The Disaster Artist

réalisé par James Franco

avec James Franco, Dave Franco, Seth Rogen, Alison Brie, Ari Graynor, Jacki Weaver, Josh Hutcherson, Zac Efron, Bryan Cranston, Sharon Stone, Melanie Griffith, Christopher Mintz-Plass, Judd Apatow, Megan Mullaly….

Comédie dramatique, biopic américain. 1h40. 2017.

sortie française : 7 mars 2018

En 2003, Tommy Wiseau, artiste passionné mais totalement étranger au milieu du cinéma, entreprend de réaliser un film. Sans savoir vraiment comment s’y prendre, il se lance … et signe THE ROOM, le plus grand nanar de tous les temps. Comme quoi, il n’y a pas qu’une seule méthode pour devenir une légende !

The Disaster Artist : Photo James Franco

The Room de et avec Tommy Wiseau (et même produit par Wiseau !) est devenu malgré lui un film culte grâce à sa légendaire médiocrité. Oui, j’ai regardé le film par pure curiosité il y a quelques années : il est certain que je m’en souviens bien pour de mauvaises raisons. Deux choses (contradictoires) me gênent dans ce phénomène The Room qui semble avoir particulièrement explosé cette année (avec la sortie du film de Franco). Soit on expose Wiseau comme une bête de foire durant des séances spéciales soit certains diront très sérieusement que Wiseau est justement un génie. Même le comportement de Wiseau est parfois problématique dans le sens où il a tenté de justifier son film catastrophique quelques années plus tard  en « expliquant » qu’il s’agissait soi-disant d’une comédie noire. Si je comprends qu’on parle encore de The Room, qu’on en rigole même, il ne faut juste pas oublier que c’est un avant tout un drame pitoyable vaguement inspiré des pièces de Tennesse Williams ! Greg Sestero, un des acteurs principaux de The Room (et accessoirement un des meilleures potes actuels de Wiseau), a co-écrit avec Tom Bissell l’ouvrage The Disaster Artist : Ma vie avec The Room, le film le plus génialement nul de l’histoire du cinéma, adapté donc par James Franco. Vu le phénomène autour de The Room, j’avais peur que Franco se moque lui aussi ouvertement de Tommy Wiseau. Franco est toujours respectueux avec cet homme dont on ne saura finalement jamais rien. On sent qu’il est même admiratif de son parcours et de sa personnalité hors normes. Franco se met dans la peau de Wiseau pour tourner The Room : non seulement il l’incarne (son imitation est plus que crédible tout en laissant émaner une certaine humanité), mais il a aussi réalisé et produit le film. De plus, Wiseau a calé dans l’aventure son meilleur ami Greg Sestero, Franco a alors mis ses amis et les amis de ses amis : son frère Dave Franco incarne avec conviction le meilleur ami (j’avais peur que ça soit bizarre de voir deux frères interpréter deux amis mais ça passe), sa belle-soeur Alison Brie (son personnage n’est hélas pas suffisamment exploité alors que sa rupture avec Sestero est clairement liée avec le tournage de The Room) ou encore ses amis (Judd Apatow, Seth Rogen…). The Disaster Artist a le mérite d’être un film fait avec le coeur, qui suit toujours sa propre logique et surtout, comme je le disais avant, bienveillant avec le personnage de Wiseau, alors qu’on aurait tendance à vouloir rire de lui.

The Disaster Artist : Photo James Franco

Cela dit, si l’ensemble reste pour moi plus que satisfaisant voire même plaisant, la bienveillance qu’a James Franco est finalement parfois problématique pour ne pas dire frustrante. A force d’éprouver de l’admiration pour Wiseau, Franco passe parfois à côté de certains des thèmes mis en place dans le scénario. Par exemple, l’axe concernant la relation entre Greg Sestero et sa copine est bâclé : elle montrait à l’origine comment l’amitié et les relations au travail entre Sestero et Wiseau ont plombé la vie privée du premier. Là on passe vite fait sur la rupture (et apparemment, le bouquin d’origine insiste davantage sur ce point pour appuyer la toxicité de ce tournage. Il est également dommage de ne pas avoir insisté davantage sur Wiseau qui ressemblerait presque à un personnage fictif vu sa bizarrerie et les mystères autour de sa vie (on serait presque ici dans l’anti-biopic sur le papier). Enfin, à force de se concentrer sur cette histoire d’amitié, le film passe aussi à côté de la carrière bousillée de Greg Sestero (enfin, même si dès le début, il ne faisait pas non plus preuve d’un grand talent) par cette amitié et ce tournage chaotique. Je pense aussi que The Disaster Artist est plutôt adressé aux spectateurs qui ont déjà vu The Room. Je ne dis pas qu’on ne peut pas apprécier le film de Franco sans l’avoir vu, et on le comprend heureusement sans l’avoir vu, surtout que Franco expose bien à la fin quelques images avec les véritables Wiseau et Sestero. Il reconstitue même, comme le montre sa dernière scène, qu’il a su reconstituer les scènes cultes de The Room pratiquement avec exactitude (la comparaison est visible avec les deux scènes côte à côté sur la même image se déroulant en même temps). Mais on sent tout de même que Franco exclut par moments ceux qui n’auraient pas vu The Room. En fait, The Disaster Artist est finalement un sympathique et inoffensif, romançant un peu trop la célébrité de Wiseau autour de The Room (en réalité, elle n’a pas été immédiate) qui expose une jolie success story à l’envers et une histoire d’amitié née autour de la lose. Mais il a du mal à aller plus loin, à être plus pertinent alors qu’il en avait les possibilités. Il s’agit donc d’un film intéressant mais qui ne restera pas dans les annales malgré un énorme potentiel pas suffisamment exploité.

