Ça (2017)

réalisé par Andy Muschietti

avec Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Finn Wolfhard, Jack Dylan Grazer, Sophia Lillis, Jeremy Ray Taylor, Wyatt Olef, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton, Stephen Bogaert…

titre original : It

Epouvante-horreur américain. 2h15. 2017.

sortie française : 20 septembre 2017

À Derry, dans le Maine, sept gamins ayant du mal à s’intégrer se sont regroupés au sein du « Club des Ratés ». Rejetés par leurs camarades, ils sont les cibles favorites des gros durs de l’école. Ils ont aussi en commun d’avoir éprouvé leur plus grande terreur face à un terrible prédateur métamorphe qu’ils appellent « Ça »…
Car depuis toujours, Derry est en proie à une créature qui émerge des égouts tous les 27 ans pour se nourrir des terreurs de ses victimes de choix : les enfants. Bien décidés à rester soudés, les Ratés tentent de surmonter leurs peurs pour enrayer un nouveau cycle meurtrier. Un cycle qui a commencé un jour de pluie lorsqu’un petit garçon poursuivant son bateau en papier s’est retrouvé face-à-face avec le Clown Grippe-Sou…

Ça : Photo Chosen Jacobs, Finn Wolfhard, Jaeden Lieberher, Jeremy Ray Taylor, Sophia Lillis

Le long roman de Stephen King Ça, publié en 1986, avait déjà connu une première adaptation pour la télévision en 1990 réalisée par Tommy Lee Wallace et avec l’excellent Tim Curry dans le rôle du clown terrifiant Grippe-Sou (Pennywise). Le téléfilm était intéressant (même si je trouve sa seconde partie bien en dessous de la première) mais il a sacrément vieilli. Cela fait depuis quelques années qu’on parle d’une nouvelle adaptation (j’insiste sur le terme – non, ce n’est pas un remake comme je l’ai parfois lu à tort et à travers) pour le grand écran. Cary Fukunaga (crédité au générique) devait réaliser cette nouvelle version avec Will Poulter dans le rôle du clown maléfique. Fukunaga quitte le projet suite à des désaccords artistiques avec les producteurs de New Line, Poulter suit le chemin du réalisateur en guise de soutien. Les frères Duffer étaient également très intéressés par le projet, même avant l’intervention de Fukunaga. Il est finalement amusant de voir un des acteurs de Stranger Things au casting (le jeune Finn Wolfhard). Bref, c’est finalement le réalisateur argentin Andrés Muschietti (qui avait signé le plutôt bon Mamá) qui passe derrière la caméra. On relèvera alors deux choses. La première est le changement d’époque. Le roman (ainsi que le téléfilm) se déroule sur deux époques : les années 50 (pour la partie sur l’enfance) et les années 80 (pour la partie « adultes »). Cette fois-ci, l’enfance des personnages se situe dans les années 1980. Au-delà d’une volonté de rendre cette version plus contemporaine (les sujets évoqués sont intemporels), Ça semble s’inscrire dans ce boum nostalgique pour les années 80 (re-coucou Stranger Things). On aurait pu craindre une nostalgie pénible et redondante, Muschietti a le mérite de ne pas abuser de ce nouveau contexte en le rendant pas cool à tout prix. Le deuxième changement notable est d’isoler justement les deux parties. En effet, le téléfilm reprenait la structure du roman, c’est-à-dire d’avancer dans le récit en alternant les différentes époques. S’il devrait y avoir ces échanges dans le chapitre 2, ce premier volet se concentre uniquement sur le récit durant l’enfance des personnages. Seule une réplique prononcée par Bev, où elle explique avoir eu une vision d’elle et de ses amis adultes, évoquerait discrètement cette fameuse alternance temporelle.

Ça : Photo Bill Skarsgård

Stephen King, décidément au centre de toutes les attentions (les adaptations de ses oeuvres sont très nombreuses et cela n’est pas prêt de changer en 2018 !), a approuvé (voire aimé) cette nouvelle adaptation de Ça. Je n’ai pas encore lu le roman d’origine (je l’attaque très bientôt les amis !), je ne peux donc juger que sur ce que j’ai vu. Ce long-métrage m’a en tout cas beaucoup séduite. Certes, il ne s’agit pas forcément du film le plus effrayant que j’ai pu voir – même si certaines scènes ont tout de même su me donner quelques petits frissons. Il reprend lui-même des codes très utilisés (et parfois faciles) dans le cinéma d’horreur actuel. Cela dit, il a deux mérites qui lui permettent de se détacher de ce cinéma d’horreur contemporain. Le premier est celui d’instaurer tout le long de l’oeuvre une atmosphère dangereuse. Le second est concerne sa manière de parler de la peur, pas uniquement de ce monstre mais aussi celles de notre enfance qui s’apparentent finalement à différents traumatismes bien plus profonds : inceste, disparition tragique des parents ou d’un frère, harcèlement scolaire, mère qui couvre dangereusement son enfant, racisme… Des sujets difficiles mais jamais traités avec lourdeur. Rien que le nom de l’oeuvre est significatif sur le fond de cette histoire (on peut même établir des rapprochements avec The Thing et It Follows), ce « ça » pour désigne le Mal. En psychologie, le « ça » répond aux pulsions de l’humain. Et ces pulsions hantent la ville de Derry, pratiquement un personnage à part. Certes, la métaphore est peut-être parfois un peu très appuyée mais elle fonctionne tout de même avec efficacité surtout pour un film de cette production (n’oublions pas que c’est une grande production – ce qui explique le départ d’origine de Cary Fukunaga). Par rapport aux thèmes évoqués et même par rapports à certains décors, on peut rapprocher cette oeuvre à une nouvelle de Stephen King, Le Corps (paru dans le recueil de nouvelles Différentes saisons), adapté au cinéma sous le titre Stand by me. Ce premier chapitre n’est alors pas à proprement parler un film d’horreur comme on aurait pu l’attendre, c’est un film sur l’horreur banale. Muschietti nous offre une chronique sur l’enfance à la fois dure, tendre et émouvante.

Ça : Photo Bill Skarsgård

Pour un film assez ouvert au public, on s’étonnera alors de la violence, certes suggérée (enfin pas tant que ça par moments, la scène d’intro avec le petit Georgie et son bras arraché n’est pas si suggérée que ça), mais tout de même présente. Si la fin s’étire peut-être un poil en longueur et qu’il y a parfois un peu trop de jump-scares et d’effets horrifiques pour plaire à un certain public actuel (même si dans le lot certains fonctionnent), la mise en scène de Muschietti reste solide. A noter aussi une belle photographie de Chung Chung-hoon, connu pour sa collaboration avec Park Chan-wook : cette influence japonaise est peut-être, avec du recul, à l’origine de cette atmosphère prenante. Une scène plutôt réussie semble même sorti de Ring de Hideo Nakata. L’interprétation de Pennywise par l’immense (et trop sous-estimé) Tim Curry était monumentale (même si on le voit finalement peu). Difficile de passer après une telle performance. Pourtant, Bill Skarsgård (fils de Stellan et frère d’Alexander) s’en sort plus que bien. Ce n’est pas évident de passer après Curry et le jeune acteur suédois ne cherche pas à l’imiter. Il montre une autre facette exploitable de ce personnage qui apparaît certainement plus que dans le téléfilm. Certes, peut-être qu’on prend le risque de supprimer la partie énigmatique du monstre qui hante les enfants jusqu’à l’âge adulte (le personnage de Curry semblait plus vicieux mais encore une fois les approches de l’un et de l’autre sont différentes). A voir également en version originale pour l’excellent travail vocal de l’acteur. Tous les jeunes acteurs sont également remarquables incarnant des personnages très attachants et charismatiques. Jaeden Lieberher (vu dans l’excellent Midnight Special) et la jeune Sophia Lillis (sorte de sosie version jeune de Jessica Chastain et / ou Amy Adams) sont particulièrement charismatiques, Finn Wolfhard est très drôle en petit clown de service (oh le clin d’oeil de merde) ou encore Jack Dylan Grazer est adorable dans le rôle du petit Eddie (c’était déjà mon personnage coup de coeur dans le téléfilm). On peut peut-être regretter qu’ils n’aient pas le même temps de présence à l’écran. Espérons que le casting adultes soit à la hauteur…

Ça : Photo Chosen Jacobs, Finn Wolfhard, Jack Dylan Grazer, Jaeden Lieberher, Jeremy Ray Taylor

Publicités

Ma Vie de Courgette

réalisé par Claude Barras

avec les voix de Gaspard Schlatter, Sixtine Murat, Michel Vuillermoz, Paulin Jaccoud…

Animation, drame suisse, français. 1h06. 2015.

sortie française : 19 octobre 2016

Movie Challenge 2017 : Un film d’animation

Courgette n’a rien d’un légume, c’est un vaillant petit garçon. Il croit qu’il est seul au monde quand il perd sa mère. Mais c’est sans compter sur les rencontres qu’il va faire dans sa nouvelle vie au foyer pour enfants. Simon, Ahmed, Jujube, Alice et Béatrice : ils ont tous leurs histoires et elles sont aussi dures qu’ils sont tendres. Et puis il y a cette fille, Camille. Quand on a 10 ans, avoir une bande de copains, tomber amoureux, il y en a des choses à découvrir et à apprendre. Et pourquoi pas même, être heureux.

Ma Vie De Courgette : Photo

Le roman Autobiographie d’une courgette de Gilles Paris avait connu une première adaptation pour la télévision (merci papi Wiki parce que je n’étais pas du tout au courant de son existence), C’est mieux la vie quand on est grand (réalisé par Luc Béraud). Avec la scénariste Céline Sciamma (surtout connue pour être la réalisatrice  de Naissance des pieuvres, Tomboy et Bande de filles), c’est le réalisateur suisse Claude Barras qui s’est chargé de son adaptation pour le grand écran, nommée aux Oscars dans la catégorie « meilleur film d’animation ». Il n’a pas choisi n’importe quel moyen : l’animation et plus précisément le stop-motion. Autobiographie d’une courgette est à l’origine un roman bouleversant raconté à la première personne par un enfant (comme l’indique en partie son titre) : un roman à la fois lumineux et dur avec son langage d’enfant reconstitué. Claude Barras et Céline Sciamma, dont le travail a été salué aux César par le prix de la meilleure adaptation, ont merveilleusement repris l’essence du roman sans chercher à tout prix faire du copier-coller (même si, dans les grandes lignes, on peut parler de fidélité mais il y a tout de même des changements pertinents). Certes, Courgette n’est plus le narrateur dans le film, c’est pour ça qu’on passe de « autobiographie » à « ma vie ». Les scénaristes ont également préféré aller à l’essentiel en supprimant plusieurs intrigues (et l’intrigue restante et principale est plutôt simple, il n’y a pas dix milles péripéties). Plus globalement, le film atténue les différentes violences, qu’elle soit verbale (le langage des enfants est moins grossier que dans le roman) ou physiques (la mort de la mère de Courgette a une dimension plus « tragique » dans le texte d’origine) voire même sexuelles (le passé des personnages est davantage détaillé dans l’oeuvre de Paris). Cela ne signifie pas pour autant de la légèreté dans les sujets évoqués, loin de là : les douleurs d’origine des personnages existent bel et bien. Bref, on est finalement face à deux oeuvres complémentaires, une forme de fidélité n’empêche pas de transformer le matériau d’origine pour toucher le public autrement. Ma vie de Courgette aurait pu décevoir à force de tout simplifier : il est certainement un peu plus accessible aux enfants via l’animation alors que le roman semble exclusivement destiné à un public adulte. Pour la petite anecdote, je refusais de voir le film à cause de sa petite heure (traitez-moi de radine !). Mais en allant à l’essentiel, en faisant court, Ma vie de Courgette trouve un nouvel élan qui permet de faire éclore une émotion sincère. Ce film, d’une belle sincérité, ne cherche jamais à en faire trop ou à être larmoyant.

