Pulp, a film about life, death and supermarkets

réalisé par Florian Habicht

avec Jarvis Cocker, Candida Doyle, Steve Mackey, Nick Banks…

Film documentaire, musical. 1h30. 2014.

sortie française : 1 avril 2015

Movie Challenge 2017 : Un film documentaire

8 décembre 2012. Une pierre blanche dans l’histoire de l’outsider le plus chic du rock anglais. Jarvis Cocker et de son groupe Pulp donnent le dernier concert de leur ultime tournée dans leur ville natale : Sheffield. L’histoire d’une journée presque ordinaire dans cette ville moyenne du Nord de l’Angleterre où les poissonniers remplissent leur étal, où les vendeurs de journaux alignent les éditions de The Star titrant sur Pulp, où les fans de 7 à 77 ans se racontent passionnément leurs souvenirs avant l’ouverture des portes et où les membres du groupe sentent la pression monter.

Pulp, a film about life, death & supermarkets : Photo

Certains le savent peut-être mais Pulp fait partie de mes groupes préférés. Ce ne sont pas des paroles en l’air : je les admire. Je voulais même appeler un de mes mômes (je vous rassure : je ne suis pas maman) Jarvis en hommage au leader. Pour la petite anecdote, j’ai découvert ce groupe durant mon adolescence dans l’excellent documentaire musical (le monde est petit) de Julien Temple, Glastonbury. Bref, c’est pour cette raison que je tenais à découvrir le documentaire sur ce groupe, enfin façon de parler. En France, Pulp, a film about life, death and supermarkets est sorti dans très très peu de salles. Il faut dire que chez nous, Pulp n’est pas nécessairement le groupe de britpop le plus connu malgré sa renommée internationale (en France, on connait davantage Blur, Oasis et même à leurs débuts Radiohead par exemple). Il faut dire que Pulp ne s’est fait connaître qu’au milieu des années 90 alors qu’il s’est formé à la fin des années 70 : il a clairement plus galéré que les autres groupes que j’ai pu citer. Je remercie très sincèrement Arte d’avoir diffusé ce film (certes très tard mais merci le replay) dans le cadre du Summer of Fish ‘n’ Chips (une programmation axée sur la culture britannique). Certes, le documentaire sera certainement plus plaisant et parlant pour des fans et connaisseurs du groupe (même si un point de vue extérieur doit aussi être intéressant). Les scènes du concert (superbement filmées en captant aussi bien l’énergie générale que les lumières flamboyantes – on est loin du temps grisâtre couvrant Sheffield) sont évidemment un pur bonheur pour n’importe quel fan : on a juste envie d’être dans le public et de chanter les tubes à fond la caisse. Le documentaire de Florian Habicht (Woodenhead, Spookers) se penche sur les différents membres du groupe, dont le très charismatique leader Jarvis Cocker (pour les gens qui ne le connaissent pas du tout, vous l’avez certainement déjà vu déchaîné dans Harry Potter et la Coupe de feu). On y apprendra alors à quel point la musique était nécessaire pour certains membres du groupe, soit pour exprimer des pensées sur des sujets intimes ou au contraire sur des sujets bien plus universels voire même d’ordre sociétal, soit à surmonter des problèmes personnels (par exemple, la claviériste Candida Doyle déclare que jouer dans le groupe lui a permis d’oublier son arthrite). Mais c’est là où le documentaire devient plus intéressant car il ne se contente pas de nous présenter le groupe pour les fans. Mais finalement, ça, c’est minime et c’est pour ça que le film n’est pas uniquement réservé à des fans.

A l’instar de la fiction (proche du documentaire) 24 Hour Party People de Michael Winterbottom (également dans la programmation d’Arte) qui, via un portrait de Tony Wilson, le créateur de la Factory Records, livrait un regard sur Manchester, Pulp, a life about life, death and supermarkets (titre à rallonge mais finalement assez pertinent) offre surtout un portrait de Sheffield, la ville d’origine du groupe, et également dernière ville de leur tournée exceptionnelle d’adieu (comme le confessera Cocker : le groupe s’était arrêté mais il n’y a jamais eu d’annonce officielle et il a toujours eu un goût inachevé de cette aventure). Florian Habicht s’intéresse le temps d’une journée avant le concert aux gens évoqués dans les chansons de Pulp : ces commun people, ces gens ordinaires de la classe moyenne. Ces gens en question sont parfois des fans (qui vont même assister au fameux concert) soit juste de simples citoyens (qui ne roulent pas sur l’or) soit parfois des gens qui ont connu les membres du groupe avant leur succès. Ainsi, on va rencontrer des retraités (la reprise de Help the Aged avec des personnes âgées bouleversante ou même la récitation des paroles par une bouquiniste est juste incroyable de vérité), une mère célibataire américaine, un jeune transsexuel, des mômes, une équipe de foot féminine, un vendeur de journaux, un poissonnier etc… Ce documentaire montre à quel point la musique est un art incroyable et puissant pour parler des gens de la vraie vie (très loin justement du showbiz, de ce qu’a vécu Pulp suite au succès) et pour évoquer des sujets universels, comme la vieillesse, la mort, le passé, le sexe (la séquence pratiquement intégrale où Cocker interprète This is hardcore en mimant un orgasme sur scène est très intense et cohérente avec les paroles) etc… Il faut dire que Cocker est un excellent parolier, inspiré de Gainsbourg tout en donnant l’impression d’être plus accessible, de mieux parler à la classe moyenne. Connaître les paroles des chansons (ou en tout cas pour les moins connaisseurs, bien faire attention aux sous-titres) a du sens par rapport aux différentes interventions et plus globalement à ce que le film veut défendre. Il y a alors un bel équilibre trouvé entre Jarvis et sa bande et les différents témoins qui analysent avec justesse le rôle de Pulp dans leur existence. Pulp ne tire jamais la couverture sur lui et laisse réellement la parole à des anonymes : les meilleures séquences sont d’ailleurs celles avec les common people, pas avec les membres du groupe ! Florian Habicht signe alors un formidable documentaire puissant, énergique et pertinent sur le rôle d’un groupe emblématique qui revient à la maison. Rencontrer les personnages qui ont inspiré leurs chansons cultes ne laisse pas indifférent. Pulp, c’est alors le groupe de l’espoir et de la réussite qui a permis à la working class délaissée d’avoir un modèle sur lequel elle pouvait s’appuyer et qui pouvait aussi parler au reste du monde de ce qui se passait dans l’Angleterre des années 80. 

