13 Reasons Why (saison 1)

Créée par Brian Yorkey

avec Dylan Minnette, Katherine Langford, Christian Navarro, Brandon Flynn, Alisha Boe, Justin Prentice, Miles Heizer, Ross Butler, Devin Druid, Amy Hargreaves, Kate Walsh, Derek Luke, Brian d’Arcy James, Brandon Larracuente, Steven Silver, Sosie Bacon, Josh Hamilton, Ajiona Alexus…

Drame. Saison 1. 2017.

Clay Jensen est un adolescent qui découvre sous son porche au retour du lycée une mystérieuse boîte portant son nom. À l’intérieur, des cassettes enregistrées par Hannah Baker, une camarade de classe qui s’est tragiquement suicidée deux semaines auparavant. Les enregistrements révèlent que la jeune fille, dont il était amoureux, a décidé de mettre fin à ses jours pour treize raisons. Clay est-il l’une de ces raisons ?

Photo Katherine Langford

Impossible d’échapper au phénomène 13 Reasons Why, diffusé sur Netflix et co-produit par la chanteuse Selena Gomez. Malgré un sujet qui m’intéressait (le harcèlement scolaire qui conduit au tragique : le suicide), le fait que cette série devienne aussi populaire (elle a suscité plus de 8 millions de messages sur Twitter) m’a plus rebutée qu’autre chose. J’avais également peur que la série vise un public très adolescent. Cela dit, les critiques de bons blogs ou plus globalement de la presse, pas nécessairement axés sur des goûts dits « adolescents » ou « populaires » (même si je ne dénigre pas du tout ce type de public, loin de là) ont également défendu cette série. Cela a forcément suscité ma curiosité. Autre chose m’a rassurée : l’équipe. En effet, son créateur, Brian Yorkey, est connu pour avoir remporté un prix Pulitzer. De plus, parmi les réalisateurs, nous retrouvons tout de même Gregg Araki (qui a signé le perturbant et inoubliable Mysterious Skin et le surprenant White Bird) ou encore Tom McCarthy (également dans la liste des producteurs), connu pour les fabuleux The Visitor et surtout l’Oscarisé Spotlight. La série est adaptée du roman de Jay Asher, Treize raisons (l’auteur en question a aussi jeté un oeil sur le travail des scénaristes). 13 Reasons Why débute deux semaines après le suicide de Hannah Baker, qui étudiait au lycée Liberty (au nom ironique). Clay était amoureux de la jeune disparue. Il reçoit alors les cassettes enregistrées par Hannah : cette dernière explique alors les fameuses 13 raisons (pratiquement 13 personnes en réalité) qui l’ont poussée à son geste irréversible. Clay met un certain temps à écouter toutes les cassettes (il lui faudra en fait toute la saison !), cela lui est trop difficile de tout emmagasiner en même temps. De l’autre côté, les autres personnes cités dans les cassettes ont déjà tout écouté et foutent la pression à Clay pour que ce dernier ne puisse pas répéter des informations compromettantes. Au-delà du côté pratique narratif (sinon tout aurait été résolu en un seul épisode), ce procédé fonctionnerait presque comme une mise en abyme du vécu de Hannah : une forme de harcèlement semble poursuivre Clay dans sa quête de vérité et de justice.

Photo Dylan Minnette, Katherine Langford

13 Reasons Why traite parfaitement bien ses deux principaux thèmes (les deux étant liés) : le harcèlement et le suicide. Là, on comprend qu’on ne peut pas la cataloguer vulgairement de série pour adolescents même si elle s’adresse aussi à ce jeune public. Ainsi, le harcèlement apparaît clairement comme un cercle infernal : un événement – petit ou gros – en amène nécessairement un autre jusqu’au point de non-retour. Hannah aurait pu s’en sortir – même s’il lui restait peu de gens qui lui tendaient encore la main. La série ne parle pas non plus uniquement que de harcèlement et de suicide. Certes, elle est très sombre et est sans concession. La fameuse scène de suicide est particulièrement difficile à regarder (j’en ai pourtant vu pas mal des scènes de suicide au cinéma et à la télévision), d’autres scènes sont également éprouvantes. Cela dit, elle a le mérite d’offrir une petite lueur d’espoir : on peut tout faire pour qu’il n’y ait pas une autre Hannah Baker, pour qu’on apprenne à mieux communiquer et à prendre soin des uns et des autres ou encore pour qu’il y ait une vraie justice. La saison 2 (que j’attends donc avec impatience) devrait d’ailleurs régler certains de ces points en question. 13 Reasons Why surprend donc par son scénario addictif alors que l’histoire proposée est sombre et ne donnerait pas nécessairement envie de poursuivre tous les épisodes. Surtout, il dresse des portraits complexes. En effet, dans les premiers épisodes, j’avais peur de ne voir que des personnages lisses, juste méchants et sans personnalité. En dehors d’un seul personnage qui est clairement le grand méchant de l’histoire et qui est irrécupérable et inexcusable, les treize épisodes permettent de mieux cerner les différents personnages : certes, le but n’est pas d’excuser leurs actes, loin de là. Ils ont leurs responsabilités dans ce qui a pu arriver à Hannah (et j’ai même envie de dire que même Hannah a aussi sa part de responsabilités). Les épisodes expliquent alors comment ils ont pu arriver à un certain degré de méchanceté. En général, il s’agit toujours plus ou moins des mêmes raisons : la peur de sortir de la norme et d’être moqué/rejetté par sa différence (par conséquent, envie de se fondre dans la moule).

Photo Katherine Langford

13 Reasons Why a suscité la polémique malgré son succès : cette série serait néfaste pour les adolescents et plus généralement pour tous les spectateurs ayant des idées sombres. Certes, comme pour n’importe quelle oeuvre en général, il faut faire attention à ne pas la mettre dans les mains de n’importe qui. Surtout que Netflix a diffusé après le dernier épisode le documentaire Beyond the Reasons pour continuer de débattre sur les sujets abordés au cours de la série. J’ai envie de dire : si je regarde Scream, vais-je devenir une tueuse en puissance ? Personnellement, j’ai même envie de dire qu’il s’agit plutôt du contraire. Je suis persuadée que cette série permettra (si ce n’est déjà le cas) de libérer la parole des adolescents harcelés quotidiennement et surtout de faire prendre conscience à de potentiels bourreaux que certains actes ou certaines paroles peuvent avoir de réelles conséquences psychologiques et physiques sur leurs proies. Les critiques ont aussi reproché à Hannah de se suicider et de faire ses cassettes pour se venger. Il me semble que les choses sont un peu plus complexes et c’est justement ça aussi qui rend la série si pertinente : Hannah agit selon moi pour s’expliquer, pour soulager une dernière fois sa conscience et éventuellement pour faire éclater la vérité. Est-elle une bourreau ? J’envisage plutôt une autre possibilité : ses ex-bourreaux finissent par la voir comme une sorte de bourreau, un fantôme qui les hante sans cesse, la culpabilité finissant par les ronger. La mise en scène, la photographie et évidemment le scénario laissent par ailleurs envisager cette figure fantomatique d’Hannah, la morte qui est omniprésente dans l’existence des vivants qui devront apprendre à vivre avec les différentes vérités. La gestion entre les scènes alternant le passé et le présent ou encore plus généralement entre les différents points est volontairement de plus en plus floue, encore une fois pour rendre la « présence » d’Hannah plus fantomatique voire même énigmatique. 13 Reasons Why présente une première saison bien interprétée, addictive, poignante, plus complexe qu’elle en a l’air et surtout importante, que ce soit par rapport aux questions plus évidentes autour du viol et du harcèlement ou encore par rapport à d’autres sujets dont on parle moins (le slut shaming et la culture du viol.

Photo Dylan Minnette, Katherine Langford

Moonlight

réalisé par Barry Jenkins

avec Alex R. Hibbert, Ashton Sanders, Trevante Rhodes, Mahershala Ali, Naomie Harris, Janelle Monáe, Andre Holland, Jaden Piner, Jharrel Jerome…

Drame américain. 1h50. 2016.

sortie française : 1 février 2017

moonlight

Après avoir grandi dans un quartier difficile de Miami, Chiron, un jeune homme tente de trouver sa place dans le monde. Moonlight évoque son parcours, de l’enfance à l’âge adulte.