Ma Vie De Courgette : Photo

L’animation en stop-motion est réussie, pas uniquement d’un point de vue esthétique : elle parvient à être cohérente avec les différents ressentis et significations : la photographie est claire et lumineuse, les enfants, tous très attachants, ont des cheveux très colorés (cela renforce aussi le propos « universel » sur l’enfance : n’importe quel enfant peut être concerné par l’abandon et les violences et n’importe quel enfant a juste le droit d’être heureux) et surtout les yeux ronds des gosses transmettent aux spectateurs d’incroyables émotions, ils ont l’air plus vivants que jamais. Si la « voix » faussement autobiographique a disparu dans la narration contrairement au roman, en revanche les dessins qui ont l’air d’être faits par des enfants permettent d’une certaine façon de continuer à faire entendre une et même des voix enfantines. Ma vie de Courgette fait partie de ces films d’animation capables de réunir tous les publics, aussi bien les adultes que les enfants. Il aborde des sujets difficiles voire même tabous, ce qui prouve de nouveau qu’un film d’animation n’est pas qu’un truc de gosses. Mais les enfants en tant que spectateurs ne sont justement jamais mis de côté, comme le clament les réalisateurs : ce film est fait pour eux même s’il n’édulcore pas ce que certains peuvent vivre. Ma vie de Courgette a beau évoquer des thèmes sombres, il s’agit pourtant d’un film éblouissant. Les traumatismes et les blessures sont bien perceptibles dans le scénario mais les enfants ont le droit aussi d’avancer et d’avoir la vie qu’ils méritent de vivre. Le foyer est souvent perçu, que ce soit en littérature ou au cinéma (ou autre), comme un lieu austère et dangereux. Or, l’auteur du roman ainsi que le réalisateur ont cassé les codes habituels en nous exposant le foyer comme un lieu bienveillant permettant aux enfants de se reconstruire. Justement, c’est l’extérieur qui représente éventuellement un danger. Le choix d’utiliser des marionnettes prend alors encore plus de sens : la marionnette est une figure qui peut se casser et par conséquent se réparer. C’est finalement ce qui arrive aux enfants : la vie les a cassés mais le foyer peut les réparer. Encore une fois, à l’image des couleurs vives et des yeux ronds (les yeux sont le miroir de l’âme), le foyer est un lieu optimiste ouvrant à la liberté. Le casting vocal, mêlant aussi bien côté adultes des professionnels que côté enfants des débutants, est également très réussi, sachant transmettre l’émotion mais aussi la vivacité de leurs personnages. Ma Vie de Courgette est alors une ode à la vie bouleversante, poétique, tendre et sensible sur des gamins qui apprennent à se reconstruire par des valeurs aussi nobles que l’amitié : finalement, les liens les plus précieux ne sont pas ceux du sang, mais ceux qui nous valorisent dans ce monde.

Ma Vie De Courgette : Photo

Big Little Lies (saison 1)

Créée par Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley, Zoë Kravitz, Laura Dern, Alexander Skarsgård, Adam Scott, James Tupper, Jeffrey Nordling

avec Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley, Zoë Kravitz, Laura Dern, Alexander Skarsgård, Adam Scott, James Tupper, Jeffrey Nordling…

Comédie dramatique américaine. Saison 1. 2017.

Quand Madeline, Jane et Celeste se lient d’amitié par l’intermédiaire de leurs enfants, elles ne se doutent pas qu’elles vont se retrouver, des mois plus tard, au centre d’un tragique accident, survenu à la fête de l’école. Qui est mort ? Qui est responsable ? Et pour quelle raison ? Secrets, rumeurs et mensonges ne faisant pas bon ménage, tout l’univers de la petite ville de Monterey va être secoué de violents soubresauts.

Photo Nicole Kidman, Reese Witherspoon, Shailene Woodley

Big Little Lies est l’adaptation du roman éponyme en VO de Liane Moriarty (en VF Petits Secrets, Grands Mensonges). Cette mini-série, produite par HBO (décidément une grande chaîne), est composée par une belle équipe : son créateur n’est autre qu’Edward E. Kelley, notamment connu pour avoir travaillé sur Ally McBeal. Tous les épisodes ont été réalisés par Jean-Marc Vallée, le réalisateur canadien qui a le vent en poupe depuis quelques années (C.R.A.Z.Y., Wild, Dallas Buyers Club, Victoria : les jeunes années d’une reine). Surtout, quelle belle brochette d’actrices dans les rôles principaux : Reese Witherspoon, Nicole Kidman (également ici productrices), Shailene Woodley (n’oublions pas qu’elle avait été révélée à la télévision dans The Secret Life of the AmericanTeenager), Laura Dern et Zoë Kravitz. Décidément, les choses bougent – peut-être plus à la télévision qu’au cinéma – pour donner des rôles puissants et réalistes aux femmes d’aujourd’hui sans cesse sous pression pour différentes raisons aussi bien sociales que sexuelles. . La mini-série, aux airs de Desperate Housewives en le mêlant à l’art du whodunit, sait tenir en haleine sur sept épisodes. En effet, le spectateur sait que quelqu’un est mort durant une soirée caritative. Mais on ne sait pas qui est cette personne décédée, qui est le meurtrier, ni pourquoi. On saura juste que tous les personnages que l’on va suivre sont impliqués de près et / ou de loin avec cet événement. Il faudra alors attendre les dernières minutes du dernier épisode pour tout connaître. On nous rappelle l’événement à venir plusieurs fois dans les épisodes (et même dans le fabuleux générique avec la chanson de Michael Kiwanuka, Cold Little Heart), comme si les protagonistes ne pouvaient pas y échapper : il y a quelque chose qui sonne de l’ordre du tragique. Surtout quand on voit les différents portraits des femmes : Madeline est a priori celle qui a l’air d’avoir le moins de problèmes : elle est dynamique, grande-gueule, sociable, se mêle beaucoup de ce qui ne la regarde pas, ce qui énerve beaucoup de gens. Mais derrière ce joli sourire permanent (tenu par une Reese Witherspoon convaincante et impliquée) se cache une femme blessée et perdue, bien plus fragile qu’elle en a l’air : sa fille aînée, qui fait évidemment sa crise d’ado comme prévue, est très proche de la nouvelle épouse de son ex-mari, incarnée par une surprenante Zoë Kravitz absolument parfaite en jeune femme très portée sur le bien-être personnel, le yoga et tout ce qui va avec. Et si tout va bien a priori avec son gentil nouveau mari (le très touchant Adam Scott), Madeline reste marquée par son précédent divorce.

Photo Nicole Kidman, Reese Witherspoon, Shailene Woodley

Celeste (incarnée par une Nicole Kidman bouleversante) est une mère au foyer qui commence à rêver d’indépendance, notamment en voulant reprendre le travail. Mais son mari (le glacial Alexander Skarsgård) ne l’entend pas de cette façon. La relation avec son mari est certainement un des points les plus marquants et les mieux traités dans cette série : si Celeste est parfois complice des relations brutales avec son mari (ce qui rend ce personnage bien plus complexe et ambigu), elle est surtout victime de violences conjugales. Enfin, le troisième personnage, qui engendre donc une troisième intrigue comme vous l’aurez compris, est Jane (Shailene Woodley m’a bluffée dans ce rôle enfin mature qui lui va comme un gant), la jeune maman de l’adorable petit Ziggy, débarquant alors tous les deux à Monterey, la mère souhaitant un nouveau départ pour une raison au début inconnue. La série débute par ailleurs sur cet enfant, perturbé de ne pas connaître l’identité de son père (nous comprendrons au fil des épisodes pourquoi), est accusé d’avoir frappé la fille de l’hystérique Renata (l’excellente Laura Dern). Bref, Celeste, Jane et Madeline deviennent alors copines et les trois intrigues vont alors devenir complémentaires et auront évidemment du sens par rapport aux réponses que le spectateur attend depuis les premières minutes de la série. La série déborde alors de qualités, la première comme vous l’aurez deviné, est son scénario, qui aurait pu se transformer en foutoir géant, mais qui sait merveilleusement bien nous tenir en haleine. Alors oui, on pourra toujours dire qu’on avait compris quelques trucs dans l’intrigue (pour ma part, j’avais deviné l’intrigue par rapport au harcèlement scolaire mais pas nécessairement tout le reste) mais je crois que cela prouve plus la cohérence justement de la narration qui sait où elle va. De plus ce scénario a su complètement prendre en compte la complexité des personnages, surtout des féminins. Pour ma part, bien que j’adore voir les femmes mises en avant dans les oeuvres cinématographiques et télévisuelles (parce qu’on en a besoin), je redoute toujours de voir des clichés véhiculés, surtout dans le cadre de portraits-croisés de femmes n’ayant pas la vie rose. Or, ce qui m’a étonnée est de voir à quel point la série n’était pas cliché. Cela fait du bien de voir des femmes, certes ici aisées, ordinaires, qui ne sont pas des wonderwomen, ont leurs failles, leurs blessures, font des erreurs, bref elles ne sont parfaites contrairement à ce qu’elles veulent (et doivent) montrer en public, elles mais restent tout de même des femmes fortes.