The Disaster Artist : Photo

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La Promesse de l’aube

réalisé par Eric Barbier

avec Pierre Niney, Charlotte Gainsbourg, Pawel Puchalski, Nemo Schiffman, Jean-Pierre Darroussin, Didier Bourdon, Finnegan Oldfield, Catherine McCormack…

Comédie dramatique française. 2h10. 2017.

sortie française : 20 décembre 2017

De son enfance difficile en Pologne en passant par son adolescence sous le soleil de Nice, jusqu’à ses exploits d’aviateur en Afrique pendant la Seconde Guerre mondiale… Romain Gary a vécu une vie extraordinaire. Mais cet acharnement à vivre mille vies, à devenir un grand homme et un écrivain célèbre, c’est à Nina, sa mère, qu’il le doit. C’est l’amour fou de cette mère attachante et excentrique qui fera de lui un des romanciers majeurs du XXème siècle, à la vie pleine de rebondissements, de passions et de mystères. Mais cet amour maternel sans bornes sera aussi son fardeau pour la vie…

La Promesse de l'aube : Photo Pierre Niney

Cela fait un petit moment que je m’intéresse à cette nouvelle adaptation de La Promesse de l’aube (Jules Dassin en avait signé une première en 1970 avec Melina Mercouri dans le rôle principal). J’avais signalé l’information à la fin de mon mémoire (en master 1) en 2015 en apprenant le projet. Je me situais dans une position pas toujours évidente en tant que spectatrice-lectrice. D’un côté, je devais découvrir le film comme une spectatrice lambda, sans prendre en compte de ce que je savais du texte d’origine et de l’auteur. De l’autre, je ne pouvais pas non plus ignorer mon expérience de lectrice-étudiante acharnée sur ce roman autobiographique pendant des mois. J’ai pu voir le film en avant-première en présence d’Eric Barbier ainsi que du très sympathique Pierre Niney. Les différentes réponses que le réalisateur a données, notamment à des fans et connaisseurs du roman et plus globalement de Romain Gary (qui avaient l’air sceptiques sur certains points) m’ont bien confirmé un petit souci d’interprétation du texte (ou en tout cas un refus de le mettre en scène). En effet, cette adaptation prend certainement un peu trop le roman au tout premier degré, tel qu’on le ferait étudier à des collégiens de 3e dans le cadre d’une séquence sur l’autobiographie. Par ailleurs, le long-métrage n’a pas pour simple ambition d’être uniquement une adaptation du texte de Gary : il exploite aussi le côté « biopic ». Vous allez me dire, Barbier adapte une autobiographie donc c’est logique qu’il y ait cette dimension biopic dans le long-métrage, les frontières entre les termes étant parfois floues. Mais le film aurait pu très bien exister sans ce côté-là non plus parfois très appuyé (notamment la fin). Bref, on ne va donc pas tourner autour du pot : oui, La Promesse de l’aube est une adaptation très classique, peut-être même un peu trop scolaire (et qu’on diffuse volontiers durant les cours de français, oui on a TOUS connu ça). La voix-off ne nous aide pas non plus à nous détacher de cette vision très académique. Oui, j’aurais également aimé qu’on prenne plus en compte la dimension plus profonde et, à mon avis, plus intéressante du texte de Gary. La mise en scène d’Eric Barbier n’est pas très inventive, loin de là. Elle reste tout de même adaptée par rapport à ce qu’on attend de ce type de grande production (qu’on ne voit pas tout le temps en France). Bref, Barbier remplit le cahier des charges mais ne parvient pas à aller au-delà.

La Promesse de l'aube : Photo Charlotte Gainsbourg, Pawel Puchalski

Cela dit, on ne peut pas non plus cracher sur tout. Si ce long-métrage filmé platement se veut parfois un peu larmoyant, on sera en revanche plus séduit par les scènes davantage « humoristiques ». On remarque également de beaux décors, une chouette reconstitution historique, des scènes de guerre certes pas spectaculaires mais soignées ou encore une photographie bien choisie. Dans l’ensemble, nous pouvons également dire que le film remplit son contrat de film grand public : le romanesque, l’action, « l’émotion », le sujet fort (les relations fortes et compliquées de Gary qui ne vit qu’à partir des rêves de sa mère possessives), il y a sur le papier beaucoup de choses qui peuvent plaire et qui fonctionnent un minimum  à l’écran. Les 2h10 passent également relativement vite, l’histoire restant tout de même assez prenante. Côté interprétation, je suis assez partagée. Je vais commencer par le gros point positif de la distribution : Charlotte Gainsbourg. Tout simplement phénoménale. Une de ses plus belles interprétations de sa carrière (dommage que ce soit pour un film moyen). Je ne voyais pas spécialement Gainsbourg incarner ce personnage (et pourtant, j’aime globalement bien cette actrice). Mais finalement, ce rôle à contre-emploi de sa personnalité lui va à merveille ! L’amour maternel profond et sincère, la sévérité ou encore la théâtralité dans le bon sens du terme (certainement le seul indice possible à détecter concernant la mythomanie présente dans le texte d’origine) sont ce qui définissent le personnage de Nina Kacew. Son interprétation aurait pu être très grossière, notamment avec ce travail sur l’accent (au passage, épatant). Mais Gainsbourg livre une composition bien plus pertinente et apporte à cette oeuvre assez académique une réelle émotion. Pierre Niney est également remarquable dans le rôle de Romain Gary, presque une évidence. Le jeune acteur franco-polonais Pawel Puchalski (interprétant Romain Gary enfant) est également impressionnant pour son jeune âge. En revanche, Nemo Schiffman (Gary adolescent) m’a moins convaincue mais il faut dire aussi qu’on ne le voit pas non plus des masses (et c’est finalement un peu la même chose pour Finnegan Oldfield). Surtout, on se demande ce que foutent Didier Bourdon et Jean-Pierre Darroussin, pratiquement des erreurs de casting. La Promesse de l’aube est une adaptation un peu trop sage du chef-d’oeuvre de Romain Gary : un peu trop convenu et manquant un peu de personnalité, le travail de Barbier reste tout de même propre et agréable.