Moonlight : Photo Alex R. Hibbert, Mahershala Ali

Moonlight, déjà lauréat du Golden Globe du meilleur drame, a gagné l’Oscar du meilleur film (dans la plus grande confusion… j’en rigole encore !) face à son grand concurrent, La La Land. Il a aussi remporté deux autres importantes récompenses, à savoir celles du meilleur acteur dans un second rôle (pour Mahershala Ali) et du meilleur scénario adapté. Il a aussi cartonné aux Independent Spirit Awards et a évidemment récompensé ailleurs. Le succès de ce petit film peut surprendre, Barry Jenkins étant un réalisateur inconnu aux yeux du public (et même auprès des cinéphiles) et surtout le sujet est tout de même assez lourd et même puissant, il a même quelque chose de nécessaire. En effet,  un grand nombre de drames apparaît dans le scénario (ça pourrait presque faire penser à Precious de Lee Daniels) : un gamin afro-américain qui découvre son homosexualité dans une communauté qui rejette cette identité s’isole de plus en plus face au harcèlement et au comportement désastreux et destructeur de sa mère qui se drogue, se prostitue et le maltraite. Moonlight est à l’origine une pièce du dramaturge Tarell Alvin McCraney, In Moonlight Black Boys Look Blue. Elle fait aussi écho aux vies de l’auteur de la pièce et du réalisateur de son adaptation (les deux ne se connaissant pas) : ils ont fréquenté la même école et le même collège à Liberty City (Miami) et leurs mères ont toutes les deux rencontré des problèmes avec la drogue (la mère de Jenkins a surmonté sa toxicomanie tout en restant séropositive pendant 24 ans, celle de McCraney est morte du Sida). Moonlight mérite-t-il alors toutes les louanges qu’il a reçues et surtout son Oscar du meilleur film ? Pour moi non. Certes, il ne s’agit pas d’un mauvais film, loin de là (je lui reconnais volontiers des qualités). Son Oscar du meilleur film me semble tout de même plus symbolique voire même politique (notamment une réaction à la polémique « Oscars So White » survenue l’an dernier qui reste malgré tout encore présente dans nos esprits) que cinématographique même si je suis certaine que beaucoup de gens trouveront ce prix mérité pour des raisons plus artistiques. Il faut dire que Moonlight a un petit quelque chose de révolutionnaire mine de rien : le casting est entièrement de couleur noire.

Moonlight : Photo Alex R. Hibbert

Moonlight est construit en trois parties clairement affichées et nommées : la première, « Little », suit Chiron enfant, lorsqu’il rencontre Juan, un dealer cubain qui deviendra pour lui la figure paternelle qui lui manque. Il ne comprend pas pourquoi on le traite de « tapette ». Dans la deuxième partie, « Chiron », le personnage principal devenu adolescent, se fait encore harceler par ses camarades de classe. Son homosexualité ne fait que se confirmer par un véritable contact physique. Enfin, la dernière partie, « Black », nous présente toujours ce fameux Chiron devenu adulte et méconnaissable, éloigné de sa ville d’origine. En mode gros dur, sa route recroise celle de son premier amant. J’appelle ça des parties, mais on pourrait les nommer des chapitres voire même des actes : si le film n’a pas l’air littéraire, il a pourtant une construction qui fait penser à cet art. Je savais, par par son prix aux Oscars, qu’il s’agissait d’une adaptation mais pas nécessairement d’une pièce. Pourtant, durant ma séance, j’ai fini par comprendre ce lien avec le théâtre et pas uniquement par cette forme assez visible : la manière d’aborder le personnage principal, le rythme de certaines répliques etc… Cela dit, je ne fais pas ici de reproches, mais plus un constat de mon ressenti. Il y a donc derrière un réel travail intéressant d’écriture (et je comprends davantage son Oscar de la meilleure adaptation même si je n’ai pas vu la pièce d’origine) même si paradoxalement ce sont aussi certainement des éléments liés à cette écriture qui m’ont gênée. Les dialogues m’ont semblé assez justes et les effets d’écho plutôt pertinents : ainsi, même lorsque l’histoire se déroule sur plus de dix ans, on ne perd pas non plus en route certaines informations qu’on a reçues et qu’on aurait pu oublier. Par exemple, même lorsqu’on ne voit plus à l’écran Juan, que ce soit dans la seconde ou troisième partie, on a l’impression qu’il est toujours présent au côté de Chiron. Mais je reste partagée sur l’utilisation des différentes ellipses. Certes, pour gagner du temps (pas évident de retracer la vie d’un personnage sur une quinzaine d’années voire peut-être plus), les ellipses étaient évidemment nécessaires. Il y a une idée de se concentrer sur l’essentiel.

Moonlight : Photo Naomie Harris

Cela dit, par ce choix, selon moi, Chiron est un personnage qui manque de développement, même un peu de consistance. De plus, j’étais frustrée de ne plus voir les personnages secondaires, même si encore une fois le scénario fait des efforts pour qu’on ne les oublie pas. Mais cet effet n’est hélas pas totalement réussi. J’ai également ressenti une autre frustration : le film n’étant pas hyper rythmé (ça ne m’a pas aidée à l’apprécier convenablement), à chaque fois que je commençais à entrer dans l’histoire, en la trouvant intéressante, on nous la brise justement par ces ellipses. Je suis d’ailleurs partagée sur la fin, j’ai l’impression que je n’ai pas la même interprétation que la plupart de mes copains blogueurs. La mise en scène est plutôt intéressante dans le sens où on sent que rien n’est laissé au hasard, il y a même des symboliques assez fortes (cette scène de baignade au début est très riche sur différents niveaux). Cela dit, à l’image de son sens esthétique (on passe parfois un peu trop brutalement à des scènes très réalistes à d’autres bien plus soignées et colorées ou encore il y a des effets de style un peu surperflus), elle reste pour moi parfois maladroite. Heureusement, le casting est très bon. Parmi les personnalités non connues par le grand public, le trio Alex R. Hibbert, Ashton Sanders et Trevante Rhodes est impeccable. Individuellement, chaque interprète est effectivement remarquable mais ce qui l’est encore plus c’est de constater la cohérence d’interprétation entre ces trois acteurs. Même si je reproche un certain manque de développement chez Chiron, en revanche on ressent pourtant bien à l’écran une certaine évolution qui fonctionne justement grâce à cette succession d’acteurs. Le changement d’acteurs ne choque jamais, on voit tout le temps à l’écran Chiron et non des trois acteurs qui interprètent un même rôle. Et cela est encore plus fort lorsqu’on sait que Hibbert, Sanders et Rhodes ne se sont pas rencontrés sur le tournage. Oscarisé, Mahershali Ali (qu’on voit hélas trop peu) est impeccable dans le rôle de ce personnage qui n’a rien d’un enfant de choeur et pourtant qui accompagne merveilleusement bien Chiron qui s’interroge sur son identité. J’étais heureuse de retrouver à l’écran dans les dernières Andre Holland, qu’on voit décidément de plus en plus. Enfin, parmi les rôles féminins, Naomie Harris (nommée aux Oscars) et Janelle Monáe sont également impeccables.

Moonlight : Photo Andre Holland, Trevante Rhodes

Quelques minutes après minuit

réalisé par Juan Antonio Bayona

avec Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, Dominic Boyle, Geraldine Chaplin…

titre original : A Monster Calls

Drame, fantastique espagnol, britannique, américain. 1h48. 2016.

sortie française : 4 janvier 2017

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Conor a de plus en plus de difficultés à faire face à la maladie de sa mère, à l’intimidation de ses camarades et à la fermeté de sa grand-mère. Chaque nuit, pour fuir son quotidien, il s’échappe dans un monde imaginaire peuplé de créatures extraordinaires. Mais c’est pourtant là qu’il va apprendre le courage, la valeur du chagrin et surtout affronter la vérité…

Quelques minutes après minuit : Photo Felicity Jones, Lewis MacDougall

Quelques minutes après minuit est une adaptation de l’excellent roman du même nom écrit par l’auteur anglo-américain Patrick Ness, lui-même ayant repris le projet de l’écrivaine britannique Siobhan Dowd, décédée d’un cancer durant l’écriture en 2007. Patrick Ness a aussi signé le scénario du long-métrage réalisé par Juan Antonio Bayona, dont on se souvient encore de ses deux précédents bijoux : L’Orphelinat et The Impossible. Quelques minutes après minuit a récemment triomphé aux Goyas (l’équivalent des Césars en Espagne) en remportant neuf récompenses dont celui du meilleur réalisateur. Une grande partie de la production est espagnole, mais l’intrigue se déroule en Angleterre. Le spectateur suit l’histoire du jeune Conor (âgé d’une petite dizaine d’années) qui doit supporter un grand nombre d’épreuves : le cancer de sa mère, la maniaquerie et la dureté de sa jeune grand-mère, son père parti refaire sa vie à Los Angeles et le harcèlement à l’école. Conor rencontre alors un monstre qui prend la forme d’un arbre (un if pour être exact), débarquant à chaque fois à 12h07, en général après minuit (d’où le titre français) mais aussi en journée (d’où ma précision sur la manière d’écrire l’heure en chiffre et non nécessairement en lettres avec un sous-entendu sur la période exacte). Dit comme ça, le film fait penser à l’excellent Labyrinthe de Pan de Guillermo Del Toro si on reprend certains éléments : un film espagnol (même si tout le monde dans le film, dans le cas du film de Bayona, parle donc en anglais), une mère malade et mourante et un arbre qui a une place importante dans un récit aux allures de conte. Mais très rapidement, l’oeuvre de Bayona possède son propre univers et personnalité, on s’aperçoit vite qu’elle ne cherche pas à copier qui que ce soit. Avec un tel sujet, on aurait pu s’attendre à quelque chose de larmoyant. Certes, je peux admettre que l’émotion est peut-être parfois soulignée par quelques effets assez habituels dans certaines scènes (que ce soit des répliques ou la musique). Cela dit, ces effets en question ne gâchent pas selon moi la véritable émotion qui ne naît pas de procédés « superficiels » mais bien parce qu’il y a quelque chose qui sonne vrai. Le film n’a rien de gnangnan : il est réellement poignant. C’est peut-être pour cela qu’il n’a pas su trouver son public : il peut paraître trop dur pour un jeune public et l’aspect conte / fantastique a certainement rebuté les adultes. Pourtant, le film s’adresse à un large public en ne prenant personne pour des imbéciles. Ainsi, le conte n’est pas ici un moyen de mieux cacher la vérité. Au contraire, le film est une incitation à accepter la vérité, même la plus dure.

