Les Flingueuses

réalisé par Paul Feig

avec Sandra Bullock, Melissa McCarthy, Demian Bichir, Marlon Wayans, Thomas F. Wilson, Michael Rapaport, Jane Curtin, Ben Falcone…

titre original : The Heat

Comédie policière américaine. 1h57. 2013.

sortie française : 21 août 2013

Movie Challenge 2016 : Un film qui m’a fait pleurer de rire

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D’un côté il y a l’agent spécial du FBI, Sarah Ashburn, une enquêtrice rigoureuse et méthodique dont la réputation la précède tant pour son excellence que son arrogance démesurée. De l’autre l’agent de police de Boston, Shannon Mullins, reconnue pour son fort tempérament et son vocabulaire fleuri. L’une comme l’autre, n’ont jamais eu de partenaire dans le travail… ni vraiment d’amis.
Ainsi, lorsque ces deux représentantes de la loi radicalement opposées sont obligées de faire équipe pour arrêter un baron de la drogue sans pitié, elles se retrouvent à devoir lutter non seulement contre un puissant syndicat du crime, mais aussi et surtout contre l’envie de s’entretuer.

Les Flingueuses : Photo Melissa McCarthy, Sandra Bullock

J’ai vu Les Flingueuses il y a un bon mois lors de son passage sur W9 (non, il n’y a pas que les Ch’tis à Mykonos sur cette chaîne) mais je dois avouer que je n’assumais pas totalement d’avoir bien aimé ce film vu ses notes moyennes sur Allocine et Imdb (j’espère que vous n’allez pas me lyncher, heiiin). Mais j’avais envie de le chroniquer dans le cadre du Movie Challenge. C’est un fait (en ce qui me concerne) : ce film m’a littéralement fait pleurer de rire. Pourtant, même si j’aime bien jusqu’à présent les films de Paul Feig (aurais-je ce même avis en regardant le prochain Ghostbusters ?), je ne m’attendais pas à grand-chose. Au pire, j’espérais juste passer un petit moment sans prétention. Non seulement j’ai été servie en terme de divertissement mais en plus j’ai trouvé qu’il s’agissait d’une vraie bonne comédie. Certes, il ne s’agit pas d’une comédie révolutionnaire. C’est avant tout une nouvelle relecture du buddy-movie avec un duo de femmes – chose assez rare dans ce genre cinématographique (et il est certain que les mentalités à Hollywood doivent changer même si on prend le risque de mettre des femmes pour en mettre). Et ça fait mine de rien du bien. Des pas comme ça, même s’ils paraissent minimes, restent nécessaires. Le duo est formé par Sandra Bullock et Melissa McCarthy. D’un côté, Bullock incarne un agent du FBI psychorigide, de l’autre côté, McCarthy une flic locale décontractée au langage fleuri. Evidemment, alors que tout les oppose, les deux femmes vont se rapprocher et former une équipe soudée. Logique et prévisible. Mais ce n’est tellement pas dérangeant car ce duo fonctionne réellement bien à l’écran. C’est vrai que le film met vraiment en avant le talent comique évident de Melissa McCarthy. Si on n’est pas fan de cette actrice, à mon avis, vous n’aimerez pas ce film. En revanche, pour les autres ça sera un bonheur de la voir autant s’exprimer ! Il faut dire qu’elle aurait pas mal improvisé (même si le réalisateur assure que cela n’aurait pas pris le dessus sur le script), notamment lors de la scène (hilarante) dans laquelle elle se lâche avec le monologue « Quelqu’un a-t-il vu les couilles du commissaire ? ». Cette information ne m’a pas vraiment étonnée, on sent cette part d’impro. L’impro peut être quelque chose de très risquée car certains acteurs transforment cet exercice en show à part entière au point de bouffer le film. Ca peut être aussi le moyen de combler des lacunes possibles à un film.