La Promesse de l'aube : Photo Pierre Niney

Kill Your Darlings

réalisé par John Krokidas

avec Daniel Radcliffe, Dane DeHaan, Michael C. Hall, Jack Huston, Ben Foster, David Cross, Jennifer Jason Leigh, Elizabeth Olsen, Kyra Sedgwick, Erin Darke…

Drame, biopic américain. 1h43. 2013.

sortie française : 28 mai 2016 (vod)

Movie Challenge 2016 : Un biopic historique

killyourdarlings

Allen Ginsberg, Jack Kerouac, William Burroughs… ils sont les plus grands écrivains américains du 20ème siècle. Kill your Darlings retrace l’histoire de leur rencontre et de leur révolte contre la société américaine. Au milieu d’une frénésie de fêtes, d’alcool et de passions interdites, tous ces jeunes gens enflammés perdent peu à peu leurs repères… jusqu’au meurtre.

Kill Your Darlings - Obsession meurtrière : Photo Dane DeHaan, Daniel Radcliffe

Comme vous le savez certainement, j’aime la littérature (enfin dans un sens assez large, je ne prétends pas être Bernard Pivot – mais j’ai quand même été cinq ans étudiante en lettres) mais je ne me suis jamais intéressée à toute cette bande d’auteurs et de poètes de la Beat Generation (allez savoir pourquoi). Avec l’adaptation du roman de Jack Kerouac Sur la route par Walter Salles, j’avais déjà commencé (très vaguement) à m’initier doucement à ce mouvement littéraire même si finalement j’ai de nouveau repoussé mon envie de nouvelles découvertes littéraires (le film en question ne m’ayant pas plu). Kill Your Darlings, qui est basé sur Et les hippopotames ont bouilli vifs dans leurs piscines (écrit par Jack Kerouac et William Burroughs, publié qu’en 2012) pouvait être pour moi ce déclic que j’attendais tant. Je ne dois également m’en cacher : je l’ai aussi regardé pour Daniel Radcliffe (non ne faites pas genre que vous êtes surprise : si tu suis ce blog, tu es forcément au courant de mon crush pour lui). Ce long-métrage se présente comme une sorte de mix entre le biopic (même si pour le Movie Challenge, j’ai un peu arrondi la chose en le classant vaguement dans biopic historique) et le drame voire même le thriller. Je n’ai jamais rien eu contre les mélanges de genre, loin de là, mais j’ai senti le jeune et inexpérimenté réalisateur John Krokidas (il signe ici son premier long-métrage) trop hésitant entre les deux genres en question. Et pas qu’entre les genres d’ailleurs. Il est hésitant sur trop de choses, dans la manière d’aborder ses différents thèmes et même les personnages. Finalement Kill Your Darlings est un film très inintéressant qui ne nous aidera à nous intéresser à la Beat Generation (et à ses auteurs fondateurs) ni certainement aux fans de ce mouvement en question. Je me suis vraiment foutue royalement de ce qui pouvait bien se passer à l’écran. J’ai trouvé le film atrocement long, interminable ! L’intrigue met une plombe à se mettre en place. C’est méchant de dire ça mais je ne suis pas étonnée que ce film ait mis une plombe à sortir en vod en France (vous savez pourtant que ces nouveaux systèmes d’exploitation me gonflent profondément). Le pire, c’est quand le film tente vaguement de montrer la tension homosexuelle entre les différents personnages : ça tombe complètement à plat. Pareil d’ailleurs dès qu’on insère un peu des histoires de drogues dans le scénario : ça paraît trop superficiel. De plus, les relations entre les personnages sont soi-disant ambiguës, j’ai juste envie de dire : mouais.