 

Pulp, a film about life, death & supermarkets : Photo

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Grave

réalisé par Julia Ducournau

avec Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabat Naït Oufella, Joana Preiss, Laurent Lucas, Marion Vernoux, Bouli Lanners, Jean-Louis Sbille…

Epouvante-horreur, drame français, belge. 1h38. 2016.

sortie française : 15 mars 2017

interdit aux moins de 16 ans

Dans la famille de Justine tout le monde est vétérinaire et végétarien. À 16 ans, elle est une adolescente surdouée sur le point d’intégrer l’école véto où sa sœur ainée est également élève. Mais, à peine installés, le bizutage commence pour les premières années. On force Justine à manger de la viande crue. C’est la première fois de sa vie. Les conséquences ne se font pas attendre. Justine découvre sa vraie nature.

Grave : Photo

Difficile de passer à côté du phénomène Grave, grand vainqueur à Gérardmer cette année et présenté l’année précédente à la Semaine de la Critique à Cannes (pour ne citer que ces festivals). Il s’agit du premier long-métrage de l’ex-étudiante de la FEMIS, Julia Ducournau : elle avait co-signé Mange, un téléfilm pour Canal + en 2012 et un court-métrage intitulé Junior (et on retrouve dans le casting une certaine Garance Marillier). Grave, co-produit par Julie Gayet, a vite fait le buzz pour ses scènes cannibalistes. On a lu à plusieurs reprises (que ce soit dans la presse ou même sur les réseaux sociaux) que des spectateurs avaient gerbé à cause de certaines scènes visiblement insupportables. C’est pour cette raison que je n’ai pas tenu à découvrir ce film en salles, de peur que mon petit coeur, mon foie, mon estomac et mon cerveau (oui, tout ça) ne supportent pas ce choc (rappelez-vous que j’ai vu Salo de Pasolini en deux fois, le tout avec ma poubelle à côté parce que je sentais que j’allais physiquement dégueuler). Cela dit, entre temps, plusieurs blogueurs m’ont prévenue, je cite, qu’en fait il n’était pas si gore mais la fin était tout de même épicée. J’ai également bien retenu toutes les informations que j’ai lues (sans me spoiler) : le film ne serait pas à proprement parler gore malgré sa réputation. La réalisatrice dit elle-même qu’il s’agit plus d’un drame, parfois comique, mélangé au body horror. J’accepte tout à fait ce postulat et effectivement c’est ce qu’on constate très rapidement. Mais cela ne m’a pas empêchée d’être fortement déçue. En fait, j’ai l’impression d’avoir été confrontée à ma séance de It Follows (également un film de genre d’auteur absolument adoré pour tout le monde alors qu’il a pour moi un certain nombre de défauts / éléments problématiques) en terme de déception (ici encore plus élevée). Mon problème n’est pas nécessairement lié au manque de gore même si je reviendrai tout de même sur ce point. La mise en scène en elle-même n’est pas ce qui m’a gênée, je n’ai pas de reproche à lui faire, c’est peut-être même l’un des seuls points positifs que je relève. C’est globalement l’écriture qui m’a réellement chiffonnée. Cette oeuvre a été vantée pour son intelligence, sa psychologie et que sais-je. Justement, j’ai trouvé l’écriture terriblement pauvre, pas du tout fine et parfois même incohérente et tombant sans cesse dans la sur-référence.