Photo Nicole Kidman, Reese Witherspoon, Shailene Woodley

Surtout, Big Little Lies montre à quel point les femmes, même si elles peuvent s’opposer entre elles (chacune pense bien agir, surtout pour défendre leurs progénitures), peuvent être solidaires face au danger. Si le postulat de départ avait donc, comme je le disais, quelque chose de tragique, la série ne l’est pas. Elle frôle volontairement mais elle ne l’est pas : au bout du tunnel, l’espoir est là parce que chaque femme peut s’en sortir. Même transportée dans un tourbillon d’événements qui peut la conduire vers une situation irréparable, la femme en tant que figure peut y voir la lumière. Les enfants, justement, jouent un rôle important dans la construction de ces identités féminines. Chaque femme va se battre pour protéger son enfant, quitte à se mettre la communauté à dos, à fuir quelque chose, ou au contraire à affronter aussi des situations douloureuses. Ils ne sont pas simplement des objets faisant avancer le récit. Les différentes intrigues se rejoignant permettent aussi de livrer un discours pertinent sur le rôle de l’éducation et de l’environnement, ce sont ces derniers qui permettent à l’enfant de se construire : les liens du sang n’ont rien à voir avec les actes que les enfants peuvent commettre. Enfin, le point commun entre les personnages principaux concernent la sexualité, illustrant la plupart du temps des rapports de domination : que ce soit une infidélité, un viol, des relations sexuelles brutales, aussi bien douloureuses que purement jouissives, elle fait partie de la vie quotidienne d’une femme et surtout elle peut la transformer et avoir des conséquences irréversibles. Accompagnés par une mise en scène solide et une lumière froide, les décors parviennent à retranscrire le milieu social des personnages, mais aussi leur nature profonde littéralement, le mot « nature » pouvant être combiné à l’environnement géographique. Les personnages, nageant en eaux troubles, vivent à côté de l’océan, ce dernier pouvant être vu comme la représentation de la transparence (face à ce monde d’apparences), mot à prendre dans tous les sens du terme. Jamais caricatural, Big Little Lies est une fabuleuse série féministe. Visiblement, alors que Jean-Marc Vallée ne veut pas de saison 2, Reese Witherspoon et Nicole Kidman travailleraient déjà sur de nouvelles intrigues en collaboration avec Liane Moriarty : selon elles, ce projet devrait aboutir uniquement s’il en vaut la peine. Etant donné que j‘ai beaucoup aimé la conclusion de cette mini-série qui me semble parfaite, je suis un peu sceptique sur un éventuel retour mais je répondrai à l’appel si Madeline, Jane et Celeste reviennent sur le petit écran.

Photo Zoë Kravitz

Moonlight

réalisé par Barry Jenkins

avec Alex R. Hibbert, Ashton Sanders, Trevante Rhodes, Mahershala Ali, Naomie Harris, Janelle Monáe, Andre Holland, Jaden Piner, Jharrel Jerome…

Drame américain. 1h50. 2016.

sortie française : 1 février 2017

moonlight

Après avoir grandi dans un quartier difficile de Miami, Chiron, un jeune homme tente de trouver sa place dans le monde. Moonlight évoque son parcours, de l’enfance à l’âge adulte.

Moonlight : Photo Alex R. Hibbert, Mahershala Ali

Moonlight, déjà lauréat du Golden Globe du meilleur drame, a gagné l’Oscar du meilleur film (dans la plus grande confusion… j’en rigole encore !) face à son grand concurrent, La La Land. Il a aussi remporté deux autres importantes récompenses, à savoir celles du meilleur acteur dans un second rôle (pour Mahershala Ali) et du meilleur scénario adapté. Il a aussi cartonné aux Independent Spirit Awards et a évidemment récompensé ailleurs. Le succès de ce petit film peut surprendre, Barry Jenkins étant un réalisateur inconnu aux yeux du public (et même auprès des cinéphiles) et surtout le sujet est tout de même assez lourd et même puissant, il a même quelque chose de nécessaire. En effet,  un grand nombre de drames apparaît dans le scénario (ça pourrait presque faire penser à Precious de Lee Daniels) : un gamin afro-américain qui découvre son homosexualité dans une communauté qui rejette cette identité s’isole de plus en plus face au harcèlement et au comportement désastreux et destructeur de sa mère qui se drogue, se prostitue et le maltraite. Moonlight est à l’origine une pièce du dramaturge Tarell Alvin McCraney, In Moonlight Black Boys Look Blue. Elle fait aussi écho aux vies de l’auteur de la pièce et du réalisateur de son adaptation (les deux ne se connaissant pas) : ils ont fréquenté la même école et le même collège à Liberty City (Miami) et leurs mères ont toutes les deux rencontré des problèmes avec la drogue (la mère de Jenkins a surmonté sa toxicomanie tout en restant séropositive pendant 24 ans, celle de McCraney est morte du Sida). Moonlight mérite-t-il alors toutes les louanges qu’il a reçues et surtout son Oscar du meilleur film ? Pour moi non. Certes, il ne s’agit pas d’un mauvais film, loin de là (je lui reconnais volontiers des qualités). Son Oscar du meilleur film me semble tout de même plus symbolique voire même politique (notamment une réaction à la polémique « Oscars So White » survenue l’an dernier qui reste malgré tout encore présente dans nos esprits) que cinématographique même si je suis certaine que beaucoup de gens trouveront ce prix mérité pour des raisons plus artistiques. Il faut dire que Moonlight a un petit quelque chose de révolutionnaire mine de rien : le casting est entièrement de couleur noire.

Moonlight : Photo Alex R. Hibbert

Moonlight est construit en trois parties clairement affichées et nommées : la première, « Little », suit Chiron enfant, lorsqu’il rencontre Juan, un dealer cubain qui deviendra pour lui la figure paternelle qui lui manque. Il ne comprend pas pourquoi on le traite de « tapette ». Dans la deuxième partie, « Chiron », le personnage principal devenu adolescent, se fait encore harceler par ses camarades de classe. Son homosexualité ne fait que se confirmer par un véritable contact physique. Enfin, la dernière partie, « Black », nous présente toujours ce fameux Chiron devenu adulte et méconnaissable, éloigné de sa ville d’origine. En mode gros dur, sa route recroise celle de son premier amant. J’appelle ça des parties, mais on pourrait les nommer des chapitres voire même des actes : si le film n’a pas l’air littéraire, il a pourtant une construction qui fait penser à cet art. Je savais, par par son prix aux Oscars, qu’il s’agissait d’une adaptation mais pas nécessairement d’une pièce. Pourtant, durant ma séance, j’ai fini par comprendre ce lien avec le théâtre et pas uniquement par cette forme assez visible : la manière d’aborder le personnage principal, le rythme de certaines répliques etc… Cela dit, je ne fais pas ici de reproches, mais plus un constat de mon ressenti. Il y a donc derrière un réel travail intéressant d’écriture (et je comprends davantage son Oscar de la meilleure adaptation même si je n’ai pas vu la pièce d’origine) même si paradoxalement ce sont aussi certainement des éléments liés à cette écriture qui m’ont gênée. Les dialogues m’ont semblé assez justes et les effets d’écho plutôt pertinents : ainsi, même lorsque l’histoire se déroule sur plus de dix ans, on ne perd pas non plus en route certaines informations qu’on a reçues et qu’on aurait pu oublier. Par exemple, même lorsqu’on ne voit plus à l’écran Juan, que ce soit dans la seconde ou troisième partie, on a l’impression qu’il est toujours présent au côté de Chiron. Mais je reste partagée sur l’utilisation des différentes ellipses. Certes, pour gagner du temps (pas évident de retracer la vie d’un personnage sur une quinzaine d’années voire peut-être plus), les ellipses étaient évidemment nécessaires. Il y a une idée de se concentrer sur l’essentiel.

Moonlight : Photo Naomie Harris

Cela dit, par ce choix, selon moi, Chiron est un personnage qui manque de développement, même un peu de consistance. De plus, j’étais frustrée de ne plus voir les personnages secondaires, même si encore une fois le scénario fait des efforts pour qu’on ne les oublie pas. Mais cet effet n’est hélas pas totalement réussi. J’ai également ressenti une autre frustration : le film n’étant pas hyper rythmé (ça ne m’a pas aidée à l’apprécier convenablement), à chaque fois que je commençais à entrer dans l’histoire, en la trouvant intéressante, on nous la brise justement par ces ellipses. Je suis d’ailleurs partagée sur la fin, j’ai l’impression que je n’ai pas la même interprétation que la plupart de mes copains blogueurs. La mise en scène est plutôt intéressante dans le sens où on sent que rien n’est laissé au hasard, il y a même des symboliques assez fortes (cette scène de baignade au début est très riche sur différents niveaux). Cela dit, à l’image de son sens esthétique (on passe parfois un peu trop brutalement à des scènes très réalistes à d’autres bien plus soignées et colorées ou encore il y a des effets de style un peu surperflus), elle reste pour moi parfois maladroite. Heureusement, le casting est très bon. Parmi les personnalités non connues par le grand public, le trio Alex R. Hibbert, Ashton Sanders et Trevante Rhodes est impeccable. Individuellement, chaque interprète est effectivement remarquable mais ce qui l’est encore plus c’est de constater la cohérence d’interprétation entre ces trois acteurs. Même si je reproche un certain manque de développement chez Chiron, en revanche on ressent pourtant bien à l’écran une certaine évolution qui fonctionne justement grâce à cette succession d’acteurs. Le changement d’acteurs ne choque jamais, on voit tout le temps à l’écran Chiron et non des trois acteurs qui interprètent un même rôle. Et cela est encore plus fort lorsqu’on sait que Hibbert, Sanders et Rhodes ne se sont pas rencontrés sur le tournage. Oscarisé, Mahershali Ali (qu’on voit hélas trop peu) est impeccable dans le rôle de ce personnage qui n’a rien d’un enfant de choeur et pourtant qui accompagne merveilleusement bien Chiron qui s’interroge sur son identité. J’étais heureuse de retrouver à l’écran dans les dernières Andre Holland, qu’on voit décidément de plus en plus. Enfin, parmi les rôles féminins, Naomie Harris (nommée aux Oscars) et Janelle Monáe sont également impeccables.

Moonlight : Photo Andre Holland, Trevante Rhodes

States of Grace

réalisé par Daniel Destin Cretton

avec Brie Larson, John Gallagher Jr., Stephanie Beatriz, Rami Malek, Kaitlyn Dever, Keith Stanfield, Kevin Hernandez…

titre original : Short Term 12

Drame américain. 1h40. 2013.

sortie française : 23 avril 2014

Movie Challenge 2016 : Un film qui m’a fait pleurer

124941-jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxx

Sensible et déterminée, Grace est à la tête d’un foyer pour adolescents en difficulté. Parmi les jeunes membres de son équipe, diversement expérimentés, la solidarité et le bon esprit sont de mise. Jusqu’à l’arrivée soudaine d’une fille tourmentée qui ignore les règles du centre et renvoie Grace à sa propre adolescence… pas si lointaine.