Kill Your Darlings - Obsession meurtrière : Photo

Surtout, et c’est déjà ce que j’avais ressenti dans l’adaptation de Sur la route, c’est que ça manque de littérature alors qu’on parle bien d’auteurs hyper connus. Quand je dis ça, je ne m’attendais pas forcément à voir quelque chose de sirupeux. Ce que je veux dire, c’est qu’on finit par oublier qu’on parle ici d’auteurs engagés, qui ont changé une partie de la littérature. John Krokidas passe trop vite sur l’importance même de ces gens. Surtout quand on sait que ce fait finalement très anecdotique sur l’éditeur Lucien Carr (et l’assassinat qu’il a commis) a eu une influence importante pour les auteurs présents dans le film. Au-delà d’un mauvais traitement de sujet (pourtant à l’origine certainement intéressant), la mise en scène est assez décevante. Pas honteuse non plus (j’ai certainement vu pire) mais elle manque vraiment de consistance et surtout de personnalité. Cela dit, je dois admettre qu’il y a plutôt une sympathique reconstitution des années 40. Heureusement aussi, le casting reste tout de même assez bon (surtout face à un résultat assez mauvais) et tente vaguement de remonter le niveau. Daniel Radcliffe s’en sort plutôt bien dans le rôle d’Allen Ginsberg même si je l’ai trouvé parfois mal à l’aise (après c’est aussi le rôle qui veut donner cette impression de jeune garçon paumé). Pour être honnête, j’ai été plus impressionnée par ses partenaires, en particulier Dane DeHaan (décidément en ce moment on le voit partout) qui semble davantage être habité par son personnage. Il parvient bien à rendre son personnage en même temps attachant et fourbe. Michael C. Hall (la star des séries Dexter et Six Feet Under) livre également une remarquable interprétation vu les circonstances. Même si son personnage ne sont pas particulièrement bien écrit (un peu comme tous les personnages d’ailleurs), j’ai tout de même trouvé Jack Huston également bon en Jack Kerouac, en tout cas on sent que cet acteur a un vrai potentiel depuis un bon moment et qu’il vaut bien mieux que ce film médiocre. On voit peu Ben Foster (ici en William Burroughs) mais il assure une belle et énigmatique présence, on sent bien en peu de scènes le côté torturé du personnage. Enfin, Jennifer Jason Leigh et David Cross sont également bons (comme souvent) même si leurs rôles restent assez secondaires.

Kill Your Darlings - Obsession meurtrière : Photo

The Spectacular Now

réalisé par James Ponsoldt

avec Miles Teller, Shailene Woodley, Brie Larson, Kyle Chandler, Bob Odenkirk, Mary Elizabeth Winstead, Kaitlyn Dever, Andre Royo, Jennifer Jason Leigh…

Comédie dramatique américaine. 1h35. 2013.

sortie française : 8 janvier 2014

The Spectacular Now

Sutter est un adolescent brillant, drôle, charmant… et très porté sur la boisson. Son quotidien est chamboulé par sa rencontre avec la timide Aimee, une jeune femme totalement différente de lui.

The Spectacular Now : Photo Miles Teller, Shailene Woodley

L’alcoolisme est un sujet que James Ponsoldt connait plutôt bien : en effet, son précédent film Smashed mettait en scène une épatante Mary Elizabeth Winstead qui incarnait une jeune institutrice tentant de sortir de cette spirale infernale (le combat étant encore plus difficile à cause de son mari, également alcoolique, interprété par un remarquable Aaron Paul). Le réalisateur, qui adapte le très bon roman de Tim Tharp, s’attaque toujours à l’alcoolisme mais cette fois-ci chez les plus jeunes. Scott Neustadter et Michael H. Weber (scénaristes de Nos Etoiles Contraires ou de (500) Jours Ensemble) ont coupé beaucoup de passages du roman. Au début, cela peut être perturbant car ces chapitres en question permettaient de mieux cerner Sutter, le personnage principal masculin. Cependant, même si j’avais compris la démarche de l’auteur Tim Tharp, il faut avouer que le début était un peu trop long et que la fameuse Aimee arrive relativement tard. Au final, les deux scénaristes ont fait un travail d’adaptation remarquable. Ils ont su garder l’essentiel de l’histoire, ce qui permet à ce film plutôt court d’être rythmé et de mieux saisir les enjeux proposés. Ainsi, on voit rapidement le mode de vie de Sutter et au lieu de l’attendre une plombe, Aimee intervient rapidement dans l’histoire.

The Spectacular Now : Photo Miles Teller, Shailene Woodley

Ponsoldt et ses scénaristes ont pour moi bien traité l’alcoolisme et l’adolescence à la fois, en évitant plutôt les clichés et en faisant plutôt appel à la subtilité. La romance entre Sutter et Aimee est également très touchante. Le seul truc qui est plutôt dommage est la fin, différente du bouquin : je n’ai rien contre le fait de faire des modifications, mais cette scène finale, qui dure pourtant peu, peut être dérangeante car je trouve qu’elle détruit tout ce qui s’était mis en place : tout d’abord, l’alcoolisme détruit l’alcoolique et ceux qui l’entourent. Puis, devenir adulte est quelque chose difficile. Même si l’histoire d’amour entre ces deux adolescents est attachante, on peut tout de même la remettre en question selon un point de vue que j’adopte, qui me semble intéressant. Un lien idyllique se crée forcément entre les deux mais sont-ils vraiment amoureux ? En lisant le bouquin puis en regardant le film, je me suis posée la question. En effet, Sutter aime sûrement bien Aimee mais il la détruit en la rendant à son tour alcoolique. Quant à Aimee, on a l’impression qu’elle aime Sutter parce que ce dernier est le seul à s’intéresser à elle. En tout cas, le duo formé par le charismatique Miles Teller et l’adorable Shailene Woodley fonctionne vraiment bien. Même s’il n’est pas parfait et qu’il n’a rien de spectaculaire, quelque chose fonctionne dans ce film indépendant intelligent et charmant à la fois.