Les Flingueuses : Photo Melissa McCarthy, Sandra Bullock

Certes, il ne s’agit pas du film du siècle et c’est clair qu’en sortant du film on pense à la performance imposante (qui plaira ou non) de McCarthy. Mais je crois que son interprétation permet plus de faire ressortir les qualités générales du film, dans un sens, elle le bonifie. Encore une fois, je ne dis pas qu’il y a un scénario de fou derrière et on pourra même dire qu’il y a un côté déjà vu (si on devait émettre une éventuelle remarque), je ne suis pas en train d’idéaliser le film, loin de là. L’intrigue est d’ailleurs assez banale, reconnaissons-le. Mais les répliques bien senties et les situations dingues qui s’enchaînent sont déjà drôles en elles-mêmes. Un film mal écrit n’aurait pas pu être drôle même avec la géniale McCarthy (oui, je l’admire de plus en plus). Il y avait quand même un bon travail déjà fait, sans ça, rien n’aurait pu fonctionner. Surtout, même si l’interprétation de Melissa McCarthy est remarquable, elle ne tombe pas non plus totalement dans un one-man show. Sa partenaire parvient à exister malgré tout avec un rôle certainement moins exubérant. Sans dire qu’il s’agit d’une grande actrice, j’ai toujours bien aimé Sandra Bullock dans les comédies dans lesquelles elle est en mode bad ass (même si au début elle paraît coincée). Ce rôle lui convient donc à merveille car en plus elle sait faire évoluer son personnage, en tout cas elle est également crédible. Mais encore une fois, j’insiste surtout sur le bon fonctionnement du duo. Les deux interprétations sont complémentaires malgré l’apparente opposition et on sent une réelle complicité entre les deux actrices. Les Flingueuses n’est donc pas la comédie du siècle mais elle vaut finalement mieux que son titre français peu engageant. Ce film a le mérite d’offrir un honnête et bon divertissement qui montre à quel point les femmes, notamment celles qui ne correspondent pas aux canons de beauté, sont capables d’avoir des couilles – même si je ne pense pas qu’il ait la prétention d’être féministe ou quoi que ce soit dans ce genre. Le reste suit : la mise en scène reste tout de même tout à fait correcte dans ce genre de production et le montage participe également au rythme effréné de ce film qui dure pratiquement deux bonnes heures et dans lequel pourtant on ne s’ennuie pas ni on se sent gavé par toute cette énergie. Mais il s’agit ici d’une bonne énergie qui parvient à être communicative. Ce film m’a en tout cas fait un bien fou et remplit pas si mal que ça ses objectifs.

Les Flingueuses : Photo Melissa McCarthy, Sandra Bullock

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Blue Ruin

réalisé par Jeremy Saulnier

avec Macon Blair, Amy Hargreaves, Devin Ratray, Kevin Kolack, David W. Thompson, Bonnie Johnson…

Thriller, drame américain. 1h34. 2013.

sortie française : 9 juillet 2014

interdit aux moins de 12 ans

Movie Challenge 2016 : Un film dont le titre comporte une couleur

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Un vagabond solitaire voit sa vie bouleversée lorsqu’il retourne à sa maison d’enfance pour accomplir une vieille vengeance. Se faisant assassin amateur, il est entraîné dans un conflit brutal pour protéger sa famille qui lui est étrangère.

Blue Ruin : Photo Macon Blair

Après avoir vu Green Room (que j’ai trouvé excellent), j’ai eu envie de découvrir le deuxième long-métrage de Jeremy Saulnier, Blue Ruin, présenté à la Quinzaine des Réalisateurs au festival de Cannes en 2013. Oui, ce gars a l’air obsédé par les couleurs mais passons. Pour la petite histoire, le titre du film fait référence à la voiture (une Pontiac Bonneville) qui sert d’abri au personnage principal de ce long-métrage. De plus, selon le réalisateur dans une interview, cette couleur est le reflet du ton du film « dur et brutal » (ce qui est très juste) et c’est aussi une expression qui signifie « débâcle » (à l’image de la situation du personnage principal). Il s’agit a priori d’une simple histoire de vengeance : un SDF veut buter le type qui a supprimé la vie de ses parents, ce dernier étant sorti de prison. La vengeance prend alors forme dans les deux sens (la famille du méchant de base de l’histoire – pour caricaturer – s’en mêle) même si le film privilégie le point de vue de notre vagabond, le prénommé Dwight, qui démarre, à partir de son époque donc (dans les années 2010 donc), les hostilités. Cela dit, il s’agit d’un revenge movie surprenant à sa façon même si je ne pense pas (et c’est peut-être ce qui fait aussi le charme de ce film) que Saulnier ait la prétention de révolutionner quoi que ce soit. En effet, on ne s’attend pas nécessairement à voir un Dwight, en quête de vengeance, aussi peu doué pour manier les armes (dans ce genre d’histoire, on a généralement l’habitude de voir un ancien vétéran ou quelqu’un qui a en tout cas souvent été en contact avec les armes et non un amateur) ou encore la première scène, dans laquelle on voit une gentille et bienveillante flic, qui a une attitude maternelle, annoncer à Dwight la sortie de prison de l’assassin de ses parents. Le scénario est donc assez simple mais d’une réelle efficacité. Jeremy Saulnier va droit au but et même si on a l’impression qu’il privilégie l’action, il n’oublie pas pour autant son propos ni la psychologie des personnages. Il pose à ce moment-là une réflexion pertinente sur l’utilisation dangereuse des armes à feu, mises trop facilement entre les mains d’individus qui perdent le contrôle de la situation en ne sachant pas les utiliser et encore moins à bon escient. La réflexion autour de la vengeance, bien qu’elle ne soit pas neuve (mais bon, ça ne me dérange pas plus que ça encore une fois, du moment que le résultat suit, sinon on n’irait plus voir de films) fonctionne également (le film montrant alors son inutilité). La mise en scène est également une belle réussite, surtout venant de la part d’un réalisateur quasi-débutant. Au-delà de la précision, on ressent dans son travail une folle énergie et une certaine maturité.

