The Square

réalisé par Ruben Östlund

avec Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary…

Comédie suédoise. 2h22. 2017.

sortie française : 18 octobre 2017

Christian est un père divorcé qui aime consacrer du temps à ses deux enfants. Conservateur apprécié d’un musée d’art contemporain, il fait aussi partie de ces gens qui roulent en voiture électrique et soutiennent les grandes causes humanitaires. Il prépare sa prochaine exposition, intitulée « The Square », autour d’une installation incitant les visiteurs à l’altruisme et leur rappelant leur devoir à l’égard de leurs prochains. Mais il est parfois difficile de vivre en accord avec ses valeurs : quand Christian se fait voler son téléphone portable, sa réaction ne l’honore guère… Au même moment, l’agence de communication du musée lance une campagne surprenante pour The Square : l’accueil est totalement inattendu et plonge Christian dans une crise existentielle.

The Square : Photo Claes Bang

J’ai suivi le dernier festival de Cannes uniquement sur les réseaux sociaux (promis, un jour j’y serai en chair et en os !). The Square semblait être une Palme surprise (je ne reprends que des intitulés de presse et autres) : le film suédois n’apparaissait pas réellement (ou en tout cas très rarement) dans les pronostics, et encore moins pour obtenir la Palme (la plupart jurait sur le magnifique 120 Battements par minute de Robin Campillo). Je suis donc allée le voir pour deux raisons : la première, comme vous l’avez deviné, est pour sa Palme (je suis forcément curieuse : je veux savoir, comme pratiquement tous les ans, si le jury a fait le bon choix ou au contraire s’il est complètement à côté de la plaque). La seconde est pour son réalisateur Ruben Östlund. Je n’avais vu qu’un seul de ses films avant de découvrir cette Palme : Snow Therapy (connu aussi pour son titre international « à la française » Force Majeure), qui avait été nommé aux Golden Globes. Ce film (que j’aimerais revoir) m’avait intriguée : je n’étais pas rentrée totalement dans l’histoire mais je ne pouvais pas nier ses qualités ni globalement cette proposition cinématographique. J’appréhendais de voir The Square vu ma petite expérience avec ce réalisateur mais finalement le choix du jury de Pedro Almodovar est très audacieux, loin des résultats attendus : les comédies sont rarement récompensées (notamment pour la Palme), surtout à Cannes. En réalité, selon moi, cette Palme n’est pas si surprenante que ça même si elle sort des conventions. Elle n’est pas surprenante parce que ce film est tout simplement bourré de qualités et qu’on ressort de la séance retourné. Je ne vais pas tourner autour du pot pendant 150 ans : The Square est, de loin, mon film préféré de 2017 (et pourtant, et vous le verrez en fin décembre pour le bilan annuel, j’ai eu de véritables coups de coeur pour d’autres films). Je comprends mieux pourquoi certains ont râlé face au palmarès cannois : ce film ne plaira clairement pas à tout le monde. On me dira que c’est le cas pour tous les films (ce qui est vrai) mais pour The Square, cette remarque aussi banale que bateau est pourtant réellement juste. Mais justement, le jury d’Almodovar n’a pas cédé à la facilité de l’émotion et c’est tellement rare que cela mérite d’être souligné. En terme de comédie, on n’a pas nécessairement l’habitude de voir certains mécanismes utilisés par Östlund dont on sent à chaque scène et même chaque plan l’exigence et surtout la signification ou le but en terme de sensations pour le spectateur.