Quelques minutes après minuit : Photo Lewis MacDougall

Les scènes représentant les différentes histoires contées par le monstre sont époustouflantes, j’ai énormément aimé cette esthétique sous forme d’aquarelle. Ce choix prend encore plus de sens par rapport à quelques ajouts par rapport au roman d’origine : le dessin permet ici de créer une connexion encore plus forte entre la mère et son fils. D’autres petits ajouts m’ont également semblé assez pertinents, même si j’évoque aussi des détails et des points assez furtifs, comme par exemple le lien possible entre le monstre et une figure familiale. Le scénario, tout en restant assez fidèle au roman, est consistant et a surtout le mérite d’éviter le manichéisme (ce qui peut expliquer pourquoi ce film n’a pas une dimension larmoyante). La mise en scène, elle, est tout simplement remarquable. J’évoquais juste avant la qualité de l’esthétique avec des scènes sous forme de dessins jouant avec les formes et les couleurs. Le film en lui-même, dans ses scènes se déroulant dans la réalité, est également soigné visuellement. Je tiens notamment à souligner la présence d’une magnifique photographie, accentuant différents aspects qui se mélangent bien dans le long-métrage : la poésie, le merveilleux et la noirceur. Enfin, Quelques minutes après minuit est servi par une excellente distribution. Dans le rôle principal, le jeune Lewis MacDougall (vu dans Pan de Joe Wright) est bouleversant. Il faut dire que l’acteur écossais s’est inspiré pour son interprétation de sa propre histoire, sa mère étant décédée d’une maladie un an avant le tournage de ce film. Felicity Jones incarne une jeune mère malade, bienveillante, optimiste et courageuse avec beaucoup de justesse. Sigourney Weaver est également remarquable dans le rôle de cette grand-mère qui prend les choses en main en tentant de ne pas montrer sa souffrance. Je n’ai pas vu le film en VO (je suis allée voir le film dans un petit cinéma in extremis), c’est difficile de parler objectivement du travail vocal de Liam Neeson dans le rôle du monstre. Cela dit, il avait déjà procédé à ce type d’exercice (notamment dans les Narnia) et connaissant son talent et son travail en général , je pense qu’il n’y a pas trop à s’en faire (ceux qui l’ont vu en VO devraient me le confirmer). Pour conclure, je ne peux que vous conseiller Quelques minutes après minuit qui mérite d’être découvert et d’avoir une seconde vie, son échec au cinéma n’étant pas justifié. Bouleversant, même puissant, il parvient à mêler avec habilité fond et forme et pourra toucher différents types de public.

Quelques minutes après minuit : Photo Sigourney Weaver

Sing Street

réalisé par John Carney

avec Ferdia Walsh-Peelo, Lucy Boynton, Jack Reynor, Maria Doyle Kennedy, Aidan Gillen, Kelly Thornton, Mark McKenna, Conor Hamilton…

Comédie, film musical irlandais, britannique, américain. 1h46. 2016.

sortie française : 26 octobre 2016

singstreet

Dublin, années 80. La pop, le rock, le métal, la new wave passent en boucle sur les lecteurs K7, vibrent dans les écouteurs des walkmans et le rendez-vous hebdomadaire devant  « Top of the Pops » est incontournable.

Conor, un lycéen dont les parents sont au bord du divorce, est obligé à contrecœur de rejoindre les bancs de l’école publique dont les règles d’éducation diffèrent de celles de l’école privée qu’il avait l’habitude de fréquenter.

Il se retrouve au milieu d’élèves turbulents qui le malmènent et de professeurs exigeants qui lui font rapidement comprendre qu’en tant que petit nouveau, il va devoir filer doux. Afin de s’échapper de cet univers violent, il n’a qu’un objectif : impressionner la plus jolie fille du quartier, la mystérieuse Raphina. Il décide alors de monter un groupe et de se lancer dans la musique, univers dans lequel il ne connait rien ni personne, à part les vinyles de sa chambre d’adolescent. Afin de la conquérir,  il lui propose de jouer dans son futur clip.

Sing Street : Photo Ben Carolan, Conor Hamilton, Ferdia Walsh-Peelo, Karl Rice, Mark McKenna

L’ex-bassiste des Frames John Carney a réussi sa reconversion, celle de réalisateur. Son premier long-métrage Once (Oscar de la meilleure chanson) est une merveille filmée avec les moyens du bord (et je dois même vous dire qu’il fait partie de mes films de chevet), son second New York Melody m’a également enchantée. Sing Street est une vraie réussite qui semble avoir enchanté de nombreux festivals, notamment en repartant avec le Hitchcock d’or au festival britannique de Dinard. Sing Street est dans le film le nom de groupe fictif crée par le jeune Conor dans le but de pouvoir séduire la belle Raphina. C’est aussi une référence à Synge Street, là où sont scolarisés les personnages (et peut-être Carney ?). Sur l’affiche, vous verrez toute une série de groupes méga connus qui participent à la bande originale : les Clash, Motörhead, Duran Duran, The Jam ou encore The Cure (et on a aussi en bonus la participation d’Adam Levine, qui pourrait de nouveau être nommé aux Oscars après New York Melody). Tout le monde aime les bonnes BO (et celle-là, je l’aime déjà énormément !) mais parfois on a l’impression d’assister à la playlist idéale du réalisateur ou que c’est un moyen de rendre le film plus cool tout en camouflant les défauts. Heureusement, ce n’est pas le cas ici. Les chansons trouvent intelligemment leur place au sein de l’histoire. A chaque fois, elles sont liées à l’évolution (musicale ou émotionnelle) de Conor. Surtout, les chansons connues laissent petit à petit place à celles du fameux groupe fictif. Et c’est ça qui est génial dans ce film : on croit en ce groupe, on a envie de voir cette bande de petits jeunes réussir. Sing Street est donc un film entraînant, léger, qui livre un message positif : faites tout pour vivre vos rêves, vivez votre passion. Rien de bien nouveau mais ça passe tout de même plus que bien. Mais le long-métrage musical ne se limite pas à ce thème qui aurait pu rendre l’ensemble lisse et naïf. John Carney signe ici un film plus profond, intime et même un peu autobiographique que d’habitude. En arrière-fond, il évoque la situation économique et sociale de l’Irlande dans les années 1980 : les jeunes s’en allaient en Angleterre (c’est notamment le rêve de la jeune Raphina) et le divorce n’était pas toujours pas autorisé (l’Irlande a dû attendre 1996 pour pouvoir divorcer – il s’agit du dernier pays européen à avoir légaliser le divorce !).

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La musique est donc évidemment un moyen de s’évader (je pense notamment à quelques scènes fantasmées) et littéralement donne envie de s’évader. A travers ce thème de l’évasion, de l’immigration même pour réussir, on peut évidemment penser à l’histoire plus globale de l’Irlande qui a toujours été exposée au voyage pour pouvoir réussir. La dédicace finale « à tous les frères du monde entier » – même si on peut la prendre à un premier degré (avec la relation entre Conor et Brendan, forcément déterminante dans les choix des personnages) – est selon moi un clin d’oeil à cette part historique qui n’a jamais totalement quitté les Irlandais avec le temps. Sing Street est donc un vrai bon feel-good movie (et pour une fois on n’utilise pas ici ce terme comme on le fait souvent à tort et à travers) drôle, touchant et attachant à la fois. Il est bien écrit (mêlant avec habilité divertissement et profondeur) et très bien rythmé (et pas uniquement grâce à la musique, notamment co-composée par Carney himself). Même s’il n’a que trois films à son actif, j’ai toujours aimé l’univers de Carney qui renouvelle pour moi les films musicaux grâce à sa propre expérience de musicien et je dois en plus constater qu’il a fait des progrès en terme de mise en scène (même si ça ne parait pas non plus « ouf » mais ça me paraît plus soigné de ce côté-là). Côté interprétation, Sing Street est également à la hauteur. Le film est porté pour la plupart du temps par des comédiens non connus (qui sont dans la vie musiciens). Dans le rôle principal, Ferdia Walsh-Peelo est totalement crédible en ado de 15 ans rêveur et passionné. La jeune Lucy Boynton est certainement une des révélations du film (retenez bien son nom car elle semble déjà avoir un planning chargé !). Elle parvient bien à montrer cette apparente confiance en elle tout en dévoilant petit à petit son naturel et sa sensibilité (à noter que son look vestimentaire évolue au fil de ses émotions). On retrouve également quelques têtes connues, notamment Aidan Gillen et Maria Doyle Kennedy, qui incarnent les parents de Conor (au bord du divorce). Enfin, difficile de passer à côté de l’excellente performance de Jack Reynor (qui a remporté le Irish Film & Television Award – le second de sa carrière), qu’on a notamment pu voir récemment dans What Richard Did (de Lenny Abrahamson), Transformers : L’âge de l’extinction (de Michael Bay) ou encore Macbeth de Justin Kurzel. Il est à la fois drôle et émouvant en grand frère glandeur bienveillant qui donne des conseils, passé à côté de sa vocation et de ses rêves. Je suis sûre qu’on n’a pas fini d’entendre parler de lui !