Blue Ruin : Photo Amy Hargreaves

Si on a parlé de revenge movie au début, je dirais pourtant que Jeremy Saulnier parvient à mélanger différents codes pour mieux se les approprier et en faire quelque chose d’assez unique justement. Avec cette voiture qui joue un rôle essentiel, on pense au road-movie, le côté bras-cassé de Dwight rapproche également le film avec une sorte de comédie noire et l’ultra-violence dépasse le simple film de violence, on pense alors davantage à un cinéma presque horrifique. On pourra même établir un parallèle avec l’univers des Coen (notamment avec Sang pour Sang / Blood Simple). L’espace est aussi quelque chose parfaitement bien saisi. On sent que l’environnement qui entoure les personnages a son importance dans le récit en tant que contexte. D’ailleurs, dans la première partie du film, Dwight n’ouvre pratiquement pas la bouche (le film comporte par ailleurs peu de dialogues ce qui permet de ne pas tomber dans des propos trop explicatifs, encore une fois, il va à l’essentiel) mais ce n’est pas plombant pour autant car suivre ce personnage dans cet environnement particulier (une Amérique pauvre) est intense. Dès les premières minutes, on a envie de savoir jusqu’où cet homme peut aller dans sa soif de vengeance. Il y a d’ailleurs quelque chose de très intéressant dans ce film : l’apparence. En effet, la fameuse première partie privilégie alors un personnage énigmatique avec cette apparence de vagabondage, qui attire plus la pitié que la crainte. Or, une fois qu’il parvient à se débarrasser de cette longue barbe et de ses habits puants et qu’il redevient un individu de tout ce qu’il y a de plus « normal » dans notre société en ce qui concerne l’apparence, il paraît finalement encore plus flippant. Le propos sur la dangerosité des armes prend alors encore plus de dimension : n’importe quel individu peut être concerné par ce problème. Macon Blair (au passage, meilleur ami d’enfance de Jeremy Saulnier depuis leur plus tendre enfance !) est tout simplement excellent dans le rôle de Dwight. Il donne beaucoup d’humanité et de sensibilité à ce personnage attachant qui bascule pourtant dans le côté obscur. Dommage qu’il ne parvienne pas encore à avoir une filmographie plus solide alors que son talent me paraît évident. Pour conclure, Blue Ruin est pour moi une sacrée bonne surprise. Profond sans trop intellectualiser à tout prix, en apparence classique mais en réalité sait s’imposer à sa façon en jouant habilement avec différents codes cinématographiques, ce long-métrage montre (et Green Room le confirme) le renouveau possible du cinéma indépendant américain avec Jeremy Saulnier dont je suis maintenant la carrière de très près.