Grave : Photo

Par exemple, l’héroïne se prénomme Justine en référence au personnage de Sade (déjà on y va avec de gros sabots – et c’est ça tout le long du film) nous est présentée comme une jeune fille intelligente (on comprend même qu’elle serait probablement surdouée) qui aurait même son petit caractère. Première question que je me suis automatiquement posée : pourquoi ne refuse-t-elle pas toutes les actions liées au bizutage (parce qu’elle ne résiste pas vraiment) ? On va me répondre : parce que justement, c’est à cause du bizutage qui fout la pression. Justement, le bizutage. La réalisatrice prétend que son film n’est pas sur le bizutage. Je veux bien la croire. Sauf que ce bizutage en question prend une place bien trop importante dans le film par rapport à ce que la réalisatrice a voulu raconter. Surtout, je n’ai pas cru une seule seconde à l’environnement. Pour le bizutage dans les grandes écoles, je suis parfaitement au courant de ce qui se passe, de la violence et de l’humiliation autour. Les visages ont beau être anonymes (le film ne se concentre que véritablement sur les trois personnages principaux), on ne croit pas que ces jeunes-là puissent être l’élite de la France (et j’ai même envie de dire que ça concerne aussi justement Justine, sa soeur et son coloc’ sans être méchante). Surtout, on retrouve tous les clichés possibles et insupportables (et je ne trouve pas que Ducournau en joue particulièrement bien) sur les films de campus. Il est aussi étrange de ne pas utiliser la prépa vétérinaire suffisamment à fond pour le scénario. Certes, Justine est une jeune végétarienne qui défend les animaux avec conviction. On ne peut que penser à cette scène où la jeune fille défend avec pertinence les animaux victimes de zoophilie en établissant une comparaison avec les victimes (humaines) de viol. Cela dit, cela me parait aberrant que face à sa faim grandissante Justine ne tente même pas de s’attaquer à un des animaux présents dans la prépa ou dans les alentours. Le traitement de la relation entre les soeurs m’a également semblé problématique. Je n’ai jamais eu l’impression d’être face à des soeurs tellement elles sont distantes ce qui est bizarre vu le secret familial qu’elles partagent. Les réactions d’Alexia ne m’ont pas paru crédibles : pourquoi ne l’empêche-t-elle de lutter contre le cannibalisme (et même l’incite) ? Pour se sentir moins seule (au passage, un sentiment pas réellement exploité que ce soit de son côté ou celui de Justine) ? Mouais.

Grave : Photo Garance Marillier

J’avoue que je n’ai en tout cas globalement pas cru aux réactions des personnages qui évoluent aussi vite qu’ils changent de chemises. Julia Ducournau a en tout cas insisté de nombreuses fois sur la profondeur de son film (à l’entendre, on a l’impression qu’elle a réinventé à elle seule le cinéma, elle est insupportable), sur les thèmes mis en avant, que son film ne parle finalement pas de cannibalisme etc. Donc on relève les principaux thèmes traités : le passage de l’adolescence à l’âge adulte, la découverte de la sexualité (avec un parallèle lourdingue avec l’animalité et la faim) et de son corps littéralement en mutation, l’héritage familial… Mais tous ces sujets en question sont pour moi traités sans aucune finesse et surtout superficiellement. Il parait aussi qu’il y avait un twist (on en revient donc au fameux drame autour du drame familial avec une mère étonnamment très peu présente). Il doit y en avoir un vu la scène finale (en mode : toi, spectateur, là, tu dois être sur le cul). Twist que j’ai deviné trèèèèès tôt. Revenons enfin au cannibalisme, qui est un prétexte pour évoquer d’autres sujets. Je n’ai pas de souci avec ça mais il y a un moment, il aurait tout de même fallu voir un minimum de scènes en rapport avec ce mal. De plus, à force de naviguer entre plusieurs genres sans réellement les exploiter (mais plutôt en les survolant), je n’ai finalement rien ressenti et encore moins une quelconque petite tension ou un sentiment de malaise. Au bout d’un moment, le fait que ce ne soit pas un pur film d’horreur n’excuse pas tout. Je n’ai pas pu m’empêcher de penser au surprenant We are what we are de Jim Mickle qui a de réelles similitudes avec Grave : un drame autour de deux soeurs cannibales à cause d’un héritage familial. Sur le principe donc, rien de gore (le film ne l’est pas et n’a qu’une petite interdiction qu’aux moins de 12 ans) mais pourtant le film tient bien ses promesses : une tension qui monte jusqu’au point final réellement cannibale, logique vu le mal qui ronge les protagonistes. Il manque ça à Grave : quand le meurtre inimaginable et final à cause des pulsions des personnages arrive pour de bon, on nous épargne tellement tout au nom du « drame » (comme si cela était incompatible alors que cela n’est pas nécessairement le cas) que finalement ça laisse indifférent alors que ça aurait dû envoyer du pâté ou cela aurait dû provoquer un électrochoc.