The Spectacular Now : Photo Shailene Woodley

Real

réalisé par Kiyoshi Kurosawa

avec Takeru Sato, Haruka Ayase, Jô Odagiri, Shôta Sometani…

titre original : Riaru : Kanzen naru kubinagaryû no hi

Film de science-fiction japonais. 2h07. 2012.

sortie française : 26 mars 2014

Real

Atsumi, talentueuse dessinatrice de mangas, se retrouve plongée dans le coma après avoir tenté de mettre fin à ses jours. Son petit-ami Koichi ne comprend pas cet acte insensé, d’autant qu’ils s’aimaient passionnément. Afin de la ramener dans le réel, il rejoint un programme novateur permettant de pénétrer dans l’inconscient de sa compagne. Mais le système l’envoie-t-il vraiment là où il croit ?

Real : Photo

Ce dernier long-métrage de Kiyoshi Kurosawa est une adaptation du roman de Rokuro Inui qui s’intitule A perfect day for Plesiosaur. Le réalisateur japonais met en scène un jeune homme qui entre en contact avec l’esprit de sa petite-amie, qui est plongée dans un coma suite à une tentative de suicide. Même s’il ne s’agit pas forcément de la même chose, on peut tout de même penser à certains films comme Eternal Sunshine of the Spotless mind de Michel Gondry, Paprika du regretté Satoshi Kon, Inception de Christopher Nolan ou en passant par l’univers de Philip K. Dick en ce qui concerne la littérature. En effet, toutes ces oeuvres exploitaient le thème de la conscience. Peut-on savoir ce qui se passe dans notre conscience ? Comment peut-on y pénétrer ? En quoi cette conscience peut-elle avoir une influence sur la vie réelle ? Real emprunte ces même questions qui ont déjà habité certains auteurs ou réalisateurs. Heureusement, je n’ai pas eu cette impression de déjà-vu. Le film mélange habilement les genres, comme la science-fiction, le fantastique, la romance, le manga, le film de monstre et même le conte, ou encore les effets spéciaux, plutôt réussis, s’insèrent bien avec la poésie dégagée.

Real : Photo

Le sujet peut sembler compliqué, le fait notamment qu’il y ait cette alternance entre réel et irréel, et ce voyage dans la conscience / inconscience et même les consciences / inconsciences. Cependant, Kurosawa fait tout pour rendre son film accessible. Le film dure deux heures, pourtant le temps passe plutôt vite (j’ai légèrement ressenti les longueurs les dernières minutes finales mais dans l’ensemble je ne me suis pas ennuyée), car Kurosawa a su écrire un scénario dynamique (même si le gros twist, qui relance pourtant bien l’intrigue, se devine très rapidement) et cohérent et sa mise en scène est précise et efficace. Grâce au procédé qui explore les frontières de la conscience, Real pourrait finalement être dans la continuité de Shokuzai et même de Kairo, notamment le fait que le film montre le poids des fantômes du passé sur le présent qui a fait naître un sentiment de culpabilité pesant. Au-delà des questions sur la réalité et la conscience, Kurosawa met en scène une touchante et sincère histoire d’amour, qui évite de tomber dans la niaiserie. La seule chose qui m’a un peu dérangée est le dinosaure. L’animal n’a rien de choquant d’un point de vue technique (il arrive plutôt bien à s’incruster dans le décor réel), il a une forte charge symbolique, représentant ainsi le passé, mais la manière dont il apparaît peut paraître un peu grotesque, kitsch.

Real : Photo

Viva la libertà !

réalisé par Roberto Ando

avec Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Valeria Bruni Tedeschi, Michela Cescon, Renato Scarpa, Eric Nguyen, Judith Davis, Andrea Renzi…

Comédie italienne. 1h34. 2013.

sortie française : 5 février 2014

Viva La Libertà

Enrico Oliveri, secrétaire général du parti de l’opposition est inquiet : les sondages le donnent perdant. Un soir, il disparaît brusquement laissant une note laconique. C’est la panique au sein du parti, tout le monde s’interroge pour essayer de comprendre les raisons de sa fuite pendant que son conseiller Andrea Bottini et sa femme Anna se creusent la tête pour trouver une solution. C’est Anna qui évoque en premier le nom du frère jumeau du secrétaire général, Giovanni Ernani, un philosophe de génie, atteint de dépression bipolaire. Andrea décide de le rencontrer et élabore un plan dangereux…