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Where to Invade Next

réalisé par et avec Michael Moore

Documentaire américain. 2h. 2015.

sortie française : 14 septembre 2016

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Dans son nouveau documentaire, Michael Moore décide de s’amuser à envahir le monde pour déterminer ce que les États-Unis peuvent apprendre des autres pays.

Where To Invade Next : Photo Michael Moore

Présenté dans plusieurs festivals (Toronto, Berlin, Deauville…), probablement dans la liste des prochains nommés aux Oscars dans la catégorie « meilleur documentaire » (le contraire me décevrait), Where to invade next marque le retour de Michael Moore devant et derrière après six années d’absence. Le bonhomme est toujours aussi engagé et surtout aussi critique envers son pays d’origine, les Etats-Unis. A partir de son expérience personnelle et de ses voyages, Michael Moore se met en scène : comment peut-il aider le gouvernement américain à améliorer les conditions de vie de ses citoyens et plus généralement son système ? Comme on dit, l’herbe est toujours plus verte ailleurs ! Le réalisateur de Bowling for Columbine part alors dans différents pays Européens (ainsi qu’en Tunisie) afin de leur piquer leurs bonnes idées pour les redonner aux Américains : le travail (et tout ce qui va avec, notamment les congés payés) en Italie, l’école du bonheur en Finlande, les bonnes cantines en France, l’université gratuite en Slovénie, le travail de mémoire pour aller de l’avant en Allemagne qui traite bien ses employés au travail, les prisons en Norvège (qui interrogent aussi sur la question de la peine de mort), la chute des banquiers et la lutte des femmes en Islande,  l’interdiction de condamner toute personne possédant de la drogue (et en proposant de les aider à ne plus être dépendant) au Portugal ou encore le printemps arabe en Tunisie. Certains points sont évidemment discutables lorsqu’on en connait certains. On sait par exemple, de notre point de vue français, que les cantines dans l’Hexagone ne sont pas toutes excellentes comme celle présentée dans le film (qui se situe en Normandie). Ce n’est qu’un exemple parmi d’autres. Cela dit, sans vouloir défendre bêtement à tout prix ce film, cela ne m’a pas gênée pour plusieurs raisons. La première est que Michael Moore assume clairement (en le disant même assez tôt dans le film, après son escapade en Italie) ce choix : il ne va évidemment pas montrer les failles (heureusement sinon on ne s’en sortirait plus) ou les choses qui ne vont pas dans les pays que je viens de citer. Il sait qu’on ne vit pas dans le monde des Bisounours. Il a l’air candide mais tout ça reste de la mise en scène complètement assumée. Cela nous pousse alors à notre deuxième point : même s’il y a des choses certainement imparfaites dans n’importe quel pays, il faut savoir relativiser lorsqu’on sait que l’on possède des choses plus positives qu’ailleurs, même lorsque cet ailleurs fait rêver tout le monde (ou presque). Ce que je veux dire est que même une cantine médiocre en France restera meilleure qu’une cantine moyenne américaine.

Where To Invade Next : Photo Michael Moore

Troisièmement, et c’est peut-être le point le plus important à retenir, le but est d’exposer clairement sa critique envers les Etats-Unis et de poser de bonnes questions pour pouvoir changer son pays. Surtout Michael Moore parvient répondre à sa problématique de base : peut-on améliorer le système américain en piquant des idées aux autres ? La réponse va alors bien plus loin qu’un simple oui ou non. Le film a beau être critique envers les Etats-Unis (ce qui n’est pas une surprise venant de Michael Moore), il est pourtant étonnamment optimiste. Là encore dit comme ça on pourrait avoir l’impression d’être dans le pays des Bisounours. Mais le message est réellement fort : les Etats-Unis ont les cartes en main depuis très longtemps, les autres n’ont fait que piquer leurs idées qu’ils n’ont pas su mettre en place ! Le discours de Moore, évidemment appuyé par sa part de mise en scène qui séduira certains (dont moi) tout comme il pourra énerver d’autres spectateurs, m’a séduit et m’a paru pertinent. Je dois même admettre que j’ai eu l’impression d’élargir mon champ de vision en ce qui concerne certains points (notamment sur l’esclavage moderne dans les prisons américaines, je n’avais jamais étudié cette question de cette manière !). Surtout, au-delà d’une réelle réflexion, les séquences provoquent diverses réactions dans le sens où on passe volontiers du rire (notamment avec un Michael Moore faussement étonné par ses découvertes – que ce soit face aux cantines françaises sans fast-food et Coca ou en Italie avec les congés payés) à de l’émotion (je pense par exemple à la rencontre du père d’un des garçons tués par le monstrueux et glaçant Anders Breivik). Les rencontres entre les différents intervenants (politiciens, patrons, travailleurs, enfants, étudiants, prisonniers etc… bref, c’est assez varié comme vous pouvez le constater) sont également très enrichissantes. Le tout a beau durer deux heures, le temps passe très vite, l’ensemble est rythmé ça ne m’a pas paru barbant ou quoi que ce soit de ce genre. Il faut dire qu’au-delà d’un discours que j’ai trouvé passionnant et un Michael Moore toujours attachant, le montage est assez bien foutu, les plans soignés et surtout il y a une logique entre les différents voyages, une réelle connexion entre chaque pays et thèmes abordés. La pédagogie n’a alors absolument rien d’un gros mot, bien au contraire. Where to invade next est, malgré des reproches possibles à faire selon le point de vue, un documentaire passionnant, original et rafraîchissant.

Where To Invade Next : Photo Michael Moore

Super Size Me

réalisé par et avec Morgan Spurlock

Documentaire américain. 1h38. 2004.

sortie française : 30 juin 2004

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Le fast-food est partout. 37 % des enfants et des adolescents américains ont un problème de poids. Deux adultes sur trois sont atteints de surcharge pondérale ou d’obésité. Comment l’Amérique est-elle devenue aussi grosse ?
Pour mener son enquête, Morgan Spurlock a traversé les Etats-Unis et interrogé des spécialistes dans plus de vingt villes. Un ancien ministre de la santé, des profs de gym, des cuisiniers de cantines scolaires, des publicitaires, des avocats et des législateurs lui confient le résultat de leurs recherches, leurs sentiments, leurs craintes et leurs doutes.
Mais le fil rouge de ce documentaire est une expérience que Morgan Spurlock décide de mener sur lui-même. Sous la surveillance attentive de trois médecins, le voilà donc au régime MacMuffin, Big Mac, Royal Cheese, frites et coca.

Super Size Me : photo

Je regarde rarement des documentaires (c’est pour cette raison que j’en chronique peu). Ce n’est pas par manque d’intérêt mais plutôt parce que je n’ai pas pris l’habitude de faire cette démarche. Je suis consciente que je passe à côté de bons films. D’ailleurs, le peu que j’ai pu voir m’ont plu. Je tenais vraiment à parler de Super Size Me, documentaire archi-connu et que je n’avais pourtant pas encore vu. J’ai vraiment eu un coup de coeur pour ce film. Le sujet m’a certainement aidée à l’apprécier pleinement. Je ne vais pas vous faire un cours sur ma vie (on s’en cogne), ni vous dire de bouffer healthy comme les youtubeuses beauté (rappelez-vous : je suis gourmande). Chacun fait ce qu’il veut, je ne juge personne même si j’ai mon avis sur la question. L’alimentation et la santé sont pour moi des sujets importants. De plus, j’ai beau aimé manger (quelle déclaration d’amour à la nourriture !), j’ai toujours évité les fast-foods, et encore plus ces dernières années. Le réalisateur Morgan Spurlock se met en scène pour notre plus grand bonheur (non, il n’y a rien de narcissique contrairement à ce que l’on pouvait craindre) : il décide de tenter une expérience qui semble folle et pourtant qui a été décidée à partir d’un fait divers existant et concret : deux Américains décident de poursuivre en justice McDonald’s qui les aurait obèses. Les produits vendus seraient « nourrissants et sains » selon la chaîne de fast-food qui a gagné ce procès et qui en général les remporte (pour la petite info, la loi surnommée « Cheeseburger », protège juridiquement les fast-food : on ne peut plus les attaquer en justice pour cause d’obésité). Morgan Spurlock prend les propos au premier degré pour pouvoir démonter cette industrie et surtout pouvoir poser des questions pertinentes : est-ce que les fast-foods sont responsables de l’obésité croissante des Américains ou n’y a-t-il pas d’autres facteurs à prendre en considération ? Bref, lui qui est en très bonne santé, n’a pas l’habitude de fréquenter des McDo, en couple avec son épouse de l’époque végétalienne, décide de manger trois fois par jour pendant un mois uniquement à McDonald’s en commandant évidemment le menu Super Size (qui n’existe plus depuis la sortie du film même si McDo prétendra que ce n’était pas lié à son succès). Evidemment, pour jouer encore plus le jeu à fond, il décide aussi de réduire sa mobilité (en contrôlant le nombre de pas, en prenant le taxi ou moyens de transport au lieu de marcher), les Américains (en dehors de New-York) bougent très peu. Il est évidemment suivi par trois médecins qui vont s’affoler au fur et à mesure de son expérience.