Grave : Photo

Je pense même à The Neon Demon de Nicolas Winding Refn (l’exemple me paraît pertinent : le film, très esthétique comme celui de Ducournau, reprend le thème du cannibalisme) qui sur le principe n’est pas un proprement parler un film gore, loin de là. Mais là encore (même s’il a été très discuté), son final sait chambouler, le cannibalisme est bel et bien utilisé, il ne s’agit pas d’une fausse promesse. Revenons justement à l’esthétique (puisque j’établissais une comparaison avec l’esthétique très prononcée de Refn) : certes, on ne va pas se mentir, le film est très soigné de ce côté-là, l’équipe a très bien bossé, c’est indéniable. Je n’aime pas saloper le travail bien fait. Cela dit, je n’ai pas toujours trouvé ces choix en question toujours très pertinents ni d’une réelle profondeur dans le sens où j’avais vraiment l’impression de voir une sorte de caricature du film arty bobo (avec en plus des choix musicaux qui ne m’ont pas aidée à faire abstraction) : pour moi, on était plus proche de la prétention et de la complaisance que dans une quelconque démarche artistique qui devait accompagner une signification. Côté interprétation, je n’ai pas non plus été tant bluffée que ça par rapport à toutes les louanges que j’ai pu entendre. La jeune Garance Marilier et Rabat Naït Oufella ont certes une certaine fraîcheur qui permet de s’intéresser un peu à eux mais je n’ai pas trouvé qu’ils jouaient si bien que ça, j’ai retrouvé tous ces tics clichés d’acteurs de films d’auteur à la française. Quant à Ella Rumpf, j’ai vraiment trouvé qu’elle surjouait tout le long. tPour finir tout de même sur une touche un peu plus joyeuse (et pour éviter qu’un fan du film m’assassine à coup de batte de base-ball), parmi les petits points positifs que je relève (je ne suis pas totalement un monstre), la mise en scène est ambitieuse, le soin apporté à la photographie est également remarquable et enfin on ne peut qu’admirer le travail des maquilleurs sur quelques scènes.

Grave : Photo Garance Marillier

The Circle

réalisé par James Ponsoldt

avec Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, Ellar Coltrane, Patton Oswalt, Bill Paxton, Glenne Headly…

Thriller, science-fiction, drame américain, émirati. 1h50. 2017.

sortie française : 12 juillet 2017

Les Etats-Unis, dans un futur proche. Mae est engagée chez The Circle, le groupe de nouvelles technologies et de médias sociaux le plus puissant au monde. Pour elle, c’est une opportunité en or ! Tandis qu’elle prend de plus en plus de responsabilités, le fondateur de l’entreprise, Eamon Bailey, l’encourage à participer à une expérience révolutionnaire qui bouscule les limites de la vie privée, de l’éthique et des libertés individuelles. Désormais, les choix que fait Mae dans le cadre de cette expérience impactent l’avenir de ses amis, de ses proches et de l’humanité tout entière…

The Circle : Photo Emma Watson

Depuis quelques années, les romans dystopiques passent pratiquement tous par la case « adaptation cinématographiques ». Celui de Dave Eggers (pour la petite anecdote, il est également le co-scénariste de Away We Go, réalisé par Sam Mendes), Le Cercle. Je suis allée voir ce film complètement par hasard, je n’avais pas spécialement prévu de le découvrir, j’ai juste accompagné quelqu’un. Je savais à peine de quoi ça parlait : j’avais juste constaté sur les réseaux sociaux un accueil assez mitigé. Peut-être parce que je ne m’attendais à rien que j’ai finalement bien apprécié The Circle. Certes, il s’agit d’un film imparfait et certainement rapidement oubliable. Parmi les défauts les plus notables, le début est un peu long à se mettre en place. On pourra également toujours clamer son manque d’originalité : n’a-t-on pas déjà vu mille fois ces films reprenant le même schéma que 1984 de George Orwell ? Je n’ai jamais regardé Black Mirror mais les fans de la série semblent avoir fait des rapprochements entre les deux oeuvres. Bref, effectivement, nous n’apprendrons rien de bien nouveau dans The Circle : oui, la technologie à outrance bouffe nos vies privées qui ne sont de toute façon plus privées et ces données en question permettront aux hautes instances de manipuler le peuple. Cela dit, même si le sujet n’a donc rien de révolutionnaire, j’ai tout de même été prise dans l’histoire. On ne peut pas s’empêcher de se dire que le film n’est pas si futuriste que ça. Comment ne pas penser aux youtubeurs quand Mae se filme H24 et partage absolument toute sa vie (pas toujours intéressante) ? Comment ne pas y voir un énorme clin d’oeil à Steve Jobs qui faisait ses shows lorsqu’il présentait un nouveau produit ? Google et Facebook sont aussi clairement évoqués. Beaucoup de spectateurs verront les références (placées sans aucune subtilité) : le film a le mérite d’être accessible mais sans tomber dans le film pour adolescents (parce que je m’attendais à ça vu la vague de young adult adaptées). La mise en scène n’est pas exceptionnelle mais elle reste tout à fait efficace. Le résultat m’a encore plus étonnée en sachant que c’était James Ponsoldt derrière la caméra. Evidemment, je préférais quand il signait des films indépendants personnels et subtils comme par exemple The Spectacular Now (avec Miles Teller et Shailene Woodley) ou encore Smashed (avec Mary Elizabeth Winstead et Aaron Paul). Evidemment que cette réalisation pour The Circle est moins personnelle, on sent beaucoup moins sa patte. Cela dit, pour une grosse machine, il ne s’en sort pas si mal que ça.