The Square : Photo Dominic West, Terry Notary

On retrouve alors le côté froid de Snow Therapy, avec ses plans fixes qui accentuent chaque situation qui peut provoquer le malaise. Ce malaise est parfois terrifiant (la scène avec l’homme-singe m’a juste époustouflée – la performance hallucinante de Terry Notary, pourtant brève, n’y est pas étrangère) mais il est aussi à l’origine de nombreuses scènes hilarantes. La scène post-coït avec l’actrice de l’année Elisabeth Moss (remarquable dans les quelques scènes dans laquelle elle intervient) tenant à jeter elle-même le préservatif de son partenaire ou encore sa dispute dans le musée avec Christian avec, en arrière-fond, une des gardiennes qui y jette un coup d’oeil pour ne citer que celles-ci en sont de parfaits exemples. Le malaise n’apparaît pas uniquement dans la longueur des scènes fixes. Le discours social est certainement aussi ce qui peut déranger. Pour avoir assisté à quelques expositions d’art contemporain, les scènes présentant les différentes performances artistiques, les expositions très étranges ou encore plus même le concept même de The Square sont à peine exagérées : on est loin de la comédie bête se moquant grossièrement de ce milieu-là si facile à critiquer. Dire que The Square est une grosse critique de l’art contemporain ne serait pas totalement exact. Il se moque selon moi de certaines dérives de l’art contemporain, celle qui sait faire du buzz sans se préoccuper de ce qui se passe réellement dans le monde, celle qui prône des valeurs alors que ceux qui gèrent ces expositions ne les appliquent pas dans leur quotidien. Il n’y a pas de mépris pour l’art et en particulier pour l’art contemporain, il s’agit plus d’une critique de la bourgeoisie méprisante et ignorante via l’art contemporain qui reflète leurs propres bêtises. The Square, c’est quoi justement dans l’histoire ? Il s’agit d’un carré incitant à la bienveillance et la tolérance avec son prochain. Bref un joli concept ne reflétant pas du tout la réelle personnalité de Christian, préparant cette exposition. L’acteur danois Claes Bang est excellent dans le rôle de ce beau bourgeois intello quadragénaire lâche et contradictoire par rapport à ce qu’il prétend être et défendre en public. The Square livre plusieurs critiques qui s’emboîtent bien. On pourrait même être plus juste : le monde de l’art, évidemment pas épargné, permet de souligner un regard extrêmement sombre et pessimiste sur notre société, égoïste, irrespectueuse, qui communique avec les autres pour de mauvaises raisons. La mise en abyme fonctionne merveilleusement bien, le spectateur lui-même pouvant voir The Square comme une exposition géniale de 2h30 sur toutes les bêtises présentes dans notre société. 

The Square : Photo

Et quand Christian commence à prendre conscience de certaines fautes qu’il a pu commettre, il sera trop tard, ses actes ayant des conséquences. Ce point, justement, est l’autre qualité de ce scénario extrêmement riche et réfléchi, avec un effet d’entonnoir au fur et à mesure des scènes. Le scénario part sur un incident a priori anodin : Christian se fait voler son portefeuille et son téléphone par des pickpockets particulièrement rusés et organisés. Sauf qu’il ne va pas en rester là. Alors que toute personne sensée serait simplement allée voir la police, grâce à un de ses sous-fifres, Christian va tout faire pour retrouver ses affaires. Bref, entre cette petite histoire de vol, l’exposition et toutes les emmerdes qui vont suivre, Christian n’est pas au bout de ses peines. L’art devrait ouvrir l’esprit et nous sortir de nos préjugés. Pourtant, c‘est tout ce long déroulé des événements, avec toutes les conséquences qui vont sans cesse suivre et s’emboîter, qui va confronter le protagoniste à s’ouvrir au monde, à s’intéresser aux gens qui n’appartiennent pas à sa classe sociale. Le scénario est tout particulièrement élaboré dans lequel chaque scène porte une signification sur le discours général du film. Le réalisateur dissèque alors avec une rare pertinence les travers de la société, tout comme il livre un regard acide sur l’individu face à son animalité : finalement, on en revient toujours à Snow Therapy (je ne connais pas non plus encore bien la filmographie du réalisateur, mais en établissant quelques connexions entre ce film et The Square, on relève les thèmes qui fascinent Ruben Östlund). Nous relevons une réflexion pertinente sur la confiance perdue au coeur de nos sociétés occidentales : Christian ne fait pas confiance à des classes sociales différentes de  la sienne (l’incident avec les pickpockets en est un exemple). Les gens, qui ne s’intéressent pas forcément aux oeuvres d’art pour de bonnes raisons (coucou les pique-assiettes) ne peuvent plus avoir confiance en une oeuvre d’art pour des erreurs de communication. La mise en scène, dans le contrôle à la Haneke, est impeccable. A partir de plusieurs procédés (caméra fixe, hors-champ, happening), Ruben Östlund provoque sans cesse un malaise grinçant qui bouscule à la fois les personnages et les spectateurs. The Square est un long-métrage d’une terrible exigence sur l’art reflétant les travers de notre société absurde et égoïste, parvenant à trouver son équilibre entre la fiction, l’essai philosophique, la satire sociale et la comédie. 