Super Size Me : photo

La chose qui m’a frappée en premier en découvrant Super Size Me est son côté ludique. Ce point pourra certainement agacer certains spectateurs mais pour ma part, il s’agit de son point fort. Oui le film tente de séduire un certain public, les jeunes, ceux qui sont encore plus concernés par la tentation du fast-food et ne mesurent pas tous toujours les conséquences de ce type de consommation régulière ou en tout cas refusent de la voir (même si cela s’applique à des adultes, j’en ai conscience). Même dans la mise en scène, le montage ou plus généralement le ton, il est certain qu’il y a une envie de conquérir ce public en particulier. Cela dit, je crois que même les « non-jeunes » pourront aimer  l’ensemble du long-métrage qui vise souvent juste dans sa démonstration. La problématique est très compréhensible, le déroulé de l’exposé est très logique et très clair, on ne se perd pas quand on passe d’un point à un autre et surtout on voit où le réalisateur-acteur (très attachant, le propos passant alors peut-être encore mieux que prévu) veut en venir. Si on est un minimum éduqué, on ne nous apprendra pas le fait suivant : manger quotidiennement à McDo est mauvais pour la santé. C’est pas un scoop. Mais je ne pense pas que Spurlock nous prenne pour des idiots. Personnellement, je savais que les produits McDo n’étaient pas bons, mais je ne pensais pas que c’était à ce point du poison. C’est pour cette raison que Super Size Me doit continuer à être vu et diffusé. Le film ne réussit pas seulement à dégoûter de cette malbouffe mais veut comprendre (notamment grâce à des interventions pertinentes) comment les gens sont poussés à ce type de consommation quitte à mettre leur santé en péril. Il est alors intéressant de voir qu’il n’y a pas que la santé qui est mis en jeu mais l’éducation des jeunes. Est-ce qu’il y a alors des solutions pour éviter ce carnage qui tue petit à petit l’Amérique ? N’y a-t-il pas aussi de l’hypocrisie de la part des gens dans le débat concernant l’obésité ? Morgan Spurlock réussit à mener son exposé de manière agréable et fluide tout en proposant derrière une réelle bonne réflexion sur, finalement, un certain mode de vie aux Etats-Unis. Ce film nécessaire (même si la nécessité ne fait pas tout mais heureusement tout le reste suit pour délivrer encore mieux sa réflexion) et toujours d’actualité malgré ses années au compteur concerne évidemment dans un premier temps le pays de l’oncle Sam mais je pense que même les Européens sont concernés par le parti pris de Spurlock, étant donné qu’on tend de plus en plus à un mode de vie similaire à celui adopté par une grande majorité des Américains.

Super Size Me : photo

 

Elle est trop bien

réalisé par Robert Iscove

avec Freddie Prinze Jr., Rachael Leigh Cook, Jodi Lyn O’Keefe, Paul Walker, Matthew Lillard, Anna Paquin, Kevin Pollak, Usher Raymond, Clea DuVall, Sarah Michelle Gellar, Gabrielle Union, Kieran Culkin, Alexis Arquette…

titre original : She’s all that

Comédie romantique américaine. 1h35. 1999.

sortie française : 30 juin 1999

Movie Challenge 2016 : Un film se passant dans un lycée

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Parce que Taylor a rompu avec Zack, ce qui risque de lui faire perdre sa réputation de président de classe, d’étudiant d’honneur et de capitaine de l’équipe de football, il parie avec son meilleur ami et rival, Dean, que n’importe quelle fille, à condition d’être bien maquillée, peut remporter le concours de reine du bal de fin d’année. C’est alors que Laney Boggs croise leur route et tombe dans les filets des deux compères. Cette élève de dernière année, dont l’ambition est de décrocher une bourse pour entrer dans une école d’art, n’a pas de temps à consacrer à la toilette.

Elle est trop bien : Photo

Elle est trop bien serait une sorte de teen-movie culte (très « typique » des années 1990) malgré les mauvaises critiques que j’ai pu entendre. Disons que j’ai l’impression que c’est grâce à ses défauts que le film est aussi connu. Pour ma part, j’avais eu une « première » approche de ce film en regardant directement sa parodie, Sex Academy (Not Another Teen Movie) de Joel Gallin avec Chris Evans. La parodie m’avait vraiment fait marrer, malgré sa débilité constante et son humour assez lourd, j’avais réussi à faire quelques rapprochements avec d’autres teen-movies très connus et assez similaires visiblement. Mais sans avoir vu Elle est trop bien, LE film qui a vraiment servi de fil conducteur, j’avais l’impression de passer à côté de quelque chose, de quelques vannes aussi. Le Movie Challenge m’a donné une sacrée opportunité. Non, je ne peux crier un mensonge du style : « non mais en fait, ce film passait à la télé, on m’a ligotée et j’ai dû le regarder de force ». Certes, le Movie Challenge me donne la possibilité de regarder des classiques ou films cultes. Mais quand j’ai vu la catégorie « film qui déroule dans un lycée », j’ai tout de suite pensé à Elle est trop bien. Je sais qu’il y avait probablement des films plus intelligents à regarder mais je ne voulais tout simplement pas mourir bête et assouvir ma curiosité (ça va loin, je sais). Pour la note (même si je sais que ce n’est pas le truc le plus important), pour être honnête, j’ai été très embêtée car selon mon humeur (même si je suis souvent de bonne humeur, faut pas croire que je suis une grosse rageuse tout le temps), j’aurais été capable de lui accorder la moyenne (allez, jetez-moi des tomates pourries, profitez-en, ça n’arrivera pas tous les jours). Faut avouer : ça se laisse regarder. Je ne me suis jamais ennuyée, le concept en lui-même n’est pas si idiot que ça. D’ailleurs, Dix bonnes raisons de te larguer de Gil Gunger (avec Julia Stiles et le regretté Heath Ledger) reprend un peu cette trame qui peut rappeler des comédies shakespeariennes. On pensera évidemment aussi beaucoup au Pygmalion de George Bernard Show. Cela dit, sans crier au génie, le long-métrage de Gunger me semble plus ambitieux que ce Elle est trop bien, certes une rom-com sympathique (et pour être honnête, je comprends qu’il ait aussi ses fans) mais qui a des défauts gros comme un camion, il faut bien l’avouer (même si je m’attendais à un résultat vraiment plus dégueulasse).

Elle est trop bien : Photo Freddie Prinze Jr., Rachael Leigh Cook

L’histoire du pari n’était donc pas mauvaise en elle-même mais c’est son traitement qui ne parait pas crédible (et là je m’aperçois vraiment à quel point Sex Academy avait tapé là où il le fallait). Certes, l’héroïne Laney ne se met pas en valeur mais elle n’a absolument rien d’affreux. Il y a des filles dans son école qui ont un physique moins accepté par la société que le sien. Elle est censée être repoussante parce qu’elle porte des lunettes, qu’elle met des salopettes et qu’elle est artiste ! C’est le monde à l’envers ! Le point de départ se transforme ainsi très rapidement en grosse blague, même si j’accepte cette absurdité, le film étant encore une fois pas si désagréable que ça. Finalement, le film est alors très prévisible (ça encore, je ne vais pas trop taper dessus car je savais à quoi m’attendre). En revanche, la débilité de certaines scènes relèvent tout de même du génie dans un sens. Je pense notamment à l’émission avec Matthew Lillard qui ne tombe pas dans la parodie mais plutôt à quelque chose de grossier et honnêtement pas très drôle finalement ou encore cette affreuse scène avec des poils dans une pizza, tout ça pour nous dire que Taylor est un gars bien qui combat les horribles injustices qui se passent tous les jours dans les écoles et surtout dans les cantines, bref c’est le Batman de son lycée, capable de défendre le frangin de sa bien-aimée. De plus, l’ensemble est assez guimauve et rempli de clichés, que ce soit sur les adolescents, les rivalités garçons/filles, le lycée ou encore sur les artistes. Seul vrai point positif : la chorégraphie au bal de fin d’année n’est pas mal du tout ! Freddie Prinze Jr fait partie de ces figures phares de films pour ados dans les années 1990 puis est rapidement devenu un has-been (comme Sarah Michelle Gellar, son épouse, même si cette dernière avait plus de potentiel). Je l’avais déjà trouvé mauvais dans Souviens-toi l’été dernier de Jim Gillepsie et là il ne fait que confirmer l’impression que j’avais déjà sur lui. On a l’impression qu’il ne connait qu’une expression et encore je suis gentille. Sa partenaire Rachael Leigh Cook, sans dire qu’elle joue bien, sauve un peu le désastre côté casting et apporte une certaine fraîcheur malgré la « noirceur » de son personnage.