The Circle : Photo Tom Hanks

Cela dit, son accessibilité joue à The Circle certains tours : l’ensemble manque alors de subtilité, les explications peuvent sembler grossières. Par contre, contrairement à ce que reprochent certaines critiques, le personnage de Mae est intéressant (j’aime jouer les avocates du diable). Il ne s’agit que d’un ressenti personnel en sachant que je n’ai pas lu le roman donc je ne connais pas les intentions d’origine de l’auteur. Je suis persuadée que des spectateurs s’attendaient à un personnage dans la même veine qu’une Katniss. Attention spoilers : Or, Mae m’a paru complexe et surtout son traitement n’a rien de manichéen. Mae est une jeune femme intelligente mais qui, malgré l’amour que ses parents lui portent et deux amis importants, se sent assez seule. Elle a un cerveau, elle voit bien que certaines choses clochent dans l’entreprise, on la prévient même de ce qui se passe en privé et se rend bien compte que la situation est anormale. Mae est autant un personnage manipulée / manipulable qu’un personnage qui manipule elle-même les autres pour son propre intérêt (ne plus être seule et savourer le pouvoir via la technologie). Elle atterrit dans cette entreprise et monte les échelons par hasard mais finit par prendre le dessus et profiter de la situation pour son propre intérêt. Elle contribue complètement au système qui pourtant lui fait du mal. Je ne suis donc pas d’accord (mais il ne s’agit vraiment que de mon ressenti) concernant la fin qui m’a paru logique. Et je trouve que le traitement de Mae rend le film certes imparfait un peu plus intéressant que prévu. J’aime beaucoup Watson en tant que jeune femme (je ne m’en cache pas) mais en tant qu’actrice je ne suis pas toujours convaincue par ses prestations mais là je trouve qu’elle s’en sort bien surtout que son rôle n’est pas si simple contrairement à ce qu’on pourrait croire. Tom Hanks est également très convaincant dans le rôle de ce PDG star a priori cool et même généreux en public (en même temps, je n’ai jamais vu Hanks mal jouer). Cela dit, il est regrettable que son personnage ne soit pas plus développé tout comme celui tenu par John Boyega (je ne pensais pas qu’il serait autant absent). Dans les seconds rôles, Ellar Coltrane (et oui, il s’agit du gamin de Boyhood de Richard Linklater) et Karen Gillan s’en sortent également pas trop mal. The Circle n’a donc rien de révolutionnaire (et je ne crois pas qu’il avait cette prétention), il a ses défauts, il ne nous apprendra également rien sur son sujet mais reste tout à fait correct et crédible par rapport à ce qu’on attend éventuellement de ce type de production.

The Circle : Photo

The Office (UK)

Créée par Ricky Gervais et Stephen Merchant

avec Ricky Gervais, Martin Freeman, Mackenzie Crook, Lucy Davis…

Comédie. 2 saisons (+ hors saison). 2001-2003.

theoffice

La vie de bureau d’une petite entreprise de papeterie, dirigé par David Brent, « le pire patron du monde ». Un lieu propice au mauvais esprit, à la drague et à l’échec personnel….

Quand on parle de The Office, la plupart pense rapidement à la version américaine avec Steve Carell. Or, à l’origine, The Office était une série britannique créée par (et avec) l’excellent Ricky Gervais, parfois plus connu pour être le présentateur aux blagues coriaces et osées des Golden Globes. The Office, récompensé à de multiples reprises (notamment aux Golden et aux BAFTA) est composé de deux saisons, en sachant que chaque saison comporte six épisodes durant une petite vingtaine de minutes. Enfin, en guise d’épilogue sur le sort des personnages (même si un film sur David Brent est sorti récemment, David Brent : Life on the Road), deux épisodes l durant chacun 45 minutes ont été diffusés. J’ai toujours aimé les séries courtes, que ce soit en terme de durée d’épisodes ou en termes de saisons. Je pense qu’on peut dire beaucoup de choses sans s’étirer : Ricky Gervais et son compère Stephen Merchant prouvent de nouveau que ce défi reste largement possible. Au-delà de son humour très britannique et noir (on est clairement dans du politiquement incorrect et personne n’est épargnée), la série s’est fait connaître pour être un mockumentary : le spectateur est censé regarder un documentaire présentant la Wernham-Hogg Paper Company, une usine de fabrication de papier, à Slough. Et grâce à la mise en scène, au montage, aux mouvements de caméra, aux décors très réalistes, à l’image un poil pourrie et grisâtre, le spectateur pourrait vraiment se dire qu’il regarde un documentaire sur une entreprise : tout semble crédible et surtout être pensé dans les moindres détails (les petits regards échangés entre les personnages sont saisissants de vérité, les monologues condescendants et mensongers face caméra). David Brent pense être un bon patron, à la fois modèle, moderne et à l’écoute de ses employés (je dirais même « amis » avec ses employés qui se moquent bien de lui). Cela est faux : sous ses airs cool et sa bêtise consternante, Brent peut aussi être détestable voire même tyrannique (et son bras droit Gareth Keenan l’est encore plus !), raciste, misogyne et incompétent.