States of Grace : Photo Brie Larson, Kaitlyn Dever

Le titre « français », States of Grace, ne donne pas forcément envie de découvrir ce film. Son titre original, Short Term 12, est plus intéressant même s’il s’éloigne du personnage principal. « Short Term 12 », c’est donc le nom du foyer pour adolescents dans lequel bosse (et dirige) la fameuse Grace de notre titre « français ». Il faut savoir qu’avant d’être un long-métrage, il est passé par la case court-métrage en 2008 (portant le même nom). Ce sujet tient à coeur au réalisateur hawaïen Daniel Destin Cretton lui-même ayant été éducateur en centre spécialisé. Il voulait même à l’origine en tirer un documentaire (avant de signer ce premier long de fiction, il réalisait des docs pour HBO et Discovery Channel). Finalement, le réalisateur a préféré signé une fiction pour des raisons pratiques (les autorisations étant difficiles à obtenir) et morales (Cretton ne voulant pas non plus avoir l’impression d’exploiter les jeunes). Le risque quand on signe une fiction, en voulant partir de base sur le documentaire ou en étant influencé par ce genre, est de perdre justement cette part de fiction. Certes, on sent derrière le vécu du réalisateur, on le sent également bien documenté mais on est bien face à une histoire qui fonctionne de A à Z. Une histoire certes « simple » en apparence mais qui reste pourtant bien construite, logique mais sans être non plus attendue ou sirupeuse et surtout il n’y a pas de surenchère dans l’émotion, la dureté du milieu ou même dans les quelques moments de joie. Evidemment, la sincérité ne sauve pas toujours tous les films mais ici c’est véritablement un atout. On croit à l’histoire proposée, aux personnages, à leurs réactions, à leurs souffrances. Ce centre pour ados semble si vivant à l’écran, on a l’impression d’être en immersion dans cette enrichissante expérience humaine même si derrière il y a des difficultés émotionnelles pour les êtres qui y sont impliqués. On se sent proche des personnages tout simplement même si on ne connait pas ce milieu. Grace, qui illumine ce film, malgré toutes ses souffrances et ses interrogations, est bien le personnage principal mais les seconds rôles parviennent aussi à exister, même les plus petits. Le film évoque des situations sociales difficiles mais n’est pas un drame social. Ce n’est pas la volonté du réalisateur même s’il dépeint derrière une réalité. C’est un beau film d’espoir sur l’humain, plus particulièrement l’enfant ou de l’adolescent qui peut malgré ce qu’il peut traverser de pire (même si ça va forcément le marquer à vie et que ça sera parfois un obstacle pour sa construction) devenir un adulte plein d’avenir et d’espoir.

States of Grace : Photo Brie Larson, John Gallagher Jr.

States of Grace est donc un film émouvant (oui, j’ai pleuré, vous commencez à avoir l’habitude) sachant très bien mêler avec une grande cohérence histoire personnelle et histoire collective. Ce long-métrage est donc très bien écrit, toujours crédible, et bien structuré, notamment par cette idée de boucle (la première et la dernière scène sont similaires que ce soit au niveau du dialogue ou de l’action à venir après ce dialogue) mais également bien mis en scène. Ce n’était pourtant pas évident mais pour un premier long-métrage de fiction, Daniel Destin Cretton s’en sort plus que bien. Il a su éviter les tics très pénibles d’un certain cinéma indépendant américain (et pourtant j’aime et je défends énormément ce cinéma en question mais il faut parfois savoir être honnête. On retrouve dans son travail de nouveau ce mélange de force et de sensibilité. Le montage est également selon moi de qualité, permettant de donner du rythme à ce film déjà énergique rien que par son sujet. States of Grace est évidemment porté par l’excellente Brie Larson, récemment oscarisée pour Room de Lenny Abrahamson cette année mais qui aurait dû selon moi être, au moins, en compétition dans la célèbre cérémonie américaine (d’ailleurs, le film tout court aurait dû concourir). Son interprétation est d’une grande justesse. Il y a chez elle une combinaison incroyable entre la force et la fragilité. Elle est également naturelle mais sans entrer dans les clichés extrêmes d’un certain cinéma indépendant américain actuel (encore une fois). John Gallagher Jr. (une découverte en ce qui me concerne) est également très bon dans ce rôle plus décontracté en apparence cachant évidemment bien son douloureux passé. Les ados sont également tous convaincants, que ce soit Kaitlyn Dever (vous l’avez sûrement vue dans la très bonne série Justified ou dans le naze Girls Only) ou Keith Stanfield (qu’on a pu voir dans Dope produit par Forest Whitaker ou encore dans Straight Outta Compton), tous les ados des ados sombres aux idées suicidaires et ayant des relations toxiques avec des parents monstrueux. On sera également ravi de retrouver Rami Malek, en ce moment connu pour son rôle sombre dans l’excellente série Mr Robot, dans un rôle secondaire sympathique (il incarne un jeune sortant de la fac voulant se faire une expérience) et finalement plus intéressant qu’il en a l’air dans le sens où il représente le regard du spectateur qui ne connait pas encore ce milieu et qui apprend et observe petit à petit. Finalement, à l’image des protagonistes, le spectateur ressort de ce grand petit film grandi.

short

Drop Dead Fred

réalisé par Ate de Jong

avec Rik Mayall, Phoebe Cates, Carrie Fisher, Marsha Mason, Tim Matheson, Bridget Fonda, Ashley Peldon, Ron Eldard…

Comédie américaine. 1h43. 1991.

Movie Challenge 2016 : Un film recommandé par quelqu’un

Amandine de Dis-moi média a consacré une rétro à Rik Mayall notamment avec l’article « Hommage à l’artiste généreux et génie comique ».

images

Durant son enfance, Elizabeth avait un ami imaginaire surnommé Drop Dead Fred qu’elle était seule à pouvoir voir et qui l’incitait à commettre des bêtises. Sa mère, exaspérée, lui confisqua la boîte à musique dans laquelle Fred s’était dissimulé. Devenue adulte, Elizabeth perd en une seule journée son argent, sa voiture, son fiancé et son travail. Obligée de retourner vivre chez sa mère avec laquelle elle est en froid, Elizabeth retrouve dans un placard la boîte à musique. La nuit venue, la boîte se met à fonctionner toute seule, et Drop Dead Fred refait son apparition !

drop

Je ne connaissais pas du tout l’existence de ce film jusqu’à ce que ma copine blogueuse Amandine (qui a fait une excellente rétro sur Rik Mayall, je ne peux que vous inviter à la découvrir – sous la fiche de présentation – même si vous ne connaissez pas du tout cet acteur-humoriste) m’en parle et me demande même d’y jeter un oeil. Je ne connaissais pas alors sa mauvaise réputation à sa sortie (Mayall s’en est également pris plein la gueule). Ne rien savoir sur le film m’a certainement aidée à l’apprécier. En tout cas il ne méritait pas un tel cassage. Je ne crie pas au chef-d’oeuvre mais ça m’a surprise d’avoir bien aimé. Pourtant, pour tout vous avouer, les premières minutes ne m’ont pas spécialement rassurée. Je trouvais l’image assez vieillie (et je n’avais pas encore vu certains effets spéciaux) et j’avais peur d’être confrontée à une histoire très niaise, dépassée pour moi (parce que hélas, au cinéma, films pour enfants signifie souvent films pour crétins, comme si les gosses étaient demeurés). Certes Drop Dead Fred a effectivement mal vieilli, notamment visuellement, on ne va pas se mentir. La mise en scène n’est pas non plus ce que j’ai vu de mieux (après j’ai aussi vu pire, je relativise), on évite également pas certains clichés. Sans être pour les remakes, je comprends le projet qui avait été mis en place (avec Russell Brand) pour dépoussiérer même si ça ne s’est pas fait visiblement. C’est aussi clairement un film adressé à un jeune public. Le risque avec ce genre de films est donc de se sentir un peu à l’écart. Cela n’a pas été le cas. Ca m’a fait plaisir de me sentir comme une grande enfant. Le film, qui passe très vite car il est assez bien rythmé, est enfantin mais je ne l’ai pas trouvé pour autant abrutissant, en tout cas cela n’est pas paru chez moi comme quelque chose de négatif, ça fait partie de son concept. En réalité, cela m’a surprise de constater un film plus adulte qu’il en a l’air. Et finalement plus profond qu’il en a l’air. Drop Dead Fred aborde alors le thème de la solitude (c’est-à-dire le fait de se mettre alors avec quelqu’un non pour des raisons sentimentales mais juste pour éviter d’être seule) et dans un autre sens celui de l’émancipation féminine. On est donc bien loin de quelque chose de « crétin » en apparence.

dropi

Je ne connaissais pas du tout Rik Mayall avant les articles d’Amandine. Comme vous le verrez sur son blog, il a fait beaucoup de télé (et les séries en question ont eu du mal à trouver leur place en France, il faut donc savoir chercher !). On aurait pu le voir davantage au cinéma, notamment dans les Harry Potter dans lequel il incarnait Peeves mais hélas ses scènes ont été coupées (ce qui est dommage vu que le personnage est très amusant dans les bouquins, je suis sûre que Mayall collait bien en plus). En tout cas, si vous le ne connaissez pas et que vous souhaitez comme moi mieux connaître le « personnage » (oui parce que, en ce qui le concerne, on peut pratiquement parler de personnage) avant de s’attaquer à ses rôles marquants à la télé, n’hésitez pas alors à regarder le film rien que pour lui. Le bonhomme (hélas plus de ce monde puis 2014) ne méritait pas ces critiques dures à l’époque. Le personnage est certes caricatural rien que par son apparence, Mayall (c’est un peu sa « marque » de fabrique) en joue clairement en grossissant les traits de cet ami imaginaire espiègle. Après, je dirais que ce n’est pas uniquement de la caricature (en tout cas pas son interprétation négative), mais plutôt un esprit cartoonesque qui apparaît dans son interprétation, à l’image de tout le film d’ailleurs (après on y adhère ou non). Mais son interprétation ne peut pas se limiter à ça. Mayall parvient à montrer les différentes facettes du Fred du titre. Finalement, Fred est certes malin, parfois « vache », mais c’est aussi un personnage très attachant voire même étonnamment touchant, notamment en ce qui concerne son lien avec Elizabeth. Enfin, en ce qui concerne l’interprétation de Phoebe Cates (souvenez-vous, madame Kevin Kline dans la ville), j’étais au début sceptique pour tout vous avouer. Il faut dire qu’elle n’est pas nécessairement aidée par son personnage, un peu neuneu (il ne faut pas oublier qu’elle a un côté très gamin même avant de revoir Fred alors qu’elle est censée avoir pratiquement 30 piges). Mais petit à petit, je me suis attachée à elle et la présence de Cates n’y est pas totalement étrangère (même si encore une fois, je ne prétends pas.

dropp

Room

réalisé par Lenny Abrahamson

avec Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, Sean Bridgers, Tom McCamus, William H. Macy, Amanda Brugel, Cas Anvar, Joe Pingue…

Drame canadien, irlandais. 2h. 2015.

sortie française : 9 mars 2016

211080.jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxx

Jack, 5 ans, vit seul avec sa mère, Ma. Elle lui apprend à jouer, à rire et à comprendre le monde qui l’entoure. Un monde qui commence et s’arrête aux murs de leur chambre, où ils sont retenus prisonniers, le seul endroit que Jack ait jamais connu. L’amour de Ma pour Jack la pousse à tout risquer pour offrir à son fils une chance de s’échapper et de découvrir l’extérieur, une aventure à laquelle il n’était pas préparé.