Viva La Libertà : Photo Toni Servillo

Roberto Ando adapte son propre roman, Le Trône Vide. En voyant le sujet, on ne peut s’empêcher à l’excellent film Habemus Papam, réalisé par son compatriote Nanni Moretti: en effet, un homme qui a de hautes responsabilités prend la fuite. Comment réagir face à cette situation ? Dans le film de Moretti, on faisait vaguement croire que le Pape se cachait derrière les rideaux de sa fenêtre. Ici, Ando utilise merveilleusement la vieille stratégie du jumeau. Heureusement que la comparaison s’arrête là, même si on peut conclure que le cinéma italien propose toujours des films à la hauteur. Le scénario est en tout cas un des points forts de ce film. Malgré quelques flottements, notamment dans la partie qui se déroule en France, la mise en scène est dans l’ensemble plutôt bonne, proposant parfois quelques idées astucieuses. Il faut tout de même remercier ce cher Toni Servillo, toujours aussi classe et probablement un des meilleurs acteurs de notre époque. Sans sa performance, je ne suis pas sûre que le film aurait pu autant bien fonctionner. Au bout d’un moment, j’avais vraiment l’impression de voir presque deux acteurs différents qui se ressembleraient physiquement. D’un côté, il arrive totalement à incarner la froideur d’Enrico et de l’autre le jovial Giovanni. Servillo est à l’aise dans le rôle du politicien, rappelant son rôle dans Il Divo de Paolo Sorrentino, dans lequel il était un épatant Giulio Andreotti. Il est également très à l’aise dans le rôle de ce professeur de philosophie fou, qui finit par nous séduire par ses mots, permettant ainsi au film d’aborder des thèmes sérieux sur un ton léger.

Viva La Libertà : Photo Toni Servillo, Valerio Mastandrea

La fin est particulièrement intelligente : elle a un côté mystérieux et même schizophrène. On ne sait pas si on a en face Enrico ou Giovanni mais finalement c’est comme si les deux étaient enfin réunis pour ne former qu’une seule personne. Tout le casting est d’ailleurs très convaincant, notamment Valerio Mastandrea, qui a remporté le Donatello du meilleur acteur dans un second rôle. Au-delà de l’exercice théâtral parfaitement maîtrisé, le propos du film est particulièrement saisissant : la politique et le cinéma sont deux « arts » plus proches qu’ils en ont l’air grâce à l’emploi des mots. Les discours de Giovanni, totalement improvisés, séduisent grâce à leur spontanéité mais leur poids et le rythme. Les mots ont finalement une responsabilité dans l’engagement politique, redonnant ainsi de l’espoir à ceux qui n’en ont plus. Ils montrent aussi l’assurance, la confiance et même le pouvoir, de ceux qui les prononcent, c’est-à-dire les politiciens, qui deviennent des acteurs face au public citoyen. Enfin, le réalisateur s’interroge également sur la réelle définition de la folie : en effet, Giovanni est-il vraiment le plus fou des deux frères ? En fuyant ses responsabilités politiques, qui pourrait avoir des conséquences sur le destin de son pays, Enrico est aussi en quelque sorte un fou.

 Viva La Libertà : Photo Saskia Vester, Toni Servillo

L’amour est un crime parfait

réalisé par Jean-Marie et Arnaud Larrieu

avec Mathieu Amalric, Karin Viard, Maiwenn, Sara Forestier, Denis Podalydès, Marion Duval…

Thriller français. 1h50. 2013.

sortie française : 15 janvier 2014

L'Amour est un crime parfait

Professeur de littérature à l’université de Lausanne, Marc a la réputation de collectionner les aventures amoureuses avec ses étudiantes. Quelques jours après la disparition de la plus brillante d’entre elles qui était sa dernière conquête, il rencontre Anna qui cherche à en savoir plus sur sa belle-fille disparue…

L'Amour est un crime parfait : Photo Mathieu Amalric

L’amour est un crime parfait est une adaptation du roman de Philippe Dijan, Incidences, publié en 2010. Avec un titre qui rappelle le maître du suspense, on avait le droit de s’attendre à un bon polar. Hélas, il y a encore du boulot pour arriver à la cheville d’Hitchcock ! Mais finalement, si on y réfléchit bien, bien qu’il soit accrocheur, le titre ne veut rien dire… à l’image de ce film d’ailleurs. La bande-annonce ne m’inspirait déjà pas des masses, mais je pensais que ça pourrait quand même être un divertissement à peu près correct. Mais ce n’est pas le cas. Les téléfilms de France Télévisions passent pour des chefs-d’oeuvre à côté de cette daube qui se veut intelligente. Il est vrai que les paysages sont beaux. Mais on ne fait pas avec ça un film de deux heures ! Le film est vraiment soporifique, j’ai failli m’endormir à plusieurs reprises. Il est bien trop long surtout qu’il ne raconte pas grand-chose. Il y a au début une vague histoire de disparition, puis pendant presque deux heures, on suit un professeur de fac (qui, au passage, donne une très belle image aux littéraires) qui se tape tout le monde : ses étudiantes notamment une nymphomane agressive, la belle-mère qui de la fameuse disparue et même sa propre frangine (c’est le DSK suisse !) histoire de donner un côté faussement glauque et surtout une psychologie à deux balles.

L'Amour est un crime parfait : Photo

C’est totalement inintéressant, ça se veut profond et intellectuel (non, parce que tu comprends, la nature représente la part animale de Marc, qui a son pénis en feu alors qu’il fait froid, wow !), c’est juste prétentieux et c’est prendre le spectateur pour un con. On ne comprend pas non plus trop où ça veut en venir (ou alors c’est un message benêt du style : « ah les traumatismes d’enfants ont des conséquences »). Malgré le côté sulfureux assumé, il n’y a aucune tension sexuelle. Quant à la fameuse enquête, elle est vraiment nulle. Ce n’est pas le sujet principal de ce film, ce n’est qu’un prétexte pour aborder d’autres thèmes mais il faut quand même un minimum de scénario. Parce que là, on comprend quand même vraiment rapidement ce qui s’est passé, il n’y a aucun suspense, pas l’ombre d’un doute ! Vous remarquerez que certaines scènes sont totalement irréalistes : Maïwenn qui sort la foufoune à l’air sur son balcon alors qu’on se les gèle et qu’il y a probablement des gens qui la voient – normal, Amalric qui saigne tellement du nez qu’on pourrait croire qu’il a égorgé un sanglier, un campus vraiment vide, un retournement final peu crédible même tiré par les cheveux… Pour moi, ce film est raté. C’est dommage car, à part Maïwenn qui se contente de faire la gueule et de minauder, les acteurs ont l’air investi et la musique de Caravaggio est plutôt envoûtante.