The Office a un humour particulier qui ne plaira pas à tout le monde : on n’entend pas derrière les rires des spectateurs, on ne cherche pas non plus à nous envoyer de la blague pour de la blague. La série est en réalité drôle par son réalisme virant souvent au sarcasme : les choses délirantes qui se déroulent ou prononcées ne sont justement pas si délirantes. Il y a donc un rapport troublant entre la fiction (parce que le spectateur sait qu’il est face à un objet crée) et la réalité (il y a retranscription d’une réalité que le spectateur côtoie quotidiennement). A partir de ce simple raisonnement, n’est-ce pas la réalité des spectateurs qui n’est pas absurde (et qui explique pourquoi Gervais et Merchant utilisent le faux-documentaire pour faire ressortir les pires traits du monde de l’entreprise) ? Ricky Gervais et Stephen Merchant portent un regard acerbe sur le monde de l’entreprise. Leur vision semble d’autant encore plus pertinente à l’heure de l’essor des start-up qui ont l’air bien sous tous rapports mais qui cachent pourtant bien leur jeu : en quelques années, The Office n’a pas vieilli, même si son grain d’image peut sembler un poil daté et pourra également rebuter les spectateurs trop habitués à des séries présentant une lumière absolument impeccable. J’ai une maigre expérience du monde de l’entreprise mais pourtant j’ai reconnu un certain nombre de situations en peu d’épisodes (et à mon avis, cette série sent le vécu) ! Les blagues en dessous de la ceinture pour embêter le voisin voire même le boss, les menaces de réformer le service (donc de virer des gens), les formations complètement inutiles qui tournent à la colonie mêlée à un mélange entre la séance de psy et celle pour les alcooliques anonymes (cet épisode en question, les activités pour soi-disant souder les équipes alors qu’elles sont plus débiles qu’autre chose, le boss (qu’on nommerait aussi de « petit chef à la con ») qui veut être aimé par tous mais qui profite aussi de son petit pouvoir pour écraser les gens, les amitiés (parfois ambiguës) au bureau pour se sortir d’une pénible routine, les frustrations de certains employés pour réaliser des rêves plus ambitieux mais qui ne parviennent pas à se lancer par sécurité de l’emploi.

David Brent est un personnage plus complexe qu’il en a l’air, son rôle n’étant jamais manichéen. Certes, sous ses airs bien sous tous rapports, il est bien raciste et misogyne : on ne trouve pas ses remarques déplacées drôles, c’est le malaise crée autour qui l’est. Mais Brent est étonnamment attachant, même si on n’excuse jamais ses mauvais comportements. Par ailleurs, on s’aperçoit qu’il n’est pas le pire parmi la hiérarchie de sa boîte : ceux qui sont au-dessus, qui lui demandent de la rentabilité à tout prix (et donc de virer aussi des gens) sont bien pires que lui qui ne prend pas de plaisir à appliquer ses règles (et s’enfonce parfois de nouveau dans des mensonges et des conneries monumentaux !). Il cherche finalement à combler sa frustration, soit en jouant les patrons faussement amis avec ses employés, soit au contraire en étant le salaud de service. Mais il est certain qu’il n’est pas heureux dans son emploi. Lorsque David révèle sa réelle passion, la musique, on est partagé entre le rire (ses chansons étant assez niaises) et la tendresse (cette passion rappelle la place de Brent en tant qu’humain et non en tant que mauvais patron). Finalement, cette série comporte une bonne part autobiographique (je le disais, ça sent le vécu) : Ricky Gervais (qui livre au passage une parfaite interprétation) a été manager dans un bureau et a également été chanteur / musicien (il a même sorti des CD !). Le reste de la distribution est formidable. Martin Freeman était déjà à l’époque un merveilleux comédien : il est toujours parfait dans le rôle du garçon intelligent (et suffisamment pour faire des crasser au terrible Gareth). Lucy Davis est convaincante dans le rôle de la douce et timide réceptionniste Dawn. La relation entre Lucy et Tim, tous les deux malheureux (elle en couple avec un gars pas fait pour elle, l’autre qui est passé à côté de sa vie professionnelle) est par ailleurs très touchante, prouvant aussi qu’un semblant d’humanité et d’espoir existe dans ce monde cruel. Enfin, Mackenzie Crook est irrésistible dans le rôle de Gareth Keenan, l’assistant de David Brent qui continue de se comporter comme à l’armée.

L’Attaque des Donuts Tueurs / Alibi.com

réalisé par Scott Wheeler

avec Justin Ray, Kayla Compton, Michael Swan…

titre original : Attack of the Killer Donuts

sortie française (VOD) : 9 avril 2017

Un incident scientifique transforme d’innocents Donuts en tueurs assoiffés de sang. Le sort de leur paisible petite ville dépend à présent de Johnny, Michelle et Howard.

