de lumière, ainsi que certaines prises de vue qui montrent des formes étranges. Le générique en est d’ailleurs un parfait exemple : ainsi, cette partie marécageuse de l’Andalousie est à la fois belle et troublante (cette dualité présente d’ailleurs au sein des personnages et de la temporalité) et rien que ce lieu va contribuer à l’atmosphère si particulière du film. L’esthétique de ce film est en tout cas à tomber par terre sans avoir cette horrible impression de superficialité, on sent que la part visuelle joue un rôle important dans la réflexion mise en place tout au long du film par le réalisateur. J’ai en tout cas énormément aimé ce long-métrage qui possède une écriture remarquable et profonde ainsi qu’une excellente mise en scène. C’est un film qui parle évidemment de son histoire, comme je l’ai expliqué, mais à travers son passé fait aussi référence à ce qui se passe maintenant en Espagne : cette double fonction temporelle prouve de nouveau la réussite de ce long-métrage audacieux. La Isla Minima fera évidemment penser à l’excellent film coréen Memories of Murder de Bong Joon-ho (le réalisateur assume d’ailleurs cette référence) ou encore à la première saison de True Detective (là par contre, il s’agit d’une coïncidence). Ceci dit, le film ne se laisse pas crouler à travers cette grosse référence (et j’imagine d’autres), possédant ainsi sa propre personnalité, étant donné que le réalisateur a une véritable envie de communiquer quelque chose et nous livre une incroyable proposition cinématographique.

La Isla mínima : Photo Javier Gutiérrez (II), Raúl Arévalo

L’Affaire SK1

réalisé par Frédéric Tellier

avec Raphaël Personnaz, Nathalie Baye, Olivier Gourmet, Michel Vuillermoz, Adama Niane, Christa Theret, Thierry Neuvic, William Nadylam, Marianne Denicourt, Chloé Stefani, Norah Lehembre…

Film policier, drame français. 2h. 2013.

sortie française : 7 janvier 2015

L’ Affaire SK1

Paris, 1991. Franck Magne, un jeune inspecteur fait ses premiers pas à la Police Judiciaire, 36 quai des Orfèvres, Brigade Criminelle. Sa première enquête porte sur l’assassinat d’une jeune fille. Son travail l’amène à étudier des dossiers similaires qu’il est le seul à connecter ensemble. Il est vite confronté à la réalité du travail d’enquêteur : le manque de moyens, les longs horaires, la bureaucratie… Pendant 8 ans, obsédé par cette enquête, il traquera ce tueur en série auquel personne ne croit. Au fil d’une décennie, les victimes se multiplient. Les pistes se brouillent. Les meurtres sauvages se rapprochent. Franck Magne traque le monstre qui se dessine pour le stopper. Le policier de la Brigade Criminelle devient l’architecte de l’enquête la plus complexe et la plus vaste qu’ait jamais connu la police judiciaire française. Il va croiser la route de Frédérique Pons, une avocate passionnée, décidée à comprendre le destin de l’homme qui se cache derrière cet assassin sans pitié. Une plongée au cœur de 10 ans d’enquête, au milieu de policiers opiniâtres, de juges déterminés, de policiers scientifiques consciencieux, d’avocats ardents qui, tous, resteront marqués par cette affaire devenue retentissante : « l’affaire Guy Georges, le tueur de l’est parisien ».