Blue Ruin : Photo Macon Blair

Julieta

réalisé par Pedro Almodovar

avec Emma Suarez, Adriana Ugarte, Daniel Grao, Inma Cuesta, Dario Grandinetti, Michelle Jenner, Rossy de Palma, Pilar Castro…

Drame espagnol. 1h40. 2016.

sortie française : 18 mai 2016

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Julieta s’apprête à quitter Madrid définitivement lorsqu’une rencontre fortuite avec Bea, l’amie d’enfance de sa fille Antía la pousse à changer ses projets. Bea lui apprend qu’elle a croisé Antía une semaine plus tôt. Julieta se met alors à nourrir l’espoir de retrouvailles avec sa fille qu’elle n’a pas vu depuis des années. Elle décide de lui écrire tout ce qu’elle a gardé secret depuis toujours.
Julieta parle du destin, de la culpabilité, de la lutte d’une mère pour survivre à l’incertitude, et de ce mystère insondable qui nous pousse à abandonner les êtres que nous aimons en les effaçant de notre vie comme s’ils n’avaient jamais existé.

Julieta : Photo Emma Suárez, Michelle Jenner

Julieta, présenté en compétition officielle au dernier Festival de Cannes (et reparti les mains vides), est une adaptation très libre trois nouvelles issues du recueil Fugitives (Runaway) de l’auteure canadienne Alice Munro (prix Nobel de littérature en 2013) : « Hasard », « Bientôt » et « Silence ». Dans ces trois nouvelles (en vous précisant que j’ai lu ce joli recueil il y a quelques années – sans être une fan absolue, il reste intéressant et je ne peux que vous le conseiller), le lien est crée à partir des trois héroïnes qui se nomment toutes Juliette (alors qu’il ne s’agit pas du même personnage). Pedro Almodovar, qui rendait déjà hommage à l’oeuvre de Munro dans La Piel que Habito (on voit le bouquin en guise d’accessoire), a donc condensé ces trois nouvelles en particulier pour en livrer une version vraiment personnelle ! Je dois avouer que pendant tout le long de ma séance, je n’ai pas pensé une seule fois au texte d’origine, ce qui est extrêmement rare en ce qui me concerne (et qui est ici quelque chose de très positif en terme d’appropriation pure d’une oeuvre). Oui, il s’agit avant tout d’un pur Almodovar comme on les aime. Sans dire qu’il s’agit d’un de ses meilleurs (même si ce n’est que mon avis), ça fait plaisir de le revoir en forme, ses deux précédents film La Piel que Habito (même si je sais qu’il a ses fans – je ne le trouve pas mauvais mais il m’a laissée indifférente) et Les Amants Passagers (plus intéressant et intelligent qu’il en a l’air et qui ne méritait pas pour moi ce lynchage mais avouons que sa vulgarité gâche beaucoup de bonnes choses mises en place). Julieta devait à l’origine reprendre le nom d’une des nouvelles et s’appeler Silencio mais a abandonné ce titre pour éviter une confusion avec le prochain long-métrage de Martin Scorsese. Cela dit, ce titre d’origine est très significatif par rapport à l’ensemble de l’oeuvre. Le silence est un des thèmes centraux et même celui qui va permettre à en engendrer d’autres. Sans spoiler quoi que ce soit (en même temps, tout en proposant des histoires très claires et fluides, je trouve que c’est toujours difficile de résumer réellement les films d’Almodovar), le silence, les non-dits, les secrets sont la source de conflits entre les personnages, coincés par la culpabilité et victimes du destin.

Julieta : Photo

Il est intéressant de voir comment les thèmes du silence, de la culpabilité et du destin prennent place dans Julieta. Pedro Almodovar parvient à combiner différentes références (mythologiques, littéraires, cinématographiques, picturales etc…) pour créer quelque chose de très cohérent. Le parallèle avec L’Odyssée (la Julieta du titre étant professeure de littérature antique, Xoan est une sorte d’Ulysse étant donné qu’il est marin et se laisse charmer, il y a aussi toute une dimension tragique dans l’épopée etc…) ou celui avec Hitchcock (la partie dans le train est sublime) sont notamment pertinents. Le scénario est assez réussi : tout en parvenant à approfondir les différents thèmes, il dévoile la vie de Julieta petit à petit à travers de flashback et d’une voix-off, créant ainsi un certain suspense sur le sort final des personnages. C’est un procédé qui aurait pu être très laborieux, au point de gâcher le film. Certes, la voix-off prend parfois un peu trop le dessus, le film devenant parfois un peu trop explicatif. Cela dit, et c’est là où une sorte de mise en abyme fonctionne bien, il laisse place au rôle de la littérature et plus généralement de l’écriture : la voix-off intervient pour que le spectateur puisse avoir accès aux écrits de Julieta envers sa fille Antia. Non seulement, c’est un procédé qui permet au spectateur d’en savoir plus sur une partie de la vie de Julieta et sur comment elle en est arrivée à un certain point à l’heure actuelle mais finalement on en revient toujours au thème du silence. Comment communiquer et briser les secrets ? Julieta trouve un moyen détourné pour tenter renouer possiblement des liens avec sa fille sans pour autant faire appel à l’oralité, le moyen le plus représentatif de la communication. La fin, certes frustrante, illustre d’ailleurs ce problème de communication difficile à résoudre totalement : on ne saura jamais ce qui sera réellement dit entre les personnages. Le scénario, possédant une structure solide, se concentre également à juste titre sur le personnage principal. Pedro Almodovar signe de nouveau un beau et complexe portrait de femme qui traverse le temps avec de la douleur, ses souvenirs et ses sentiments les plus profonds.