L'Attaque des donuts tueurs : Photo Justin Ray, Kayla Compton

Il est toujours difficile de « noter » un nanar : peut-on les mettre au même niveau que des films « normaux » et traditionnels ? Peut-on moralement attribuer une meilleure note à des nanars qu’à des films qui devraient être bons sur le papier ? Il faut donc prendre ma note avec certaines pincettes, en se mettant en tête que ce genre de films reste à part. Je ne connais pas nécessairement tous les nanars possibles mais je sais faire la différence entre le nanar volontaire et assumé (le délirant Zombeavers) et l’involontaire (le magique The Room de Tommy Wiseau). L’Attaque des Donuts Tueurs entre dans la première catégorie : le spectateur sait parfaitement à quoi s’attendre (rien que le titre est un bon indicateur ou alors le spectateur en question est juste à côté de la plaque). Oui, on sait très bien que le scénario ne va pas voler très haut, les effets spéciaux vont être cheap, les personnages auront des réactions débiles et ça ne va même pas faire peur. Les choix exagérés, décalés ou même carrément stupides sont donc totalement assumés par le réalisateur. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si le film a été présenté au festival de l’Alpe d’Huez : il s’agit avant tout d’une comédie potache parodiant grossièrement le cinéma d’horreur. On retrouve alors volontairement beaucoup de clichés ou images : la blonde aux gros seins bête et méchante, les trois mecs pseudo rappeurs également stupides, le patron à moumoute (ai-je encore besoin de préciser que cet homme est également complètement con ?), le scientifique qui fait n’importe quoi ou le méchant concurrent de la boutique de luxe de donuts, vegan, bio et compagnie. Evidemment le long-métrage n’est pas toujours à une contradiction près et a certainement des défauts qui ne sont pas toujours volontaires ou liés au grand délire général (et il faut avouer que c’est parfois difficile de distinguer le bon et le mauvais à cause de son statut de nanar assumé). En effet, certains dialogues semblent interminables, les acteurs surjouent ou encore les donuts sont déjà garnis, colorés et décorés en sortant directement de la friteuse (et je ne commente évidemment les effets spéciaux, ça va de soi qu’ils sont pourris) ! Comme dans Zombeavers, L’attaque des tueurs donuts est un bon plaisir coupable, qui assume sa crétinerie et qui est drôle dans son genre même si son humour ne plaira certainement pas à tout le monde. J’ai même envie de dire qu’il est étonnamment créatif en dépit de son manque de moyens. Mais justement, dans un sens, j’aurais voulu que ce délire aille encore plus loin, que le réalisateur exploite encore plus le potentiel que ce film.

L'Attaque des donuts tueurs : Photo


réalisé par Philippe Lacheau

avec Philippe Lacheau, Elodie Fontan, Julien Arruti, Tarek Boudali, Nathalie Baye, Didier Bourdon, Medi Sadoun, Vincent Desagnat, Nawell Madani, Philippe Duquesne, Alice Dufour, JoeyStarr, Kad Merad, Norman Thavaud, Chantal Ladesou, Michèle Laroque, Laouni Mouhid…

Comédie française. 1h30. 2017.

sortie française : 15 février 2017

Greg a fondé une entreprise nommée Alibi.com qui crée tout type d’alibi. Avec Augustin son associé, et Medhi son nouvel employé, ils élaborent des stratagèmes et mises en scène imparables pour couvrir leurs clients. Mais la rencontre de Flo, une jolie blonde qui déteste les hommes qui mentent, va compliquer la vie de Greg, qui commence par lui cacher la vraie nature de son activité. Lors de la présentation aux parents, Greg comprend que Gérard, le père de Flo, est aussi un de leurs clients…

Alibi.com : Photo Julien Arruti, Philippe Lacheau, Tarek Boudali

Si je ne suis pas une grande adepte de nos comédies françaises actuelles, sans crier au génie révolutionnaire, j’adhère plutôt aux films de (et avec) Philippe Lacheau (qui se retrouve cette fois-ci seul derrière la caméra sans son compère Nicolas Benamou). Alibi.com est finalement dans la même veine que Babysitting 1 et 2. Si vous n’avez pas aimé le diptyque à succès (peut-être un jour une trilogie ?), je serais étonnée que vous puissiez aimer ce Alibi.com. Lacheau est toujours très inspiré par la comédie américaine actuelle, c’est-à-dire un peu « trash » tout comme il n’hésite pas à rendre hommage au cinéma des années 80 (le personnage principal voue clairement un culte à cette période, en particulier à Street Fighter). A travers ces inspirations en question, on sent une envie de la part de Lacheau d’apporter du sang neuf à la comédie française, d’être moins ringarde. Bon, je n’irai pas à dire que la comédie française va mieux grâce à l’ex-membre de la Bande à Fifi, il ne faut pas déconner non plus. Alibi.com a le mérite d’être une comédie fraîche et sans prétention, plutôt bien interprétée, la jeune génération s’en sort étonnamment plus que les acteurs davantage confirmés (Baye et Bourdon peinent parfois même s’ils ne sont pas catastrophiques, loin de là) : Elodie Fontan manque parfois de justesse mais sa fraîcheur et son honnêteté d’interprétation me séduisent à chaque fois, Lacheau plutôt crédible en sorte de geek et gars toujours fourré dans des situations improbable, Nawell Madani est la bonne surprise du casting en chanteuse bimbo (oui je kiffe son entêtant Marre des michtos ), Julien Arruti et Tarek Boudali (également anciens membres de la Bande à Fifi)  sont également plutôt drôles. A noter au début quelques guests sympathiques (presque dommage qu’on n’ait pas plus exploités certains d’entre eux). Bref, ce n’est déjà pas si mal (je n’en demandais pas plus – peut-être que je dit ça parce que je suis vraiment blasée par l’état de la comédie française actuelle). L’histoire est plutôt séduisante, une sorte de vaudeville moderne bien rythmée et jamais ennuyeuse, même si son potentiel comique n’est pas assez exploité. Je suis toujours partagée sur l’utilisation d’un humour gras et parfois en dessous de la ceinture : il y a des fois où ça m’a fait marrer, et d’autres non (le gag avec le caniche est de mauvais goût par exemple). Bref, faire de l’humour à la Apatow, pourquoi pas (c’est visiblement la nouvelle lubie en France) mais il faut encore savoir le maîtriser, ce qui n’est pas totalement le cas.