Elle est trop bien : Photo Freddie Prinze Jr., Paul Walker

Después de Lucia

réalisé par Michel Franco

avec Tessa Ia, Hernan Mendoza, Gonzalo Vega Sisto…

Drame mexicain, français. 1h43. 2012.

sortie française : 3 octobre 2012

interdit aux moins de 12 ans

Después de Lucía

Lucia est morte dans un accident de voiture il y a six mois ; depuis, son mari Roberto et sa fille Alejandra, tentent de surmonter ce deuil. Afin de prendre un nouveau départ, Roberto décide de s’installer à Mexico. Alejandra se retrouve, nouvelle, dans une classe. Plus jolie, plus brillante, elle est rapidement la cible d’envie et de jalousie de la part de ses camarades. Refusant d’en parler à son père, elle devient une proie, un bouc émissaire.

Después de Lucía : Photo Tessa Ia

Les cours ont repris et entre-temps j’ai réussi à voir Después de Lucia, un film qui colle parfaitement à l’actualité scolaire. J’avais envie de faire un article sur différents films qui abordent le harcèlement scolaire mais finalement en ce qui concerne ce sujet en particulier, ce deuxième long-métrage du réalisateur mexicain Michel Franco (son premier étant visiblement le dérangeant Daniel y Ana) est pour moi idéal pour aborder ce sujet important mais hélas encore tabou. Récompensé par le prix Un Certain Regard au festival de Cannes (présidé par Tim Roth… tellement fan de Franco qu’il joue dans son dernier film, Chronic, également récompensé à Cannes), Después de Lucia part au début sur une histoire de deuil. On ne verra jamais la fameuse Lucia du titre puisqu’elle est morte dans un accident de voiture : cela va alors servir de point de départ au long-métrage. Ainsi, ceux qui restent (son mari Roberto et sa fille Alejandra) essaient de surmonter leur deuil chacun à leur manière : Roberto se plonge dans son boulot, Alejandra essaie de rester cool auprès de ses nouveaux camarades. Mais surmonter un deuil n’est jamais évident et cela peut même avoir de dramatiques conséquences : s’isoler. Ainsi, Roberto va se plonger dans son travail au restaurant mais ne va pas voir que sa fille est harcelée par ses camarades (même quand Alejandra se fait couper par ses camarades, il ne se pose pas plus de questions que ça). Et en retour, ne voulant pas enfoncer son père (et aussi certainement par honte), Alejandra préfère se taire. Alors qu’on aurait pu, à partir d’un tel sujet, avoir un film très larmoyant, mais Franco préfère au contraire opter pour le choix du silence, de la solitude et de l’éloignement des individus. Michel Franco a pris un énorme risque en se concentrant énormément sur le harcèlement scolaire : on aurait pu avoir deux films en un. Mais ce choix-là est pertinent dans le sens où il y a une continuité entre les deux sujets : le harcèlement scolaire et le deuil ne font qu’un. Le harcèlement scolaire peut vite se transformer en une lente mort. Sans spoiler, la fin est d’ailleurs intéressante car encore une fois, on retrouve d’une manière assez subtile le lien entre le décès de Lucia et les conséquences de ce terrible drame qu’est le harcèlement scolaire.

Después de Lucía : Photo Tessa Ia

Après, même si le thème du deuil est vraiment bien traité (j’insiste), il faut avouer que Después de Lucia marque vraiment des points en ce qui concerne sa manière de traiter le harcèlement scolaire. Certains diront qu’il s’agit d’un point de vue extrême de cette situation (j’ai lu beaucoup de critiques qui se demandent pourquoi on a besoin de voir tant d’horreurs etc…) et effectivement je suis tout de même d’accord avec eux sur le fait que le scénario va vraiment loin (dans un sens, heureusement, sinon ça serait – vraiment – le chaos dans les écoles). Ceci, dans un premier temps, même s’ils restent rares, des cas extrêmes existent et c’est bien aussi d’en parler et surtout de le montrer, de créer le malaise là où il peut vraiment faire mal et nous faire réagir. Puis, suite à des choses que j’ai pu voir ou lire, je trouve que Michel Franco a quand même saisi toutes les phases que rencontrent les victimes du harcèlement scolaire (même dans les cas les plus banals) : Alejandra pense qu’il s’agit au début de mauvaises remarques, que ça va passer, elle laisse couler, elle s’isole mais finalement la méchanceté ne semble même plus avoir de limites. Comme beaucoup de spectateurs (et visiblement le réalisateur est assez fier de cette connexion), j’ai remarqué quelques similitudes bienvenues avec l’univers de Michael Haneke (mais heureusement, je n’ai pas eu une impression d’imitation). Ainsi, son style froid et son goût pour un certain immobilisme renforcent certes cette situation extrême mais montrent aussi à quel point le harcèlement peut s’intégrer dans le quotidien d’une jeune fille et que cette violence extrême a quelque chose qui peut devenir banal (et c’est ce qui choque encore plus). Le réalisateur montre aussi bien tout le paradoxe de ces ados : sans vouloir spoiler, Alejandra est aussi la cible idéale à cause de sa sexualité. Pourtant, ces agresseurs ont aussi une vie sexuelle à côté et l’exposent d’une certaine manière.

Después de Lucía : Photo

Le traitement des harcèlements est également assez réussi pour deux raisons : tout d’abord, même si on arrive à retenir quelques visages, je trouve qu’on voit bien l’effet de groupe, comme si les méchants de l’histoire n’en formaient qu’un. Puis, Franco n’a aucune pitié pour ces gosses qui eux-mêmes n’en ont pas, n’ont jamais de compassion ni d’empathie, certains n’hésitent pas à être des manipulateurs. Même si c’est quelque chose qu’on a déjà vu au cinéma (cela n’a rien d’un reproche), le réalisateur mexicain montre bien que le mal n’a pas d’âge. Surtout, et là encore, je trouve que cela renforce la violence (psychologique) qu’a ce film, ces ados, bien que leurs actes restent absolument abominables et inexcusables, ne sont pas si différents de leur victime, personnellement je n’ai pas pu m’empêcher de me dire qu’ils auraient pu être amis s’ils avaient eu une meilleure mentalité. On se dit même que d’autres de la bande avaient totalement le potentiel d’être des victimes. Là encore, même s’il y a un effet déclencheur auprès des harceleurs (qui ne justifie rien, répétons-le), on sent finalement qu’Alejandra aurait pu de toute façon être une victime pour n’importe quelle raison, cela renforce cette violence gratuite dont la jeune fille est victime. On sent aussi que le contexte est important (on sait qu’il y a un taux de violence très élevé au Mexique ou encore on comprend bien aussi que les gamins sont issus d’un milieu plutôt aisé) mais pourtant ce qui est intéressant, c’est que le film reste malgré tout universel. Después de Lucia est un film difficile à regarder, parfois insoutenable, mais je pense qu’il doit être vu, non seulement pour son traitement du harcèlement scolaire (de ce que j’ai vu, c’est LE film qui en parle vraiment le mieux) mais aussi pour ses qualités de mise en scène et d’écriture. Enfin, les acteurs sont évidemment tous impeccables, surtout Tessa Ia, absolument bouleversante et qui transmet beaucoup d’émotions alors qu’elle parle finalement assez peu, elle n’en fait jamais des caisses mais on sent qu’elle comprend parfaitement ce qu’elle joue.

Después de Lucía : Photo

Tag de la rentrée (illustration : images de films et séries)

Bonjour à tous !

Comme vous le savez déjà, j’avais très envie de me lancer dans d’autres types d’articles et voici qu’on me tend la perche ! La toujours très chouette Charlie m’a alors taguée et je me suis dit que cet article était une bonne occasion de m’exercer à un nouveau exercice (même si je suis en train de préparer plein d’autres articles, certainement plus axés vers le cinéma) et aussi de me présenter d’une certaine façon. Evidemment, comme nous sommes sur un blog cinéma, j’ai parfois tenté de faire quelques liens avec certains films même si cela n’a pas toujours été évident.

Je ne tague personne mais si vous souhaitez le faire sur vos blogs ou ici dans les commentaires, ne vous gênez surtout pas !

J’espère que cet article ne déroutera pas trop certains lecteurs. Bonne lecture et à très bientôt !

  1. Aimes-tu l’école ?

Hum… tout dépend des périodes. Gamine, j’aimais vraiment l’école. J’étais assez studieuse (enfin, je n’en faisais pas non plus des tonnes, n’exagérons rien) et enthousiaste, on me traitait d’intello (avais-je un côté tête-à-claque ? hum). Je trouvais que c’était vraiment une chance d’y aller (on dirait presque un putain de discours pour Miss France). D’ailleurs, je pense toujours que nous avons la chance de nous instruire grâce à l’école.