 

The Square : Photo Claes Bang

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Top of the Lake (saison 1)

Créée par Jane Campion et Gerard Lee

avec Elisabeth Moss, Peter Mullan, David Wenham, Thomas M. Wright, Holly Hunter, Jacqueline Joe, Robyn Nevin, Lucy Lawless…

Série dramatique néo-zélandaise,australienne, américaine, britannique. 2013. 

Tui, une jeune fille âgée de 12 ans et enceinte de 5 mois, disparaît après avoir été retrouvée dans les eaux gelées d’un lac du coin. Chargée de l’enquête, la détective Robin Griffin se heurte très rapidement à Matt Mitcham, le père de la jeune disparue qui se trouve être aussi un baron de la drogue mais aussi à G.J., une gourou agissant dans un camp pour femmes. Très délicate, l’affaire finit par avoir des incidences personnelles sur Robin Griffin, testant sans cesse ses limites et ses émotions…

Photo David Wenham, Elisabeth Moss

Steven Spielberg, Martin Scorsese, David Fincher… Depuis quelques années, les grands noms du cinéma s’essaient aux séries télévisées. La réalisatrice néo-zélandaise Jane Campion, unique femme à avoir remporté la Palme d’or (pour La leçon de piano), a rejoint cette liste qui s’agrandit petit à petit pour co-créer sa propre série, avec un certain Gerard Lee (scénariste de Sweetie, premier long-métrage de Campion). La presse et même les spectateurs semblent avoir adoré cette série. Sans être une fan absolue de Campion (j’ai bien aimé Un ange à ma table mais je n’ai pas trop aimé La leçon de piano, ni Holy Smoke), j’étais tout de même curieuse de voir ce que cela pouvait donner, surtout que cette saison est courte (six épisodes sur Arte, sept sur Sundance Channel), ce qui est un avantage pour découvrir en peu de temps une série. Hélas, pour moi Top of the Lake est une très mauvaise série, et finalement c’est peut-être une des pires que j’ai pu voir. Je ne comprends pas absolument pas cet enthousiasme général, j’ai l’impression de ne pas avoir regardé la même chose. Je ne vise personne, bien sûr que vous avez le droit d’aimer Top of the Lake, mais j’ai quand même ce sentiment de voir cette série encensée uniquement parce que c’est Jane Campion qui en est à l’origine. Mon jugement peut paraître sévère mais j’estime que le but premier d’une série est de donner envie aux spectateurs de regarder chaque épisode. Or, Campion se plante en beauté en passant à côté de cet objectif indispensable. J’ai même failli arrêter de regarder cette saison afin la fin. En réalité, ce n’est pas Top of the Lake mais plutôt Au top de l’ennui.