L'Amour est un crime parfait : Photo Denis Podalydès, Karin Viard

How I live now – Maintenant c’est ma vie

réalisé par Kevin MacDonald

avec Saoirse Ronan, George Mackay, Tom Holland, Harley Bird, Anna Chancellor…

titre original : How I live now

Drame, science-fiction, action britannique. 1h46. 2013.

sortie française : 12 mars 2014

How I Live Now (Maintenant c'est ma vie)

Daisy, une adolescente new-yorkaise, passe pour la première fois ses vacances chez ses cousins dans la campagne anglaise. Rires, jeux, premiers émois… Une parenthèse enchantée qui va brutalement se refermer quand éclate sur cette lande de rêve la Troisième Guerre Mondiale…

How I Live Now (Maintenant c'est ma vie) : Photo Saoirse Ronan

Kevin MacDonald, principalement connu pour avoir réalisé Le Dernier Roi d’Ecosse, qui avait permis à Forest Whitaker de décrocher l’Oscar du meilleur acteur, adapte le roman de Meg Rosoff, paru en 2004. Hélas, le retour du réalisateur est très décevant. Je me suis même demandée comment il a pu réaliser une daube pareille. Je ne le pensais pas aussi crétin. Tout d’abord, les éléments qui concernent la Troisième Guerre Mondiale ne sont pas très bien utilisés. On comprend qu’il s’agit d’une guerre autour du nucléaire. Mais le sujet reste assez vague, on ne comprend pas tous les enjeux, on ne connaît pas l’ennemi. Puis, il faut avouer qu’il ne se passe quand même pas grand-chose. On a également l’impression que cette guerre dure quinze jours (en gros, elle se termine quand Daisy et la petite chieuse reviennent à la maison – il ne s’est pas passé beaucoup de temps apparemment). On voit d’abord des jeunes s’amuser dans la campagne (limite ça ressemble à une publicité), puis une fois la guerre qui éclate (action qui met un temps fou à arriver, c’est la première fois que j’ai hâte de voir une guerre sur grand écran !), en gros, on voit deux filles marcher, se plaindre (« j’ai soif », « j’ai mal aux piiiiieds », et il manque plus que « j’ai envie de pisser » et t’as la totale !), qu’est-ce que c’est passionnant tout ça ! Pour voir ça, honnêtement, je préfère encore regarder Pékin Express.

How I Live Now (Maintenant c'est ma vie) : Photo George Mackay, Saoirse Ronan

Ensuite, les personnages m’ont beaucoup agacée, tout particulièrement « Daisy-Elizabeth ». Je ne critique pas l’interprétation de la jeune actrice irlandaise Saoirse Ronan, elle fait le job comme on dit. Mais son personnage est juste insupportable et très caricatural, du style, « je suis une ado rebelle parce que je suis blonde platine, j’écoute du rock et j’ai des piercings d’abord et je parle avec mépris parce que je t’emmerde » ou encore « ne m’appelle pas Elizabeth, mon p’tit nom à moi c’est Daisy ». J’exagère à peine. Cette description s’applique d’abord pour la première partie du film. On croit qu’on a vu le pire. Mais Daisy va tomber amoureuse. Et pas de n’importe qui, puisqu’il s’agit de son propre cousin ! Les relations sont très saines visiblement. Et dans le film, cette relation incestueuse ne semble jamais remise en question. Voyons, c’est normal de coucher avec son cousin et d’envisager même un avenir avec lui. Qu’il n’y ait pas de suite à ce film, je ne veux pas voir à quoi ressembleront leurs enfants, s’il vous plaît. C’est quand même paradoxal que Daisy, qui semble rebelle et moderne, se comporte comme une femme du Moyen-Age. Bref, je disais que Daisy tombait amoureuse de son cousin, mais du genre en mode relou. « Oh Eddiiiiiiie, où es-tu ? », « Oh Eddiiiiiie je reviendrai pour toi » et bla bla bla. A force, tu finis par haïr ce prénom – et même pire, les gens qui s’appellent Eddie (ou Edouard). Notre jeune héroïne s’adoucit et devient carrément niaise. En fait, au bout d’un moment, l’enjeu du film est : « Mais où est Eddie ? ». En gros, s’il est vivant, même si les autres crèvent comme des rats, c’est pas grave, puisqu’Eddie est vivant et qu’il fera probablement des gamins à sa cousine.