Ceci dit, les choses se sont dégradées au fil des années, je suis même plus ou moins sortie du système scolaire (du genre à aller dans un lycée vraiment spécial, c’est assez… indescriptible). En fait, en troisième, on me foutait justement beaucoup la pression parce que j’étais une bonne élève et j’ai tout simplement craqué (en plus j’étais dans une école de bobos insupportables), je voulais juste qu’on me foute la paix et croyez-moi, je l’ai eu (bon par contre, après, mes notes étaient moins top, je le reconnais).

Après, avec évidemment des hauts et des bas, j’ai dans l’ensemble aimé mes années de fac. Enfin, je parle surtout des trois premières années. J’aimais le fait d’être autonome et de faire enfin des études qui me plaisent. C’est très motivant même quand on a des matières casse-gueule (n’est-ce pas l’ancien français ?).

Après, depuis l’an dernier (donc le master), la fac m’excite beaucoup moins même si je tiens à avoir mon master car j’espère qu’il aura un jour son utilité (je l’espère, hein insistons sur ce terme). J’adore m’instruire, j’ai aimé travailler sur mon mémoire (et je suis excitée à l’idée d’en refaire un autre) mais je commence tout simplement à me lasser des cours (même si j’y vais par respect pour les profs), je commence à trouver cela très infantilisant (malgré l’autonomie et la liberté que nous avons à côté, ne crachons pas dans la soupe). Et alors qu’être une intello avait son côté plaisant enfant, je ne supporte vraiment plus les pseudo-élites de ma classe.

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Etais-je comme Hermione Granger à une certaine époque ? J’avais en tout cas sa même coupe de cheveux de merde !

2. Dans quelle classe passes-tu ?

En Master 2 de lettres modernes, parcours Littérature comparée.

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Dans Girls, Adam a fait des études de littérature comparée. Adam est aussi le personnage le plus bizarre de la série. Je crois que je suis censée m’inquiéter.

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3. Ta plus belle année ? 

J’ai tendance à dire ma première et ma L3 (après, je vous rassure, j’ai aussi passé d’autres bonnes années). Deux belles années donc. Principalement grâce aux copiiiines ! (et aussi aux cours, à mes humeurs, aux profs etc…).

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Je vous rassure : mes amies ne sont pas pathétiques contrairement à ce film qui n’aurait jamais dû voir le jour !

4. Quelle est ta matière préférée ?

Au collège, j’adorais l’anglais, j’étais même dans des écoles « bilingues » pour renforcer cette langue (j’ai même passé mon KET en 4e mais je l’ai loupé entre 1 à 5% près, je n’ai jamais eu la possibilité de connaître le résultat exact !). Après, au lycée, alors que je me limitais à lire du Voici et Closer (déjà), j’ai découvert la littérature (avant, je détestais lire, traumatisée par une prof de français en 5e) et j’ai tellement adoré cette matière que je suis allée en lettres modernes (comme vous le savez déjà). Après, à la fac, j’aimais en général les cours de littérature (ce qui peut aller de soi mais croyez-moi il y a des disciplines assez différentes en lettres modernes).

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J’aime beaucoup les cours de littérature. Ceci dit, je n’ai jamais eu un prof comme John Keating. Et je ne suis jamais montée sur une table en cours (croyez-moi, j’en crève d’envie !).

5. Quelle est la matière dans laquelle tu es la plus nulle ?

Au collège, j’avais clairement des difficultés en arts plastiques (du genre je ne savais pas colorier) et en sport (du genre je glandais). J’étais toujours à la ramasse ! Je me rappelle même ma prof d’arts en troisième qui avait voulu que je recommence un dessin jugeant que c’était un bébé qui l’avait fait et non par une collégienne (en l’occurrence, moi). Après, à partir de la seconde, mes deux pires ennemis ont été les maths et la SVT (et direct dès la première semaine de septembre). Enfin, à la fac, j’avais plusieurs bêtes noires : l’ancien français, les cours de phonétique et l’histoire de la langue française (ouais, c’est du lourd).

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Dans Les Visiteurs, ça a l’air chouette l’ancien français. Dans la vraie vie, c’est juste pas OKAYYYY du tout.

6. Réponds-tu à tes profs ?

Je ne peux pas dire que je répondais à mes profs (et actuellement je ne dis vraiment rien, du genre à être au fond de la classe, moitié endormie, soit à côté de la fenêtre, soit à côté du radiateur). C’est important de respecter les profs. Ceci dit, face à certaines injustices (ooohhh je suis une rebelle), disons qu’il m’est arrivé de ne pas me laisser faire.

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On peut faire confiance à Hit Girl pour ne pas se laisser se marcher sur les pieds !

7. As-tu déjà été déléguée ?

Oui, une fois, en CM1. Comment dire… c’est flatteur mais ça ne sert à rien. Vraiment à rien.

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En fait, je ne me souviens que de mon « élection ». Le reste… en fait, j’ai été inutile. Juste un peu plus populaire. Mais OSEF la popularité !

8. As-tu eu plusieurs collèges ?

Oui ! Que deux (quoi, ça fait déjà trop ?).

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Ouais, deux collèges. Et fuck youuuuu ! 😮

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9. Montre-nous ton sac de cours 

J’avoue avoir la flemme de prendre des photos. Mais on va dire que je me trimballe avec mon sac à main tout court…

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J’ai peut-être un beau sac à main pour les cours, je ne débarque pas non plus comme une pseudo fashionista qui a l’air toute fraîche. On ne peut pas tout avoir dès 9h du mat’ après avoir couru comme une dératée pour ne pas arriver à la bourre.

10. Montre-nous ta trousse 

Elle est grosse, verte et ronde. Bref, elle déchire.

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Non, Hulk, je n’ai pas piqué ta trousse, on se calme mon vieux…

11. Montre-nous ton agenda

Hum… Je n’ai plus d’agenda depuis très longtemps. Je note un peu à droite et à gauche mais je m’en sors toujours !

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Okay, je sors…

12. Tu préfères les stylos normaux ou fantaisies ?

Sérieusement, vu comme je m’emmerde par moments en cours et que je m’amuse à dessiner à peu près tout et n’importe quoi (malgré un manque de talent évident dans ce domaine), est-ce vraiment nécessaire que j’achète des stylos fantaisies ? Hum.

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Comme dans Supergrave, je suis vraiment capable de dessiner n’importe quoi quand je m’emmerde en cours (bon, okay, dans le film, Jonah Hill est juste un putain d’obsédé).

13. Ton sac est en général lourd ou léger ?

Ca dépend de ce que je fais. Lorsque je dois aller à la bibliothèque prendre un stock de livres, mon sac est lourd, cela va de soi. Mais sinon, je me débrouille pour qu’il soit le plus léger possible.

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Là, elle se marre la Matilda. Mais c’est pas si marrant que ça marcher dans la rue avec son sac plein à craquer de bouquins (qui peuvent être super méga chiants en plus).

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14. Ton sport préféré à l’école ?

Je séchais beaucoup les cours de sport à l’école. J’étais trop paresseuse, trop grasse, trop complexée. Depuis, je suis moins paresseuse, moins grasse, toujours un peu complexée et je vais tout simplement transpirer comme un porc à Keep Cool.

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Voilà, maintenant, je ressemble à peu près à Bridget (souhaitant comme elle perdre encore quelques kilos) quand je fais du sport. C’est pas joli-joli…

15. A quelle heure te couches-tu quand tu as cours ?

Ca dépend de ma fatigue, de l’heure du cours en question. Mais en général, assez tard, disons les choses.

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Et oui, je partage certains points communs avec les vampires…

16. A quelle te lèves-tu quand tu as cours ?

Bizarrement, je suis assez matinale, je ne traîne pas. Et même si je n’ai pas cours le matin, je me débrouille pour aller bosser le matin à la bibliothèque ou alors faire du sport à Keep Cool (non, je ne fais pas de pub gratuite pour cette salle de sport).

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Dès 7h du mat’, j’ai la patate (et ça peut gaver certaines personnes !).

17. Combien de temps y a-t-il entre ton établissement et ta maison ?

Ce n’est pas forcément à côté mais je ne suis pas à plaindre (même si ça m’arrive de courir comme une dératée pour arriver à l’heure).

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Après, j’aimerais bien avoir le même pouvoir que Leo dans Charmed, ça doit être très pratique…

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18. Ta popularité 

A part en 4e et 3e où je me suis retrouvée dans un bahut que je détestais (et réciproquement), je n’étais pas populaire (j’ai toujours été « différente ») mais on va dire que j’arrivais quand même à me fondre et je suis quelqu’un de sociable, je m’en sortais. Et c’est encore plus vrai depuis que je suis à la fac. Après, honnêtement, on s’en cogne un peu de la popularité. Le principal est de traîner avec des gens qu’on aime, pas s’entourer de profonds connards hypocrites !

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Si ça peut en rassurer certain(e)s : être populaire ne signifie pas pour autant que vous avez un cerveau.