Alibi.com : Photo Élodie Fontan, Nathalie Baye, Philippe Lacheau

Bilan – juin 2017

Cinéma

Les films de 2017

Marie-Francine (Valérie Lemercier, 2017) 3/4

L’Amant Double (François Ozon, 2017) 0/4

L’Attaque des Donuts Tueurs (Scott Wheeler, 2017) 2/4

L’Ascension (Ludovic Bernard, 2017) 3/4

It Comes At Night (Trey Edward Shults, 2017) 4/4

Alibi.com (Philippe Lacheau, 2017) 2/4

The Edge of Seventeen (Kelly Fremont Craig, 2017) 2/4

 

Rattrapages

The Guest (Adam Wingard, 2014) 3/4

Intimité (Patrick Chéreau, 2001) 3/4

Sublimes Créatures (Richard LaGravenese, 2013) 0/4

Tamara (Alexandre Castagnetti, 2015) 2/4

Le Talent de mes amis (Alex Lutz, 2015) 2/4

Pardonnez-moi (Maïwenn, 2006) 0/4

La Solitude des Nombres Premiers (Saverio Constanzo, 2010) 2/4

Little Children (Todd Field, 2006) 3/4

Le Syndrome de Stendhal (Dario Argento, 1996) 2/4

Jennifer’s Body (Karyn Kusama, 2009) 2/4

9 semaines et demi (Adrian Lynn, 1986) 0/4

The Sessions (Ben Lewin, 2012) 4/4

Hypnose (David Koepp, 1999) 3/4

Goal of the Dead – Première et seconde mi-temps (Thierry Poiraud, Benjamin Rocher, 2014) 3/4

  

Télévision

The Walking Dead (saison 7, 2016) 2/4

Unbreakable Kimmy Schmidt (saison 3, 2017) 3/4

  

Lectures

La vie c’est bien, le cynisme c’est mieux (L’Odieux Connard, 2016) 3/4

Nouvelles sous ecstasy (Frédéric Beigbeder, 1998) 2/4

Les Filles de l’ouragan (Joyce Maynard, 2010) 3/4


Movie Challenge 2017 

Les participants actuels : Beyond the LinesBoratGossip CocoLaurence et OlivierLaurentLilyMartin. N’hésitez pas nous rejoindre !

  1. Un film tiré d’une série/qui a inspiré une série
  2. Un premier film : Clerks de Kevin Smith (1994).
  3. Un film tourné dans un lieu où je suis allé(e)
  4. Un film sorti l’année de mes dix ans
  5. Un film avec acteur/une actrice que je déteste
  6. Un remake ou un film ayant été l’objet d’un remake
  7. Un film qui se passe dans le milieu sportif
  8. Un film de procès : Le Verdict de Sidney Lumet (1982).
  9. Un film européen hors France : Alabama Monroe de Felix Van Groeningen (2012).
  10. Un film qui a reçu la Palme d’or
  11. Un documentaire :
  12. Un film d’action/d’aventure : Deadpool de Tim Miller (2016).
  13. Un film qui a marqué mon enfance/mon adolescence
  14. Un film que j’aime bien secrètement : Marley & moi de David Frankel (2008).
  15. Un film français : Maman a tort de Marc Fitoussi (2016).
  16. Une suite de film : Bridget Jones’s Baby de Sharon Maguire (2016).
  17. Un film engagé : Hippocrate de Thomas Lilti (2014).
  18. Un film sorti cette année : Nocturnal Animals de Tom Ford (2017).
  19. Un film qui m’a fait pleurer : Premier Contact de Denis Villeneuve (2016).
  20. Un film qui m’a fait pleurer de rire
  21. Un film d’un réalisateur que j’adore
  22. Une comédie : S.O.S. Fantômes de Paul Feig (2016).
  23. Une comédie musicale : Ballroom Dancing de Baz Luhrmann (1992).
  24. Un film recommandé par quelqu’un : Watchmen de Zack Snyder (2009).
  25. Un film d’animation
  26. Un film que mon père adore
  27. Un film adapté d’un livre que j’ai lu : Fahrenheit 451 de François Truffaut (1966).
  28. Un film ayant obtenu un Oscar : Manchester by the Sea de Kenneth Lonergan (2016).
  29. Un film en noir et blanc : Elephant Man de David Lynch (1980).
  30. Un film réalisé par une femme : Mon Roi de Maïwenn (2015).
  31. Un film d’un réalisateur asiatique
  32. Un film d’horreur : Suspiria de Dario Argento (1977).
  33. Un film avec un mariage
  34. Un film LGBT : Mademoiselle de Park Chan-Wook.
  35. Un film avec un prénom dans le titre : Sils Maria d’Olivier Assayas (2014).
  36. Un film que je veux voir depuis des années sans en avoir l’occasion : The Secret Life of Words d’Isabel Coixet (2005).
  37. Un film qui se déroule avant le XXe siècle
  38. Un film policier/thriller : La Fille du train de Tate Taylor (2016).
  39. Un film feel-good : Célibataire, mode d’emploi de Christian Ditter (2016).
  40. Un film qui n’est pas sorti en salles en France : Hunt for the Wilderpeople de Taika Waititi (2016).