Room : Photo Brie Larson, Jacob Tremblay

Avant d’aller Room (on ne parle pas du merveilleux nanar de Tommy Wiseau, hein), je connaissais un peu le travail du réalisateur irlandais Lenny Abrahamson. Ainsi, je garde un excellent souvenir de l’émouvant Garage (avec l’excellent Pat Shortt) mais j’avais détesté What Richard Did (le sujet était sur le papier intéressant mais quel ennui…). Je n’ai toujours pas eu l’occasion de regarder Frank (avec Michael Fassbender) mais les critiques étaient mitigées me semble-t-il. Du coup, je ne savais pas trop quoi m’attendre malgré les (très) bonnes critiques que j’entends et que je lis depuis déjà quelques mois. Au début, c’est la promo autour des récompenses accumulées par son actrice principale, Brie Larson (encore assez méconnue en France, ce qui est regrettable), qui a fini par décrocher récemment l’Oscar de la meilleure actrice, ainsi que la bouille du jeune Jacob Tremblay qui fait le tour du web en posant avec le tout Hollywood. Puis, c’est en lisant plusieurs articles sur Emma Donoghue (également irlandaise), l’auteure du roman (qui signe également le scénario), qui m’a définitivement convaincue de foncer le voir dans lesquels elle expliquait ce qui l’avait motivée à écrire (et comment elle y a procédé) une histoire autour de l’amour inconditionnel entre une mère et son fils en s’inspirant d’horribles faits divers autour de la séquestration (notamment les affaires Elisabeth Fritzl, Natascha Kampusch, Jaycee Lee Dugard ou encore les trois séquestrées de Cleveland). Sur le papier, le film est glauque et pourtant à l’écran, malgré la difficulté du sujet (on ne peut pas rester insensible à la situation des personnages surtout quand on connait justement ces horribles faits divers), il ne s’agit pas du tout d’une oeuvre larmoyante. Effectivement, c’est vraiment la relation entre la mère et son enfant qui ressort. On comprend rapidement que cette histoire d’enfermement est un moyen métaphorique (la métaphore la plus présente est certainement l’allégorie de la caverne) pour parler d’une relation forte entre ces deux individus, malgré la manière dont le petit Jack a été conçu (même si des membres de la famille de Joy restent encore « rebutés » par cette idée au point de rejeter l’enfant).

Room : Photo Brie Larson, Joan Allen

Il s’agit d’un amour fusionnel dans lequel chacun va pouvoir apporter quelque chose à l’autre, une « force », à l’image de la scène avec les cheveux de Jack donnés à sa maman pour qu’elle puisse se reprendre. Le scénario, qui reprend la même structure narrative du roman (je ne l’ai pas lu mais je me suis renseignée), est assez malin en adoptant le point de vue du petit Jack. Tout d’abord, cela est un bon moyen de rester concentrer sur la réflexion autour de la maternité puis cela permet aussi d’atténuer l’horreur autour, en tout cas d’être plus dans la suggestion. En adoptant un point de vue en particulier, on aurait pu perdre celui de Joy (ou « Ma ») mais finalement, malgré le choix assumé, il y a bien une sorte d’opposition dans la réaction des personnages (jamais présentée lourdement). Je pense surtout à la seconde partie qui montre comment vivent les personnages dans le vrai monde : d’un côté, le petit Jack qui, malgré ses terribles cinq premières années qui le marqueront à vie, reste un être innocent qui a soif d’apprendre et de découvrir le monde, qui parvient aussi à avoir des réactions très matures (la dernière scène est un savant mélange entre cette innocence et la prise de conscience de devoir tourner la page); de l’autre, Joy a une vision plus sombre alors qu’elle est libre en culpabilisant. Le scénario, qui trouve un bon équilibre à partir de sa construction en deux parties (le monde dans la pièce / le monde extérieur) est également très réussi dans le sens où il parvient à mettre en avant la psychologie des personnages en avant de manière crédible et juste. Encore une fois, il n’y a pas de volonté de surajouter de l’émotion, le film est tout simplement bouleversant (personnellement j’avais la gorge nouée à plusieurs reprises) grâce justement à une apparente simplicité. Son sujet est sombre mais son traitement laisse place à des moments de grâce, de la fraîcheur même (Brie Larson a d’ailleurs été choisie car justement le réalisateur souhaitait une fille à la fois banale et drôle pour éviter un effet sur-tragique). Je crois que c’est ce contraste entre une situation immonde et l’innocence et l’éveil de Jack qui crée une véritable émotion.

Room : Photo Brie Larson, Jacob Tremblay

La mise en scène m’a également beaucoup plu. Rappelons que Lenny Abrahamson a été nommé aux Oscars dans la catégorie « meilleur réalisateur ». Lors de l’annonce des nominations, sans avoir vu le film, mais juste par rapport à mes souvenirs sur ses précédents longs-métrages, j’avoue que j’étais sceptique de voir Lenny Abrahamson nommer. Pas que je doutais de son travail pour Room mais pour moi, dans ce qu’il avait fait auparavant, je gardais le souvenir d’un travail assez amateur. Là, finalement j’ai eu droit à une bonne surprise, constatant selon moi de véritables progrès en ce qui concerne la mise en scène. Je trouve que le réalisateur a vraiment su répondre aux questions autour de l’espace grâce à une mise en scène assez ingénieuse, tout en continuant à prendre en compte le point de vue principal de l’enfant. Ainsi, le spectateur se retrouve parfois dans la peau de Jack. Comme je le disais, il y a une sorte d’avant/après « room » qui montre bien comment les personnages vivaient leur vie dans la pièce (devenu un monde à part) et comment cette perception de ce monde était différente de la réalité, encore plus sinistre. Ce n’était pas forcément évident de livrer ce contraste de ressenti mais encore une fois, la mise en scène permet aussi à sa façon de comprendre le comportement et les sentiments des personnages. Enfin, Room bénéficie d’un excellent casting. Brie Larson est vraiment excellente et mérite amplement son Oscar. Elle est toujours très juste et ne cherche pas à tomber à tout prix dans la performance. Il y a une sobriété et un naturel chez elle qui m’a réellement séduite. Son partenaire, le jeune Jacob Tremblay, est également bluffant, une interprétation criante de vérité et qui demande beaucoup de maturité. Je ne comprends absolument pas qu’il n’ait pas été nommé aux Oscars ! Les seconds rôles sont également très bons, que ce soit Joan Allen en grand-mère aimante et reconnaissante, William H. Macy en grand-père qui a davantage plus de mal à encaisser les choses ou encore l’effrayant Sean Bridgers.

Room : Photo Brie Larson, Jacob Tremblay

Jack (2015)

réalisé par Edward Berger

avec Ivo Pietzcker, Georg Arms, Luise Heyer…

Drame allemand. 1h43. 2014.

sortie française : 8 avril 2015 (cinéma) / 7 octobre 2015 (dvd)


 

Jack a été vu dans le cadre de la nouvelle opération de Dvdtrafic de Cinetrafic. Je vous encourage à aller voir quelques liens qui vous donneront quelques idées : ambiance triste / beaucoup de films cultes à découvrir.

Evidemment, un immense merci à Diaphana (voici son site) !

 

Jack

Fonceur, tenace et plein de ressources, Jack, dix ans à peine, est déjà seul responsable de sa famille : son petit frère Manuel, six ans, et leur mère célibataire aimante, mais totalement immature, Sanna, qui travaille la journée et fait la fête la nuit. Mais cet homme de la maison en culottes courtes n’est pas infaillible et un événement va venir bouleverser le quotidien de ce trio. Les services de protection de l’enfance décident alors de retirer la garde des deux garçons à la jeune femme et de placer Jack dans un centre d’hébergement.

Jack : Photo

Jack avait reçu de très bonnes critiques à sa sortie mais face à une forte concurrence, ça avait été très difficile pour moi d’aller le voir et puis pour être honnête, il n’a pas été très bien vendu. Le titre fait vraiment très passe-partout (et rappelle l’affreux film de Francis Ford Coppola) et l’affiche est affreuse au point de rendre ce pauvre môme laid, ce qui n’est pas très sympa et classe de ma part, faut l’avouer. Finalement, cela a été un tort d’avoir raté ce film en salle et j’espère que sa sortie dvd / vod lui sera bénéfique. Certes, sur le papier, on pourrait avoir une impression de déjà-vu : un gamin livré à lui-même dans une grande ville à cause de sa mère incapable de l’élever. On pourra penser à un tas de films, notamment à l’excellent Nobody Knows de Hirokazu Kore-Eda. Ceci dit, malgré des thèmes pas forcément nouveaux, Edward Berger, principalement issu du monde de la télévision, parvient à faire quelque chose de réellement intéressant et à donner sa propre vision (à partir d’un témoignage d’une de ses connaissances) autour de l’irresponsabilité parentale, de la solitude dans les grandes villes, des enfants qui n’arrivent pas à rester des enfants. L’histoire se base alors à partir du point de vue du Jack du titre. La caméra ne quitte pas une seule seconde le garçon. Le réalisateur a décidé de nommer Jack car selon lui, cela fait penser aux pionniers américains. Et il faut avouer que le garçon allemand rappelle un petit aventurier américain (notamment dans les quelques scènes auprès de la nature), on pensera aussi volontiers à Tom Sawyer. J’ai en tout cas tout de suite accroché au personnage, merveilleusement bien interprété par Ivo Pietzcker. Il s’agit de son premier rôle au cinéma mais il est impressionnant, si mature, il semble véritablement comprendre toute la complexité de son personnage. Ce qui nous saute aux yeux est de voir son comportement d’adulte, notamment dans la manière de gérer l’appartement et surtout son petit frère Manuel. Je ne vous parlerais évidemment pas de la fin dans laquelle Jack va prendre une véritable décision d’adulte. On comprend rapidement qu’il joue le rôle d’adulte. En réalité, les rôles sont inversés. Sanna, la mère de Jack et Manuel, est aimante mais elle est incapable de s’occuper d’eux. Elle agit comme une adolescente (physiquement, on comprend rapidement qu’elle les a eus très jeune, peut-être même quand elle est encore encore mineure), a totalement oublié ses responsabilités, ramène n’importe quel mec chez elle, se fait même surprendre par son propre fils en plein acte (sans que cela la dérange plus que ça) et on peut même dire qu’elle est totalement égoïste.