19. Tes profs sont-ils bons ou non ?

Je ne suis qu’une élève, j’ai envie de dire : je suis qui pour juger les compétences d’un prof ? Après, cela ne m’empêche d’avoir un jugement sur mes profs. Dans l’ensemble, que ce soit au collège, au lycée ou à la fac, j’ai eu des bons profs, des gens doués et qui savaient transmettre leur savoir. Dans le lot, j’en ai quand même des mauvais dans le sens où je pense qu’ils n’avaient pas une bonne approche pédagogique et après j’admets aussi que j’ai parfois eu un mauvais contact avec certains d’entre eux. Mais je n’aime pas trop dire du mal des profs, je trouve qu’ils s’en prennent suffisamment plein la gueule tous les jours. Même si je suis décidée à ne pas devenir prof, il est pour moi primordial de respecter ce métier difficile (oui, j’insiste sur le terme difficile).

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J’ai eu de bons profs. De très profs. Bon, par contre, très peu avait le sex appeal d’Adrien Brody…

Un, dos, tres

Créée par Ernesto Pozuello, Pilar Nadal, Daniel Ecjia, Jesus del Cerro et Juan Carlos Cueto

avec Monica Cruz, Beatriz Luengo, Pablo Puyol, Miguel Angel Munoz, Silvia Marty, Dafne Fernandez, Lola Herrera, Raul Pena, Fanny Gautier, Beatriz Rico, Victor Mosqueira, Alfonso Lara, Toni Acosta, Pedro Pena…

titre original : Un Paso Adelante

Série musicale espagnole.  6 saisons. 2002-2005.

Les amours, peines et problèmes d’une bande de jeunes dans une école supérieure d’arts scéniques très réputée de Madrid. Ils y apprennent la danse, le chant, la musique, le théâtre… pour devenir de véritables artistes.

Un, dos, tres : Photo

Le décès de Pedro Pena (Antonio, le concierge de l’école) et la participation de Miguel Angel Munoz (Roberto) à Danse avec les stars ce mois-ci m’ont fait penser à la rédaction de ce billet. Un, dos, tres, était diffusée sur M6 en access prime-time et a été connue principalement à cause de l’une de ses principales interprètes, Monica Cruz, la soeur de Penélope. Objectivement parlant, cette série, qui a d’ailleurs assez mal vieillie (tout parait kitsch), était naze et pourtant j’ai regardé durant mon adolescence toutes les saisons (on ne me juge pas). Pire, j’ai même revu à plusieurs reprises l’intégralité lors de ses rediffusions (on ne me juge pas *bis*)Un, dos, tres suivait une bande de jeunes voulant devenir des stars de la danse, de la musique, du théâtre ou du cinéma (ou les quatre à la fois). Mais il faut être réaliste, on ne regardait pas vraiment Un, dos, tres pour les trois chorégraphies foireuses (et très mal filmées), dignes de Kamel Ouali (et oui, j’ai aussi regardé la Star Ac’) avec les danseurs à moitié à poil.

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Non, on regardait que pour les coucheries des uns et des autres. Voici un petit résumé :

– Roberto (le bellâtre qui met son col de chemise en l’air !) sort d’abord avec Silvia (la rousse) puis avec Marta (la soeur d’Adela). Il découvre également qu’il a un gosse. Silvia est également sortie avec Horacio, le mec de sa tante Alicia (très saine cette famille)

– Lola, vierge au début de la série (parce que c’est une sainte-nitouche), se rattrape vite : elle s’est tapée Jero (dur de commencer sa vie sexuelle avec un personnage aussi inexistant), Pavel, Pedro (l’homme de sa life, le gentil fils de pêcheur qui pécho) et enfin Nacho (le sosie de Juanes).

– Juan (le prof qui porte que des t-shirts Queen) sort un moment avec Diana, mais il la trompe avec son élève Ingrid (toujours la fameuse rousse), puis Diana veut un gosse (mais se fiche royalement de Juan). Juan s’exécute (parce queeeee) et un petit Juanito pointe son nez. Puis, Juan finira avec J.J.. Quant à Diana, elle part avec son gosse et avec Cristobal.

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Mais il n’y avait que ça, pour notre plus grand bonheur : Silvia qui avorte, Erika qui avorte aussi (décidément), Marta qui a des problèmes cardiaques mais qui danse parce que la danse c’est toute sa vie (blablabla), Adela l’ancienne stripteaseuse droguée (la drogue, c’est mal), Pedro qui fait également du striptease (là aussi décidément), Cristobal qui double des films pornos, Paula (la belle-mère de Lola) est une ancienne prostituée, JJ l’écolo sportive… La pauvre Carmen Arranz avait du boulot dans cette école ! Les scénaristes d’Un, Dos, Tres étaient visiblement très inspirés. Les situations, vues et revues, étaient parfois complètement tirées par les cheveux. Bref, la série tournait souvent autour des problèmes de sexe et aussi d’argent. Elle était également très répétitive puisqu’on voyait très régulièrement les élèves postuler à des castings et passer beaucoup de temps dans les vestiaires. De plus, au fil des saisons, la série était de plus en plus mauvaise et on a droit à une dernière saison particulièrement catastrophique (à côté, les premières saisons étaient bonnes, pour vous dire à quel point on avait touché le fond). Grâce (enfin, j’ai envie de dire « à cause ») à la série, le groupe UPA Dance (UPA sont les initiales d’Un Paso Adelante, le titre original de la série) va naître. Evidemment ça fait saigner les oreilles (là, t’arrives presque à te dire : tiens, c’était pas si mal que ça les 2be3) à part (apparemment) celles des L5 qui avaient adapté l’une de leurs chansons (ainsi Once again était devenu Retiens-moi). Evidemment, pour ne rien arranger, les acteurs étaient tous très mauvais, certains rendant ainsi leurs personnages encore plus agaçants.

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Suneung

réalisé par Shin Su-Won

avec David Lee, Sung June, Kim Kkob-Bi…

titre original : Myungwangseong

Thriller sud-coréen. 1h47. 2013.

sortie française : 9 avril 2014

Suneung

Yujin, élève de terminale promis à un avenir brillant, est retrouvé assassiné. Très rapidement, les soupçons se portent sur June, l’un de ses camarades de classe. Mais en remontant le fil des événements, c’est un univers d’ultra-compétition et de cruauté qui se fait jour au sein de ce lycée d’élite, où la réussite au « Suneung », l’examen final qui conditionne l’entrée des élèves dans les meilleures universités, est une obsession. Pour obtenir la première place, certains sont prêts à tout, et même au pire…

Suneung : Photo

La réalisatrice Shin Su-Won, qui signe ici son deuxième film, était auparavant enseignante. Il était alors logique qu’elle réalise un film qui se passe dans le milieu scolaire. En Corée du Sud, les gamins sont sans cesse sous pression. En effet, à la fin du lycée, les élèves passent le « Suneung », un important examen qui permet de rentrer dans les plus prestigieuses universités du pays. Pour pouvoir y accéder, il faut être le meilleur car les places sont chères. Les élèves et leurs parents sont alors prêts à tout comme par exemple suivre des cours particuliers très coûteux (donc les riches ont plus de chances de réussir ce concours d’entrée) ou mettre en place des systèmes de triche. Suneung montre non seulement les nombreux coups bas de ces élèves très compétitifs mais également à quel point l’envie de réussir peut aller dangereusement loin, transformant ainsi les élèves en monstres. Il montre également à quel point ce système scolaire peut fragiliser certains élèves. En effet, c’est à cause de cette pression permanente que le taux de suicide en Corée du Sud est assez élevé. Le personnage principal du film est June qui sera accusé du meurtre de Yujin, le meilleur élève de sa classe. L’a-t-il tué ? Sous forme de flashbacks, le film retrace les quelques mois de June, rejeté car il vient d’un milieu modeste, en compagnie de Yujin et ses amis, qui veulent être les meilleurs.

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Au début, je n’ai pas vraiment aimé la manière dont les flashbacks s’inséraient car on ne voyait pas trop la différence entre le passé et le présent, la frontière est vraiment floue, c’est peut-être d’ailleurs le vrai défaut de ce film. En plus, il y a au début du film quelques petits problèmes de rythme. Mais une fois qu’on comprend enfin le procédé, grâce notamment à un réel suspense qui a su s’installer, on rentre vraiment dans l’histoire et on a réellement envie de découvrir la vérité et connaître l’issue finale. Les personnages sont également intéressants. J’ai par exemple apprécié le lien entre June et la théorie qu’il explique sur Pluton (d’ailleurs, Pluto est le titre original de ce film, ce qui appuie plus sur la dimension poétique de certains passages), qui souligne encore plus la solitude et le rabaissement de ce personnage. Quant à Yujin, l’élève assassiné qu’on retrouve dans les nombreux flashbacks, il est un personnage complexe, cruel mais victime des pressions familiales. En conclusion, le trop méconnu Suneung est dans l’ensemble un bon film, à la fois dérangeant et poétique, même s’il n’atteint pas non plus le niveau de certains autres films coréens, pour moi actuellement les plus doués dans le thriller et le genre policier. Mais c’est quand même une petite réussite, c’est déjà ça.

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