Photo Elisabeth Moss, Jacqueline Joe

Les paysages sont évidemment magnifiques mais si je veux voir de belles images, je regarde National Geographic. C’est déjà difficile pour un film de tenir entièrement sur du contemplatif mais pour une série, cela me semble carrément impossible. Il y a un moment où il faut un scénario. Une série comme Twin Peaks (je cite celle-là car on sent l’influence de Lynch) joue beaucoup sur l’atmosphère et les lieux mais Lynch nous une histoire très complexe et on a envie d’en savoir plus à la fin de chaque épisode. J’hésite alors entre deux options: soit les images sont juste là pour dissimuler une histoire qui n’a strictement rien à dire, soit Campion et Lee sont tellement obsédés par leurs foutues belles images (oui, c’est joli la Nouvelle-Zélande) et une soi-disant ambiance bizarroïde (car j’ai envie de dire quelle ambiance ? Baiser dans une forêt – qu’est-ce que c’est prévisible – j’appelle pas ça de l’ambiance) qu’ils laissent totalement de côté le scénario à mon plus grand regret. Et oui, de beaux paysages, des personnages tordus et consanguins et trois scènes de cul à la noix ne font pas forcément une bonne série. En réalité, je ne comprends même pas l’intérêt des six/sept épisodes. Un film aurait largement suffi ! Sérieusement, était-ce vraiment nécessaire d’avoir tous ces épisodes pour nous dire que c’est mal de violer, surtout des enfants ? L’histoire aurait pu être intéressante (surtout que j’apprécie les histoires individuelles qui se mélangent à une histoire collective) mais elle devient rapidement une perte de temps et on le comprend dès le premier épisode. Or, le peu de scénario présent (visiblement quelques lignes paresseuses) est raté. Les quelques rebondissements ne fonctionnent pas car ils sont prévisibles à trois mille kilomètres (mais on est censé être sur le cul, mon oeil…). De plus, je comprends bien que la série ne tourne pas autour de Tui, cette enfant disparue, mais le scénario la délaisse tellement au profit de l’histoire personnelle de Robin qu’on finit par se foutre royalement de son sort ! Campion tente de se justifier en disant qu’il s’agit d’une série féministe. Elle a une vision du monde très limitée voire même douteuse. En gros, les femmes sont toutes complètement fêlées et dépressives (elles te dégoûtent à elles seules du féminisme), sous prétexte qu’elles sont fragiles (à cause de la vie, des hommes et tout ça) et les hommes ne sont évidemment que des brutes, des violeurs, des pédophiles, des lâches et j’en passe.

Photo Peter Mullan

A l’image de la vision de Campion sur les hommes et les femmes (elle devrait sérieusement réécouter le discours d’Emma Watson pour la campagne HeForShe – ça, c’est du féminisme), ce maigre scénario continue à accumuler des éléments très lourdingues. A force de vouloir créer une communauté étrange et inquiétante, Campion et Lee nous fatiguent sérieusement. Je n’ai rien contre des personnages tordus mais il y en a tellement au bout d’un moment qu’on ne croit même plus à l’univers qu’on nous propose. Surtout, ils n’ont aucune nuance. De plus, les dialogues sont également très mal écrits. J’ai l’impression de voir certains de mes amis sur Facebook qui lâchent des pseudos phrases philosophiques à deux heures du matin ! Enfin, je n’ai même pas pu me raccrocher au casting. Peter Mullan est pour moi au-dessus mais il m’a tout de même déçu. Pourtant, je précise que j’adoooooore ce gars mais je ne l’ai pas trouvé ici très inspiré. Il faut qu’il n’est pas servi par son personnage caricatural. Le reste de la distribution est par contre réellement décevante, à commencer par Elisabeth Moss (Robin Griffin), qui est autant expressive qu’une huître. Je veux bien croire qu’elle joue les jeunes femmes brisées et que son personnage intériorise ses sentiments mais elle ne transmet aucune émotion, même quand elle raconte les pires horreurs vécues durant son adolescence. De plus, je n’ai pas cru une seule seconde qu’elle puisse jouer le rôle d’une flic, Moss manque de charisme et de présence pour jouer un tel rôle (par contre, pour jouer les ados attardées, elle serait parfaite). Je n’ai pas non été plus convaincue que ça par les interprétations de David Wenham (trop plat alors que son rôle est très ambigu) et de Thomas M. Wright (j’avais envie de le frapper à chacune de ses apparitions). Mais la pire reste pour moi Holly Hunter. Pourtant, j’aime bien cette actrice mais là elle est lamentable. Dire qu’elle est caricaturale en gourou (sorte de clone de Jane Campion) serait un euphémisme. Comme vous l’aurez compris, je ne compte pas regarder la saison 2 (annoncée il y a quelques jours).

Photo Jacqueline Joe