L’ Affaire SK1 : Photo Olivier Gourmet, Raphaël Personnaz

L’Affaire Guy Georges est certainement une des affaires criminelles les plus connues et les plus terrifiantes que la France a pu connaître. Ce fut une enquête assez éprouvante et compliquée car la police a mis du temps à faire le lien entre sept crimes entre 1991 et 1998. L’Affaire SK1 retrace cette enquête qui a permis d’arrêter le tristement connu Guy Georges, alias le « tueur de l’est parisien », jusqu’à son procès où il a finalement avoué tous ses crimes. Pour être plus précis, le film est monté à partir de flashbacks, c’est-à-dire qu’il alterne les scènes de procès et celles sur l’enquête jusqu’à ce que les deux parties (donc deux temps) se rejoignent naturellement. Je dois avouer que ce procédé m’effrayait un peu au début du film, j’avais peur qu’il soit un peu superficiel. Mais en réalité, le montage est très bon et permet au film de donner une véritable dynamique, surtout lorsqu’on connait déjà l’histoire. De plus, je trouve que cela donne une certaine cohérence au film qui aurait pu devenir très brouillon quand on sait à quel point la police a rencontré de nombreuses pistes. Du coup, la partie sur l’enquête face à ses difficultés réussit à montrer toutes les difficultés rencontrées par les policiers mais sans que les idées apparaissent de manière éparpillée. Mais surtout, je crois que ce qui est plaisant dans ce film, c’est toute la documentation autour de ce film mais sans avoir eu la sensation de regarder un énième épisode de Faites entrer l’accusé (même si j’adore cette émission). Frédéric Tellier ne signe ici que son premier long-métrage mais on sent bien que ce bonhomme connait bien le milieu policier et judiciaire. Il a d’ailleurs été conseiller technique et directeur artistique de 36, quai des Orfèvres d’Olivier Marchal ou encore a réalisé des épisodes pour les séries Un flic et Les Hommes de l’ombre. J’ai vraiment apprécié de voir un film très bien documenté (d’ailleurs, un grand nombre de personnes ayant participé à l’enquête ou au procès – dont les véritables « Charlie » Magne et Frédérique Pons – ont fourni de nombreuses informations à l’équipe du film) tout en possédant de réelles qualités de mise en scène et d’écriture. Il n’était pas évident de condenser cette histoire complexe et passionnante en deux heures et pourtant Tellier a réussi à relever ce challenge, on prend même un certain plaisir à la redécouvrir grâce à un rythme soutenu, on se sent impliqué dans cette histoire.

L’ Affaire SK1 : Photo Nathalie Baye, Raphaël Personnaz

Frédéric Tellier parvient aussi à retranscrire cette histoire complexe en la rendant compréhensible. Je trouve également que le réalisateur arrive à montrer la sordidité des meurtres mais sans entrer forcément dans le sensationnel. De plus, sans être tire-larmes, je trouve qu’il y a de l’émotion, juste ce qu’il en faut. Il est certain qu’il faut vraiment prendre en compte la dimension humaine de cette histoire, d’où aussi l’intérêt de la partie se déroulant durant le procès. Tellier interroge avec justesse sur l’homme, capable de commettre des actes monstrueux, notamment grâce au personnage de Frédérique Pons, qui ne croit pas au monstre mais plutôt à des actes ignobles et à des circonstances qui amènent l’homme à ne plus être lui-même, quitte à avoir une double personnalité. Que l’on soit d’accord ou non avec cette théorie, elle a au moins le mérite d’être bien exposée et l’idéologie ne semble jamais douteuse face à ces crimes inexcusables. J’ai été alors ravie de voir que ce film ne se résumait pas uniquement à un divertissement malsain qui pourrait être diffusé en prime-time, mais qu’il y a une véritable volonté d’interroger sur l’humain. Le film n’a rien de révolutionnaire mais le travail reste bien fait et ambitieux. C’est un film français qui fait en tout cas plaisir à voir, surtout dans ce genre-là. Enfin, dans l’ensemble, les interprétations m’ont également beaucoup plu. Raphaël Personnaz confirme tout le bien que je pense de lui et même si son personnage n’a rien en soi de nouveau (le flic obsédé par l’enquête), il l’incarne tout de même avec conviction sans tomber dans la caricature. J’ai également beaucoup aimé les interprétations d’Olivier Gourmet et de Michel Vuillermoz. La performance de Nathalie Baye m’a également beaucoup plu (il faut que le personnage est vraiment intéressant et charismatique), en revanche j’ai été moins convaincue par son partenaire William Nadylam, qui incarne l’autre avocat. D’autres seconds rôles, comme Christa Theret (qui incarne la seule survivante de Guy Georges) ou Marianne Denicourt, sont également très bons. Je crois qu’il faut surtout retenir l’excellente interprétation d’Adama Niane, qui a la lourde tâche d’incarner Guy Georges. Il est vraiment impeccable, jamais caricatural, au contraire, son jeu est rempli de nuances.

L’ Affaire SK1 : Photo Marianne Denicourt

Secret d’état

réalisé par Michael Cuesta

avec Jeremy Renner, Rosemarie DeWitt, Oliver Platt, Mary Elizabeth Winstead, Ray Liotta, Tim Blake Nelson, Barry Pepper, Michael Sheen, Paz Vega, Andy Garcia…

titre original : Kill the Messenger

Biopic, drame américain. 1h52. 2014.

sortie française : 26 novembre 2014

Vu dans le cadre de Dvdtrafic : Un grand merci à Cinétrafic et Metropolitan Filmexport.

Sur Cinétrafic : Les films d’action dont ceux de 2015.