Jack : Photo

Ce qui est alors intéressant, au-delà de l’inversement des rôles qui peut montrer à quel point notre société va mal (certes, ce n’est pas un scoop), c’est de voir ici comment Jack redevient parfois un enfant au contact justement de cette mère qui fuit ses responsabilités. C’est alors cette relation avec sa mère qui rend Jack encore plus attachant et plus complexe. Finalement, même s’il y a une dénonciation évidente des dérives de nos sociétés (notamment dans le fait de voir des adultes qui considèrent Jack comme un adulte lorsqu’ils le voient ou veulent le voir !), on n’est pas totalement dans le drame social comme par exemple dans le même cas que le film d’Emmanuelle Bercot La Tête Haute, en tout cas, ce n’est pas totalement comme ça que je perçois ce film (même si j’ai lu beaucoup de critiques qui faisaient le rapprochement avec l’univers des Dardenne). C’est avant tout un drame qui met en scène un enfant face aux obstacles qui le font grandir trop vite (et l’amour qu’il a pour sa mère en fait partie). Pour reformuler, pour vous livrer mon ressenti, je dirais que la critique sociale est un bon moyen pour parler d’un drame plus individuel. Au-delà d’un portrait réussi de Jack emboîté par une critique sociale pertinente, j’ai beaucoup aimé la mise en scène énergique, qui encore une fois ne perd pas une seule fois son personnage principal. Par conséquent, au-delà d’apprécier encore plus Jack (et aussi le petit Manuel), je trouve que cette mise en scène donne davantage de force à l’ensemble du film. De plus, Edward Berger parvient aussi à présenter Berlin comme une ville effrayante, qui ne se préoccupe pas des individus. Puis, comme dans beaucoup de films avec un arrière-fond social, la mise en scène se colle avec ce qu’il y a de plus proche dans la réalité. Je sais que ce n’est pas forcément la tasse de tout le monde, parfois ça me débecte également, mais la précision de la mise en scène tout comme des cadres permet d’avoir un ensemble agréable à regarder. Le scénario est plutôt simple mais (pour reprendre une bonne vieille formule que j’utilise un peu trop sur ce blog) il est efficace. Le seul reproche qu’on pourrait tout de même lui faire est sa seconde partie, un peu moins captivante en étant un peu plus répétitive. Sinon, il s’agit tout de même pour moi d’un bon film qui a le mérite d’être émouvant sans vouloir à tout prix nous faire pleurer. Finalement, comme ce petit Jack, qui reste digne malgré toutes les épreuves qu’il doit traverser.

Jack : Photo

 

Goodnight Mommy

réalisé par Veronika Franz et Severin Fiala

avec Susanne Wuest, Lukas Schwarz, Elias Schwarz…

titre original : Ich seh, Ich seh

Drame, épouvante-horreur autrichien. 1h40. 2014.

sortie française : 13 mai 2015 (cinéma) / 9 octobre 2015 (dvd)

interdit aux moins de 12 ans


 

Goodnight mommy a été vu dans le cadre de la nouvelle opération de Dvdtrafic de Cinetrafic. Je vous encourage à aller voir quelques liens qui vous donneront quelques idées : les tout meilleurs films / horreur-épouvante.

Evidemment, un immense merci à KMBO éditions (vous pouvez également aller sur leur page facebook) !

Goodnight Mommy

En plein été, dans une maison de campagne perdue au milieu des champs de maïs et des bois, des jumeaux de dix ans attendent le retour de leur mère. Lorsqu’elle revient à la maison, le visage entièrement bandé suite à une opération de chirurgie esthétique, les enfants mettent en doute son identité…

Goodnight Mommy : Photo Elias Schwarz, Lukas Schwarz

Goodnight Mommy, récompensé par deux prix au dernier festival de Gérardmer, a pour moi un véritable potentiel mais je n’ai pas été totalement convaincue. Il est difficile de parler de ce film riche en révélations, je ne veux rien spoiler mais je vais faire en sorte que cette critique soit accessible à la fois pour ceux qui ne l’ont pas encore vu (et qui aimeraient éventuellement le découvrir) et pour ceux qui l’ont déjà regardé (je vous donne une mission : lire entre les lignes). J’ai lu dans certains commentaires sur Allocine que le « twist » était devinable dès les cinq premières minutes du film. Effectivement, sur le papier, c’est le cas dans le sens où il y a tout de même des indices assez tôt. Pour ma part, je dois avouer que la première demi-heure m’a réellement plu, du coup j’ai vraiment compris le « truc » juste après (du genre j’ai eu une pseudo illumination). D’un côté, et c’est ce qui expliquerait en partie ma déception, je trouve que le film se repose un peu trop sur ce « twist » et de l’autre côté, je me demande si on peut vraiment parler de « twist » justement, si ce n’est pas volontaire qu’on connaisse assez rapidement la réelle situation. En me posant cette question, même si encore une fois je n’ai pas tout aimé dans ce film, j’ai tout de même revu mon opinion sur ce film, j’ai réussi à voir des qualités qui m’avaient échappé. Le titre international, Goodnight Mommy, est pas mal du tout (pour une fois) mais son titre original est réellement plus significatif. En effet, Ich seh, Ich seh peut se traduire par Je vois, je vois. La répétition de « Je vois » et le fait de mettre en scène des jumeaux prouveraient pour moi qu’il y a deux points de vue exposés dans le film, c’est-à-dire que tout serait une question de perception. L’histoire de la mère qui revient le visage bandé suite à une opération esthétique permet pour moi d’appuyer ce propos sur l’apparence et la perception. Il est par ailleurs intéressant de savoir comment les réalisateurs ont eu l’idée de ce film : ils avaient regardé une émission de télé-réalité dans laquelle des enfants (assez perplexes) découvraient le nouveau physique de leur mère suite à une opération chirurgical. Au passage, je pense aussi à la scène avec les jumeaux qui portent un masque assez effrayant : là encore, impossible d’échapper à cette réflexion autour de l’apparence et de la perception. Le « twist » joue également beaucoup avec les thèmes de l’apparence et de la perception. Est-ce que ce que je vois correspond réellement à la réalité ? Encore une fois, en prenant le soin de ne pas trop en dire, rien qu’à partir de ces premiers éléments, on s’aperçoit qu’il s’agit finalement plus d’un drame psychologique que d’un réel film d’épouvante-horreur.

Goodnight Mommy : Photo Elias Schwarz, Lukas Schwarz

Cependant, dans sa dernière demi-heure, le long-métrage commence un peu à tomber dans le sang et tout ça. Même si dans cette horreur cette fois-ci concrètement représentée il y a vraiment des choses bien réfléchies par rapport à la situation, je trouve que la dernière demi-heure s’étire vraiment trop et n’arrive pas toujours très bien à rebondir sur les réflexions mises en place depuis le début du film. De plus, durant cette fameuse dernière demi-heure, je dois avouer que je me suis tout de même pas mal ennuyée. Je n’étais pas autant captivée que durant la première partie du film, durant laquelle j’étais vraiment prise par l’ambiance, au point de ne pas voir tout de suite les fameuses révélations pourtant si évidentes. C’est vraiment dommage de perdre toute cette intensité, présente pourtant dès le début du film. En effet, malgré mon avis assez mitigé (même si je suis persuadée que certains d’entre vous pourront réellement aimer ce long-métrage), il faut avouer qu’il y a plusieurs types de reconstitution assez bien foutus. En effet, la maison fait penser à un hôpital ou à une clinique ou encore il y a de nombreuses allusions aux contes et nous savons tous à quel point les contes pour enfants sont cruels. Il y a aussi beaucoup de silence, ce qui contribue de nouveau à cette atmosphère pesante et malsaine. Pour conclure, je dirais qu’il y a de nombreuses choses intéressantes dans ce film. La mise en scène, soignée et précise, est importante car à elle seule donne beaucoup d’indices sur l’intrigue. Les thèmes exploités sont assez riches et dans l’ensemble le traitement est bon. Je dirais justement que le scénario est vraiment pas mal, il y a réellement des choses intéressantes mais je ne trouve pas qu’il tienne sur toute la longueur même s’il y a encore une fois des choix logiques. Du coup, certains choix pris se ressentent notamment sur le rythme. J’aurais aimé ressortir cette intensité mise en place de A à Z. Je dirais aussi que je n’ai en fait pas adhéré à cette violence physique représentée alors que le film fonctionnait finalement bien jusqu’à présent sans ça. Je tiens également à souligner les interprétations formidables de Susanne Wuest (la mère) ainsi que de Lukas et Elias Schwarz (oui, leurs personnages portent leurs prénoms) qui parviennent à rendre leurs personnages à la fois troublants, flippants et vulnérables.

Goodnight Mommy : Photo

 

Vice Versa

réalisé par Pete Docter et Ronaldo Del Carmen

avec les voix originales de Amy Poehler, Phyllis Smith, Bill Hader, Mindy Kaling, Lewis Black, Kaitlyn Dias, Diane Lane, Kyle MacLachlan, Richard Kind, Sherry Lynn, Frank Oz…

avec les voix françaises de Charlotte Le Bon, Marilou Berry, Pierre Niney, Gilles Lellouche, Mélanie Laurent, Clara Poincaré, Didier Gustin…

titre original : Inside Out

Film d’animation américain. 1h34. 2015.

sortie française : 17 juin 2015

Vice Versa

Au Quartier Général, le centre de contrôle situé dans la tête de la petite Riley, 11 ans, cinq Émotions sont au travail. À leur tête, Joie, débordante d’optimisme et de bonne humeur, veille à ce que Riley soit heureuse. Peur se charge de la sécurité,  Colère s’assure que la justice règne, et Dégoût empêche Riley de se faire empoisonner la vie – au sens propre comme au figuré. Quant à Tristesse, elle n’est pas très sûre de son rôle. Les autres non plus, d’ailleurs… Lorsque la famille de Riley emménage dans une grande ville, avec tout ce que cela peut avoir d’effrayant, les Émotions ont fort à faire pour guider la jeune fille durant cette difficile transition. Mais quand Joie et Tristesse se perdent accidentellement dans les recoins les plus éloignés de l’esprit de Riley, emportant avec elles certains souvenirs essentiels, Peur, Colère et Dégoût sont bien obligés de prendre le relais. Joie et Tristesse vont devoir s’aventurer dans des endroits très inhabituels comme la Mémoire à long terme, le Pays de l’Imagination, la Pensée Abstraite, ou la Production des Rêves, pour tenter de retrouver le chemin du Quartier Général afin que Riley puisse passer ce cap et avancer dans la vie…