How I Live Now (Maintenant c'est ma vie) : Photo Saoirse Ronan

Tout le long du film, ce personnage entend des voix (très énervantes) dans sa tête. « Pourquoi ??? ». On croit qu’on va avoir une réponse quand le fameux cousin lui dit une réplique du style : « Ne te préocuppe pas de ces voix dans ta tête qui te dictent des règles ». Mais, non, pas de réponse non plus. Qui est alors Daisy ? Une ex-anorexique (probablement) ? Une ex-suicidaire ? Une folle ? Un peu des trois à la fois ? Autre chose ? La cerise sur le gâteau est probablement la fin. Ce qui est « drôle », c’est que les répliques de Daisy semblent vouloir montrer l’intérêt du film. En gros, elle dit un truc complètement niais du genre « J’ai réfléchi, j’ai changé grâce à l’amouuuuuuuur, je resterai à la campagne avec mon chéri alors que je ne ressemble à rien avec ce look de citadine, maintenant c’est ma vie ». L’avantage, c’est que ça explique un peu le titre stupide du film, qui ne présageait déjà rien de bon. Mais en fait, quand le film s’est terminé et pendant que la salle pleine à craquer se vidait – on était trois- je me suis dit : « mais tout ça pour ça ? ». Sérieusement, il fallait vraiment une Troisième guerre mondiale (qui implique donc des morts ! tragédie !) pour nous dire ça ? C’est pas du foutage de gueule ? Ce que je retiens de ce film : en gros, on s’en cogne de cette foutue guerre et du nucléaire, c’est juste une histoire d’amour adolescente mais attention, c’est pas comme dans les Twilight, Harry Potter ou Hunger Games. Non, là c’est entre cousins. ON S’EN FOUT !

How I Live Now (Maintenant c'est ma vie) : Photo Harley Bird

La vie rêvée de Walter Mitty

réalisé par Ben Stiller

avec Ben Stiller, Kristen Wiig, Shirley McLaine, Adam Scott, Sean Penn, Kathryn Hahn, Patton Oswalt, Olafur Darri Olafsson…

titre original : The Secret Life of Walter

Comédie dramatique américaine. 1h54. 2013.

sortie française : 1 janvier 2014

La Vie rêvée de Walter Mitty

Walter Mitty est un homme ordinaire, enfermé dans son quotidien, qui n’ose s’évader qu’à travers des rêves à la fois drôles et extravagants. Mais confronté à une difficulté dans sa vie professionnelle, Walter doit trouver le courage de passer à l’action dans le monde réel. Il embarque alors dans un périple incroyable, pour vivre une aventure bien plus riche que tout ce qu’il aurait pu imaginer jusqu’ici. Et qui devrait changer sa vie à jamais.

La Vie rêvée de Walter Mitty : Photo Ben Stiller

 

Pour son cinquième long-métrage, l’acteur-réalisateur-humoriste Ben Stiller réalise une nouvelle adaptation de la nouvelle de James Thurber, parue dans le « New Yorker » en 1941. Le texte avait déjà donné un film, sorti en 1947, réalisé par Norman Z. McLeod. Le rôle-titre était à l’époque joué par Danny Kaye. Dans cette nouvelle version, c’est Stiller lui-même qui interprète le personnage principal. Le film est la très bonne surprise de ce début d’année 2014. Il est à la fois drôle, touchant, poétique et sincère et ne tombe pas dans le piège de la niaiserie, qui aurait pu être présente, notamment à cause de la romance entre Walter et une de ses collègues de travail. On n’est pas forcément habitué de voir Stiller dans un registre plus « assagi », plus mature, mais ce changement lui va bien et apporte beaucoup au métrage. J’aime beaucoup Stiller mais je dois reconnaître que son humour n’est pas toujours fin d’habitude. Or, son film est drôle, mais également touchant, mais sans être lourd, il a su trouver un bon équilibre. Dans son fond, le film n’est pas révolutionnaire (en gros, quelqu’un en a marre de son train-train et décide de partir à l’aventure) et pourtant il réussit à réchauffer le coeur durant presque deux heures.

La Vie rêvée de Walter Mitty : Photo Ben Stiller, Sean Penn

Les rêves de Walter sont franchement drôles. Ces scènes proposent quelques parodies particulièrement délirantes, qui m’ont fait penser à celles qu’on trouve dans Tonnerre sous les tropiques, le précédent long-métrage de Ben Stiller : la scène qui parodie les films de super-héros est excellente ou encore celle qui s’attaque à Benjamin Button est hilarante ! Ces déconnexions rendent également le personnage attachant. En effet, qui n’a jamais voulu dire ses quatre vérités à son boss ? Ou encore qui n’a jamais voulu impressionner quelqu’un ? J’ai également aimé les scènes où on voit le personnage principal s’aventurer. Non seulement on a droit à des paysages magnifiques, mais aussi on voit petit à petit l’évolution de Walter, qui est de moins en moins coincé et moins gauche et qui s’affirme de plus en plus. Ben Stiller est excellent dans le rôle principal tout comme le reste de la distribution. Kristen Wiig est convaincante dans le rôle de Cheryl, la femme dont Walter est amoureux. Elle apporte de la fraîcheur sans gâcher l’histoire (puisqu’il y a un peu de romance) ni éclipser le personnage principal. J’ai également aimé Adam Scott, qui incarne le patron pourri de Walter Mitty, Shirley McLaine qui est toujours autant dynamique et plaisante à voir, Kathryn Hahn, ici la soeur de Stiller, une actrice ratée excentrique ou encore Sean Penn (même si on le voit peu) que j’adore avec son air « cool », qui adore la nature et les animaux et qui arrive en même temps à être mystérieux.

La Vie rêvée de Walter Mitty : Photo Ben Stiller, Kristen Wiig