Secret d'état

Une vérité incroyable se dessine : les rebelles du Nicaragua travailleraient directement avec la CIA pour introduire de la cocaïne aux Etats-Unis et l’argent résultant de ce trafic servirait à armer les milices des Contras que veulent soutenir les Etats-Unis. Pour faire exploser la vérité, Webb prend tous les risques et se rend au Nicaragua afin de soutirer des informations essentielles au baron de la drogue Norwin Meneses. Il écrit bientôt une série d’articles qui secoue l’Amérique tout entière…
Webb devient alors une cible pour les journalistes rivaux mais aussi pour les responsables du trafic : un véritable complot se trame contre lui…

Secret d'état : Photo Jeremy Renner

Secret d’état est sorti dans les salles françaises en fin novembre dernier dans l’indiscrétion la plus totale. Il faut dire que le titre français est un peu trop passe-partout (il faut voir le nombre de films qui s’intitule « secret de quelque chose » ou « machin d’état », forcément ça n’inspire plus au bout d’un moment). Le titre original, Kill the Messenger, a déjà bien plus de sens, surtout une fois qu’on a vu le film. En tout cas, même s’il ne s’agit évidemment pas du film du siècle, Secret d’état est pour moi un bon film qui mérite d’être vu rien que par son sujet. Je peux même dire qu’il s’agit même d’une bonne surprise vu que je n’en attendais rien. Pour écrire le scénario, le scénariste et ancien journaliste Peter Landesman s’est appuyé sur deux ouvrages : Dark Alliance de Gary Webb et Kill the Messenger: How the CIA’s Crack-cocaine Controversy Destroyed Journalist Gary Webb de Nick Schou. Ainsi, le film est tiré de l’histoire vraie de Gary Webb, un journaliste qui a publié une série d’articles nommés « Dark Alliance » à partir de 1996 dans le San Jose Mercury News. Au cours de son enquête, Webb a alors découvert le financement des contras au Nicaragua par des narcotrafiquants couverts par la CIA. Ainsi, la CIA a favorisé la distribution du crack dans les banlieues noires de Los Angeles, ce qui a provoqué une « épidémie de crack ». Cependant, cette vérité a évidemment un prix, chacun voulant se préserver, notamment son propre journal qui ne va pas avoir le courage d’assumer les articles. Suite à cette affaire, Webb démissionne du Mercury News et a délaissé le journalisme. En 2004, il est retrouvé à Sacramento avec deux balles dans la tête (mais la police dit qu’il s’agit d’un suicide : je ne suis pas forcément adepte de la théorie du complot mais il faut avouer que c’est très étrange).

Secret d'état : Photo Mary Elizabeth Winstead

Rien que le résumé nous fait comprendre que l’affaire en elle-même est passionnante. Evidemment, le scénario a apparemment romancé le récit mais il a tout de même sur retranscrire les différents enjeux des enquêtes journalistiques de Gary Webb. Le film réussit à trouver un bon équilibre entre le thriller politique et le drame. De plus, le langage reste accessible pour ceux qui ne connaissent pas forcément cette affaire (vraiment importante et étonnamment pas si connue que ça) tout en utilisant un jargon crédible. Grâce à une mise en scène solide et un scénario plutôt efficace, Michael Cuesta, réalisateur de 12 and Holding (avec déjà Jeremy Renner au casting) et du polémique Long Island Express (L.I.E.), réussit aussi à dresser le portrait fascinant d’un homme courageux, passionné et intègre, seul contre tous et pris un tourbillon médiatique et politique. Dans le rôle principal, Jeremy Renner est vraiment impeccable et a vraiment les épaules pour tenir un tel rôle. Certains seconds rôles sont également remarquables, comme par exemple ceux tenus par Mary Elizabeth Winstead, Oliver Platt ou encore Michael Sheen. Je note tout de même quelques défauts : même si le film est captivant et parvient à tenir le spectateur en haleine, il y a tout de même quelques longueurs. Puis, on a quand même l’impression que Webb a eu de la chance de tomber sur LE sujet de l’année et se découvre un talent pour l’investigation. Il ne faut pas oublier que Webb avait déjà une solide carrière de journaliste. De plus, sa participation au reportage collectif sur le tremblement de terre de Loma Prieta lui a permis de remporter en 1990 le Prix Pulitzer avec d’autres collègues. Malgré ces maladresses, Secret d’état est un film captivant, engagé, important pour la liberté de la presse.