Vice Versa : Photo

Chaque nouveau Pixar est pour moi un véritable événement : depuis de nombreuses années, le studio a prouvé à quel point il pouvait être créatif et réunir un public très large. C’est pour cela que j’étais très curieuse de découvrir leur dernier film, Vice Versa, présenté au festival de Cannes en mai dernier. Il faut dire que le sujet, très original, avait de quoi m’attirer : que se passe-t-il à l’intérieur de notre cerveau ? Ainsi, les personnages principaux sont des émotions, ce qui est très différent de ce qu’on nous propose d’habitude. J’étais également impatiente de découvrir le court-métrage Lava (de James Ford Murphy), projeté avant Vice Versa (une tradition chez Pixar). D’habitude, j’aime beaucoup les courts-métrages de Pixar mais sans en faire une critique détaillée (je veux surtout parler de Vice Versa), j’ai été très déçue par Lava et j’aurais limite préféré ne pas le voir. Personnellement, j’ai trouvé ce court film très saoulant, niais voire même ridicule. Déjà ma séance a mal commencé, cela ne m’a pas aidée à apprécier pleinement Vice Versa. Dans l’ensemble j’ai bien aimé ce très attendu long-métrage, toujours aussi ambitieux et original. Il y a quelques longueurs vers la fin, mais dans l’ensemble le film est plutôt bien rythmé. En ce qui concerne le travail d’animation, j’ai évidemment été convaincue. La représentation même des émotions a quelque chose de très ludique, à l’image du propos du film. La « reproduction » du monde qui serait à l’intérieur de notre cerveau (et qui ressemble à un énorme parc d’attraction) m’a également pas mal séduite, je trouve qu’on voit bien comment notre système cérébral est paradoxalement « bordélique », avec des idées qui se bousculent sans cesse, et en même temps un lieu cohérent, dans lequel ces idées parviennent aussi à être classées. J’ai également aimé les quelques séquences consacrées aux émotions des autres personnages, elles sont vraiment hilarantes ! Le vrai « plus » de ce Vice Versa est pour moi le personnage de Tristesse. Grâce à elle, le film n’est pas manichéen, les émotions peuvent au contraire se compléter, et cela montre tout simplement la complexité de l’humain. Il n’y a pas forcément une hiérarchie dans les émotions, chacune a sa place au sein de l’individu. C’est aussi cette complémentarité entre les émotions qui fait naître chez l’individu ses plus beaux souvenirs. De plus, contrairement à son nom, Tristesse est vraiment un personnage drôle ! Les personnages sont d’ailleurs très attachants (même si je trouve Peur, Dégoût et Colère un peu trop délaissés) alors que cela pourrait paraître déconcertant d’avoir de l’empathie pour des idées abstraites.

Vice Versa : Photo

Je n’ai pas vu le film en VO mais j’ai beaucoup aimé la VF, le doublage français donne vraiment de la vie à ces drôles de personnages. Je reconnais que la voix de Charlotte Le Bon est parfois un peu saoulante mais je ne critique pas totalement ce choix car je trouve qu’elle correspond bien au personnage. Sinon j’ai vraiment aimé les autres doublages, surtout celui de Marilou Berry (Tristesse). Voilà, j’ai bien aimé mais je nuance justement. Bien aimé, pas adoré, contrairement à mes confrères blogueurs et à la presse. Le film est certes assez touchant, notamment à travers cette métaphore de la fin de l’enfance (via le personnage de Bing Bong) ou encore les difficultés que l’enfant voire même l’adolescent s’apprête à passer. Mais je dois vous avouer que je n’ai pas été bouleversée, contrairement à d’autres Pixar (comme Là-Haut ou Toy Story 3, là j’avais versé toutes les larmes de mon corps !) ou par exemple comme le dernier Disney Les Nouveaux Héros, je m’attendais à quelque chose de plus renversant. Puis, d’habitude, ce que j’aime dans les films de Pixar, c’est la double-lecture, c’est d’ailleurs pour cette raison que ce studio est autant populaire puisque leurs oeuvres s’adressent en général autant aux adultes qu’aux enfants. Or, j’avoue que je ne savais pas trop où me situer. Je ne peux évidemment pas retourner dans le passé, on ne pourra jamais connaître mon avis en tant qu’enfant mais j’ai tout de même trouvé le film pas toujours accessible pour des enfants. Peut-être que je dis ça parce que j’étais une gamine un peu simplette et que je captais rien. Cependant, en tant que jeune adulte (un poil ado attardée, mais passons), je ne me suis pas non plus totalement retrouvée. En fait, malgré ce que je viens de dire, j’ai trouvé les théories sur le fonctionnement du cerveau parfois très simplistes. Evidemment, en ce qui concerne certains points, comme je l’ai expliqué tout à l’heure, le film est évidemment bien foutu, ludique, simplifié. Ceci dit, d’autres points m’ont rendu sceptique. J’ai conscience qu’il ne s’agit pas d’une thèse en psychologie et je ne suis d’ailleurs pas psychologue (je n’ai pas la prétention de l’être), même si ce domaine m’intéresse.

Vice Versa : Photo

En fait, ce qui m’a principalement gênée, c’est qu’on a quand même l’impression que les émotions remplacent la raison et que Riley est comme un pantin uniquement guidée par ses émotions. J’imagine qu’il y a une part de métaphore mais quand je lis les critiques qui louent le travail de recherche de Pixar et que ce même studio se vante dans ses interviews « ouiii, on a lu des tas de bouquins sur le fonctionnement du cerveau », j’avoue que je suis restée un peu bête en regardant le film, et je ne dis pas ça pour chipoter. De plus, même si métaphoriquement elles sont quand même très réussies, les scènes autour des souvenirs restent un peu trop approximatives en ce qui concerne le rôle du souvenir et je ne pense pas qu’il faut être un spécialiste dans ce domaine. De plus, même si je n’ai rien contre elle en particulier, qu’on arrive à être touché par ce personnage, je n’ai pas trouvé Riley très attachant et pas uniquement parce qu’elle est en train de devenir une adolescente. Je trouve qu’elle se fait trop manger par les personnages des émotions et qu’elle a du mal à trouver sa place au coeur du scénario. Or, par exemple, un personnage secondaire comme Boo dans Monstres et Cie arrivait quand même à être extrêmement attachant. En parlant de Riley, quelques petits reproches également. Certes, je comprends que le scénario a voulu travailler sur la transition entre deux périodes de l’individu, plus généralement ce qu’on appelle de manière très bateau le passage à l’âge adulte (même si Riley est très loin d’en être une). Or, j’ai quand même eu l’impression que Pixar n’a pas voulu trop prendre de risques (alors qu’il en prend un énorme rien qu’à travers son sujet) en ne prenant pas comme personnage une adolescente mais plutôt en réalité une pré-adolescente, ce qui n’est quand même pas exactement la même chose. Du coup, malgré la violence démontrée à travers les nombreux changements que Riley doit subir, il y a malgré tout quelque chose de lisse, ce qui peut de nouveau étonner de la part de Pixar. Surtout, même si je peux de nouveau comprendre la démarche (c’est-à-dire marquer le changement brutal au sein de la vie de Riley), même s’il y a quelques moments de tristesse (comme nous le montre la fin, lorsqu’on comprend la combinaison indispensable entre les différentes émotions), l’enfance de Riley paraît quand même très lisse ! Pour conclure, j’ai parfaitement conscience que ma critique pourra paraître très sévère. Je dis juste que l’ensemble reste plaisant, frais, ludique, original, drôle, touchant et tout ce qu’on veut, Pixar propose effectivement un bon film, en tout cas j’ai quand même bien aimé mais qui est pour moi loin d’être parfait et surtout pas aussi émouvant que je l’espérais (car je pense que j’aurais pu faire oublier certains points si le film m’avait davantage émue, j’en suis persuadée).

Vice Versa : Photo

Polisse

réalisé par Maïwenn

avec Karin Viard, Joey Starr, Marina Foïs, Nicolas Duvauchelle, Maïwenn, Karole Rocher, Jérémie Elkaïm, Emmanuelle Bercot, Frédéric Pierrot, Naidra Ayadi, Arnaud Henriet, Riccardo Scamarcio, Sandrine Kiberlain, Wladimir Yordanoff, Louis-Do de Lencquesaing, Alice de Lencquesaing, Audrey Lamy, Malonn Lévana, Lou Doillon, Carole Franck, Sophie Cattani, Anthony Delon…

Drame français. 2h. 2011.

sortie française : 19 octobre 2011

Polisse

Le quotidien des policiers de la BPM (Brigade de Protection des Mineurs) ce sont les gardes à vue de pédophiles, les arrestations de pickpockets mineurs mais aussi la pause déjeuner où l’on se raconte ses problèmes de couple ; ce sont les auditions de parents maltraitants, les dépositions des enfants, les dérives de la sexualité chez les adolescents, mais aussi la solidarité entre collègues et les fous rires incontrôlables dans les moments les plus impensables ; c’est savoir que le pire existe, et tenter de faire avec… Comment ces policiers parviennent-ils à trouver l’équilibre entre leurs vies privées et la réalité à laquelle ils sont confrontés, tous les jours ? Fred, l’écorché du groupe, aura du mal à supporter le regard de Melissa, mandatée par le ministère de l’intérieur pour réaliser un livre de photos sur cette brigade.

Polisse : photo Karin Viard, Maïwenn

Avant de réaliser Polisse, l’actrice Maïwenn était déjà passée deux fois derrière la caméra, avec Pardonnez-moi et Le bal des actrices. Je n’ai pas eu l’occasion de voir les films que je viens de citer mais Maïwenn a eu raison de persévérer en tant que réalisatrice. Il faut tout d’abord rappeler que le film a séduit le jury du festival de Cannes (présidé cette année-là par Robert De Niro) en remportant le prix du jury. Il avait également récolté dix nominations aux Césars (et en avait remporté deux : meilleur espoir féminin pour Naidra Ayadi et meilleur montage). Puis plus de deux millions de spectateurs se sont déplacés dans les salles malgré un sujet pas destiné pour le grand public. Le public était de nouveau présent lorsque la chaîne l’a diffusé dimanche dernier, réunissant ainsi 2 655 000 téléspectateurs (soit 10, 1% de PDA). Je comprends totalement son succès puisque le film m’a également énormément plu. Certes, il n’est pas parfait, il a ses maladresses. Par exemple, le personnage de Maïwenn, Mélissa la photographe, ne sert pas à grand chose et vu comme le film nous présente directement en immersion, je ne pense pas que le film avait besoin d’une personne extérieure de la Brigade de Protection des Mineurs. Cependant, même si cela me paraissait nécessaire de relever ce défaut, il ne m’a pas non plus gâché le film, qui reste pour moi une belle réussite. Attention, dans la suite de ma critique, je vais révéler des scènes importantes du film, ne lisez pas la suite si vous ne voulez pas connaître ces détails.