Secret d'état : Photo Jeremy Renner

Une belle fin

réalisé par Uberto Pasolini

avec Eddie Marsan, Joanne Froggatt, Karen Drury, Andrew Buchan, Neil D’Souza, Paul Anderson, Tim Potter…

titre original : Still Life

Comédie dramatique britannique, italien. 1h27. 2013.

sortie française : 15 avril 2015

Une belle fin

Modeste fonctionnaire dans une banlieue de Londres, John May se passionne pour son travail. Quand une personne décède sans famille connue, c’est à lui de retrouver des proches. Malgré sa bonne volonté, il est toujours seul aux funérailles, à rédiger méticuleusement les éloges des disparus… Jusqu’au jour où atterrit sur son bureau un dossier qui va bouleverser sa vie : celui de Billy Stoke, son propre voisin.

Une belle fin : Photo Eddie Marsan

Uberto Pasolini n’a rien à voir avec Pier Paolo Pasolini. En revanche, il est le neveu de Luchino Visconti. Il est également producteur du fabuleux The Full Monty. Malgré ses liens étroits avec le cinéma, il est pratiquement un débutant derrière la caméra. Cela ne l’a pas empêché de signer un des plus meilleurs films de l’année pour l’instant, Une belle fin. Je dois avouer que je ne l’ai pourtant pas adoré tout de suite, je trouvais notamment sa première partie un peu lente et l’histoire assez déprimante. Mais en réalité, je crois que j’ai voulu me préserver face à tant d’émotions, d’humanité et de vérités. Le film est simple, ou plutôt a l’air simple, mais en réalité il est bien foutu. On comprend vite que la simplicité, la banalité même dégagée tout au long du film est volontaire de la part de Pasolini, notamment en nous mettant en scène un personnage avec un nom commun (John May, sorte de John Doe). Pourtant, ce type qui semble banal (même si son visage ne l’est pas tant que ça) ne fait pas un métier habituel et par ses actes, sa sincérité et son humanité, John May n’est pas un type comme les autres. Grâce à son métier, il nous fait comprendre que chaque vie compte (d’où l’un des sens de Still Life, « encore la vie »). Puis, simple ne signifie pas simpliste. Il y a tout de même un véritable travail de mise en scène. En effet, l’autre sens de Still Life est « nature morte ». Pasolini réussit à mettre en scène littéralement la « vie immobile » du héros : ainsi, le choix des plans fixes est pertinent car il correspond à la vision de John May sur son existence. Les références à la nature morte sont évidemment nombreuses, notamment à travers les gestes minimalistes du personnage principal qui mange régulièrement des pommes et ou encore quand il assemble les photos des morts dans son album. Certains plans ressemblent même à des tableaux. Le réalisateur italien joue également discrètement avec les couleurs, notamment au début avec des couleurs froides (le bleu et le gris).

Une belle fin : Photo Eddie Marsan, Joanne Froggatt

Cependant, même si Still Life est un très beau film, à la fois doux, féroce, tendre, triste et optimiste (cela est étrange de mettre ces adjectifs ensemble, pourtant nous retrouvons bien ces différents sentiments et aspects dans ce long-métrage), le discours social n’a rien de mignon, au contraire, il est assez féroce. Pasolini nous présente l’isolement social des gens dans une société individualiste, matérialiste et égoïste ainsi que la perte des responsabilités morales et sociales face à la disparition d’un proche. Pourtant, le film fait aussi écho aux propres peurs des vivants : que personne ne se déplace pour son enterrement. Comme tout le reste, le scénario a l’air simple mais encore une fois, il est très efficace, cohérent, n’oubliant jamais les détails tout en restant subtil et va au bout de ses idées. La fin est vraiment réussie, à la fois magnifique, onirique et ironique. Enfin, le casting est très bon. Eddie Marsan, toujours abonné aux seconds rôles, est excellent dans le rôle principal. Il l’était déjà très bon dans ses autres films mais là il est vraiment épatant. Il y a beaucoup de pudeur dans son interprétation, ce qui rend d’autant plus son personnage attachant et touchant (attouchant ?) et on sent l’acteur investi, précis et naturel à la fois. Les seconds rôles sont également très bons, notamment Joanne Froggatt. Pour conclure, Une belle fin est une des plus belles réussites de l’année. Certes, le sujet n’est pas forcément joyeux et malgré la tristesse que j’ai eu pendant tout le long de ma séance, Une belle fin est aussi et même surtout une ode à la vie. Il s’agit d’un film modeste, abouti et très profond, qui nous concerne tous et qui est réellement émouvant mais jamais larmoyant alors qu’il l’aurait facilement tomber dans ce piège.

Une belle fin : Photo Eddie Marsan