Polisse : Photo JoeyStarr, Maïwenn, Nicolas Duvauchelle

Polisse nous présente une multitude de personnages (flics, victimes, coupables) ainsi qu’un grand nombre d’histoires. Tout ce désordre aurait pu être désagréable pourtant Maïwenn a un véritable talent pour filmer ce bordel. Grâce à un style proche du documentaire et à un rythme effréné, le spectateur se retrouve en immersion dans la Brigade de Protection des Mineurs. Ce film coup de poing, bien documenté, montre les difficultés que rencontre ces flics au quotidien. Ils sont éprouvés psychologiquement (à force d’écouter des récits épouvantables au quotidien, leur vie privée en prend aussi un coup) et doivent se confronter à leur hiérarchie qui leur donne trop peu de moyens pour faire leur travail dans les meilleures conditions possibles. On peut comprendre ce que peuvent ressentir les membres de cette brigade car les récits (dont beaucoup sont tristement vrais) font froids dans le dos : une mère qui, en plus de secouer violemment son enfant pour le calmer, le « branle » et lui fait même des fellations pour qu’il s’endorme sans se rendre compte de la gravité de ses actes, le père qui viole sa fille mais qui se croit protégé à cause de ses relations, la gamine qui s’expose nue sur Internet ou une autre qui taille des pipes juste pour récupérer un portable…  Quant à la scène avec le petit abandonné par sa mère, elle est particulièrement émouvante et criante de vérité, j’en ai même tremblé.

Polisse : Photo Arnaud Henriet, Jérémie Elkaïm, JoeyStarr, Maïwenn, Naidra Ayadi

Les personnages les plus mis en avant sont Nadine (Karine Viard), Iris (Marina Foïs) et Fred (Joey Starr), cependant les autres rôles, même les plus petits, parviennent à trouver leur place, on devine même une partie de leur histoire. C’est pour cela qu’on arrive à s’attacher à la plupart des policiers présentés à l’écran. Iris est pour moi le personnage le plus intéressant car son histoire est la percutante. Selon mon interprétation (je préfère être prudente même si je ne pense pas me tromper), elle serait une ancienne enfant violée. En effet, elle semble rejeter les hommes, n’arrive pas à tomber enceinte, souffre d’anorexie et ne s’aime pas (la scène où elle donne son propre prénom au bébé mort est assez révélatrice sur sa souffrance). Le parallèle final avec le jeune Solal serait aussi un indice supplémentaire à ce qu’Iris a pu vivre enfant. La métaphore est peut-être très appuyée, pourtant elle fonctionne parfaitement bien. Solal retombe sur ses pieds car il a pu parler de son histoire, même s’il ne se rend pas forcément compte de la gravité des faits. On ne sait pas ce que deviendra ce môme, on a envie de croire qu’il va pouvoir grandir sereinement même si on n’en est jamais sûr. Contrairement à Solal, Iris ne pourra littéralement pas retomber sur ses pieds car elle n’a jamais parlé de ce qui s’est passé et se sent de plus en plus seule (compagnon qui la lâche, copine qui se fâche, promotion qui va l’isoler de ses camarades de travail). Son boulot permet de traquer les criminels mais pourra-t-on réellement panser tous les maux des enfants battus ou violés ? Pour moi, Iris est en quelque sorte une représentation du futur possible de toutes ces petites victimes qu’on a vu à l’écran. Pour finir, le casting est parfait. On retiendra en particulier un Joey Starr surprenant, une Marina Foïs bouleversante et une Karin Viard qui nous livre une de ses meilleures interprétations.

Polisse : photo Maïwenn

Tomboy

réalisé par Céline Sciamma

avec Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Sophie Cattani, Mathieu Demy…

Drame français. 1h22. 2011.

sortie française : 20 avril 2011

Tomboy

Laure a 10 ans. Laure est un garçon manqué. Arrivée dans un nouveau quartier, elle fait croire à Lisa et sa bande qu’elle est un garçon. Action ou vérité ? Action. L’été devient un grand terrain de jeu et Laure devient Michael, un garçon comme les autres… suffisamment différent pour attirer l’attention de Lisa qui en tombe amoureuse. Laure profite de sa nouvelle identité comme si la fin de l’été n’allait jamais révéler son troublant secret.

Tomboy : Photo Jeanne Disson, Zoé Héran

Tomboy est le deuxième long-métrage de Céline Sciamma, ex-élève de la Fémis issue des lettres modernes. Depuis sa sortie, il est au coeur d’une polémique. Récemment, lors sa diffusion sur Arte, Civitas, tristement connue pour être une association catholique intégriste, a protesté contre la chaîne car Tomboy qui « fait du prosélytisme en faveur de l’idéologie du genre » n’aurait « sa place ni à l’école ni à la télévision » (source ici). Mais grâce à cette énième polémique, Arte a tout de même réussi à réunir 1,3 million de téléspectateurs, un très beau score pour la chaîne. J’avais plutôt aimé son précédent film, Naissance de pieuvres, même si je n’avais pas adhéré à certains choix. Je n’ai pas non plus adoré Tomboy (le film ne comporte pas pourtant de défauts particuliers, c’est juste un ressenti personnel) mais pour l’instant il s’agit du meilleur film de la réalisatrice (en même temps, elle n’en a pas fait des tonnes). Son absence de nominations aux Césars est tout simplement une honte. Le film joue beaucoup sur la simplicité, que ce soit dans les grandes lignes de l’histoire ou encore dans sa mise en scène, et c’est sûrement ce qui en fait sa force. En effet, le scénario ne comporte pas beaucoup de rebondissements (le seul étant « est-ce qu’on va découvrir le secret de Michael/Laure ? »). Cependant, dans un décor très naturel, Céline Sciamma a su filmer à la fois l’émerveillement et la difficulté du passage de l’enfance à l’adolescence. Le sujet est lourd et pourtant le résultat est malgré tout rafraîchissant.

Tomboy : Photo Jeanne Disson, Zoé Héran

Selon moi, le film ne dit pas clairement si Laure est née dans le mauvais corps ou si ce curiosité sexuelle lui passera dans quelques temps : en tout cas, même si j’ai tendance à opter pour la première option, je ne pense pas que Tomboy affirme clairement ce qui se passe dans la tête de cette jeune fille. Le film aurait pu être un peu plus affirmer sa position, je me lance peut-être aussi dans un faux débat mais selon mon interprétation, la réalisatrice n’a peut-être pas cherché à catégoriser Laure. Tomboy suit pour moi quelques jours d’été d’une future adolescente qui se cherche : même si elles le font différemment, toutes les adolescentes passent par cette étape. Le spectateur est capable de deviner le malaise intérieur de la jeune Laure, qui joue sans cesse avec son apparence physique (coupe de cheveux, vêtements, corps pas développé, sexe en pâte à modeler etc…) et qui va finir par s’embourber dans son mensonge, vis-à-vis de sa famille ou encore de son amie Lisa. Pour finir, les interprètes sont tous très bons. Sophie Cattani et Mathieu Demy sont très convaincants dans le rôle des parents du personnage principal, Jeanne Disson s’en sort également très bien dans le rôle de la jeune Lisa. Mais j’ai surtout été impressionnée par Zoé Héran (Laure/Michael), tout simplement bluffante, ainsi que par la petite Malonn Lévana (qui incarne la soeur toute fifille Jeanne) qui surprend par sa spontanéité.

Tomboy : Photo Malonn Lévana, Zoé Héran

Boyhood

réalisé par Richard Linklater

avec Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Lorelei Linklater, Ethan Hawke…

Comédie dramatique américaine. 2h45.

sortie française : 13 juillet 2014

Boyhood

Chaque année, durant 12 ans, le réalisateur Richard Linklater a réuni les mêmes comédiens pour un film unique sur la famille et le temps qui passe. On y suit le jeune Mason de l’âge de six ans jusqu’ à sa majorité, vivant avec sa sœur et sa mère, séparée de son père. Les déménagements, les amis, les rentrées des classes, les premiers émois, les petits riens et les grandes décisions qui rythment sa jeunesse et le préparent à devenir adulte…

Boyhood : Photo Ellar Coltrane, Ethan Hawke

Le jury du festival de Berlin a décidé de récompenser Richard Linklater de l’Ours d’argent du meilleur réalisateur pour Boyhood. On comprend pourquoi même avant d’avoir regardé le film : le tournage a duré douze ans, avec les même acteurs et la même équipe technique. Il s’agit d’une véritable expérience cinématographique. Ainsi, Ellar Coltrane, qui incarne le jeune Mason, avait au début du tournage six ans et à la fin dix-huit ans. Pour être franche, même si le projet m’emballait, j’avais peur de découvrir ce film en salles principalement à cause de sa durée (2h45). Heureusement, dans l’ensemble, Boyhood est plutôt agréable à regarder et on s’aperçoit rapidement qu’il ne s’agit pas seulement d’un projet ambitieux mais bien d’un très beau film sur l’enfance et l’adolescence, la famille et le temps qui passe. Linklater a su capter les moments joyeux ou parfois difficiles d’une partie de l’existence d’un enfant et de sa famille. L’évolution touche puisqu’on la voit vraiment sous nos yeux rien que physiquement : les traits du visage, les voix, le corps, les coupes de cheveux, le style vestimentaire changent. Se dire qu’il s’agit des mêmes interprètes derrière ces changement touche forcément. On se sent vraiment impliqué dans la vie de cette famille. De plus, cette évolution ne concerne pas seulement cette famille, mais aussi l’époque qui l’entoure : ainsi, on passe de Bush à Obama, de Britney Spears à Lady Gaga, les jeux vidéos changent également au fil du long-métrage ou encore la présence de Harry Potter.

Boyhood : Photo Ellar Coltrane, Lorelei Linklater

Boyhood aurait pu être un chef-d’oeuvre. Cependant, il a tout de même ces défauts. En effet, alors que les étapes passent plutôt rapidement, ce qui permet au film d’être rythmé (du coup on oublie la durée), la dernière partie, qui se concentre sur les dernières années de lycée, est un peu trop longue. On a l’impression que Linklater a du mal à se séparer de ses personnages et qu’il commence à être fatigué par l’ampleur du projet. Contrairement aux deux premières heures, dans cette dernière partie, le film a également du mal à échapper aux clichés et perd sa subtilité (par exemple : le discours final de Patricia Arquette sur la mort, assez inutile). A force de tirer en longueur, la fin déçoit alors que Linklater avait de quoi terminer sur un magnifique dernier plan. Le casting est à la hauteur car on croit vraiment à cette famille. Ellar Coltrane est remarquable dans le rôle de Mason, ce gamin qui grandit et passe les différentes étapes de sa jeune existence. Lorelei Linklater (la fille du réalisateur) est également très à l’aise et a beaucoup de potentiel. Patricia Arquette est bouleversante dans le rôle de la mère forte qui se relève à chaque difficulté. Ethan Hawke illumine chaque scène avec son jeu si spontané. Malgré ses quelques défauts, Boyhood doit être vu car il s’agit tout de même d’une merveille, à la fois drôle et émouvante qui nous parlera forcément un peu.

Boyhood : Photo Ellar Coltrane, Ethan Hawke, Patricia Arquette