Julieta : Photo Emma Suárez

La mise en scène est très élégante, précise et soignée, comme d’habitude chez Almodovar, l’esthétique saute également aux yeux et permet de servir le propos. Les couleurs flamboyantes, en particulier dans le passé, permettent de créer un contraste avec la dure et tragique réalité. Surtout, et c’est d’ailleurs l’idée qui pourrait être présente par l’idée d’écrire, on a l’impression quelque part qu’on est face à une fiction dans la fiction alors que ce n’est pourtant pas le cas, mais nous pouvons nous interroger si le point de vue de Julieta ne deviendrait pas fictif via le procédé littéraire, comme si elle amplifiait certains événements, comme si c’était elle quelque part qui rendait sa vie encore plus tragique (le terme étant important étant donné qu’il y a par conséquent une présence dominante de la fatalité dans le film) qu’elle ne l’est déjà. Par ailleurs, l’esthétique est aussi justifiée par la présence du mélodrame, complètement assumée (et revue) par son réalisateur, même si ce choix pourra déstabiliser certains spectateurs. J’ai donc beaucoup aimé ce dernier cru d’Almodovar qui possède beaucoup de qualités et encore une fois, je trouve cela génial de le voir encore inspiré. Cela dit, peut-être à cause de son côté un peu trop explicatif (et pas uniquement à cause de la voix off) justement comme je le suggérais plus haut, Julieta n’est pas le chef-d’oeuvre qu’il aurait pu être. Beaucoup de scènes sont bien foutues sur de nombreux points mais je crois qu’il manque quelques scènes fortes, quelques piques d’émotion, même si le film m’a touchée. Julieta possède cela dit un joli casting féminin, permettant d’effacer mes quelques remarques. Emma Suarez et Adriana Ugarte (dont je ne connaissais pas leur existence avant d’aller voir ce film), qui incarnent toutes les deux l’héroïne à des âges différents (Pedro Almodovar ne faisant pas confiance à la magie du maquillage), livrent des interprétations impeccables. Surtout, la connexion, je dirais même l’unité, entre les deux actrices fonctionne dans le sens où la transition (très réussie avec la serviette – c’est simple mais très efficace) d’un personnage à un autre ne nous perd pas et nous semble crédible.

Julieta : Photo Adriana Ugarte

Sisters

réalisé par Jason Moore

avec Amy Poehler, Tina Fey, Maya Rudolph, Ike Barinholtz, James Brolin, Dianne Wiest, John Cena, John Leguizamo, Greta Lee, Madison Davenport, Kate McKinnon…

Comédie américaine. 2h. 2015.

sortie française : 11 mai 2016

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Deux sœurs sont de retour chez leurs parents pour débarrasser leur ancienne chambre d’enfant avant que la maison familiale ne soit vendue. Dans l’espoir de revivre pour une nuit leurs années de gloire passées, elles organisent une soirée « de jeunes » avec leurs anciens camarades de lycée qui tourne rapidement en fiesta délirante et salutaire pour cette bande d’adolescents attardés.

Sisters : Photo Amy Poehler, Tina Fey

Tina Fey est la créatrice (et actrice aussi) des séries phares 30 Rock et Unbreakable Kimmy SchmidtAmy Poehler elle est à la tête de Parks and Recreation. Toutes les deux sont capables de faire des merveilles, que ce soit au sein du Saturday Night Live ou à la présentation de la cérémonie des Golden Globes. Il était déjà arrivé de voir Fey et Poehler au sein d’un même film mais jamais elles n’avaient formé de duo ensemble au cinéma dans les rôles principaux. Je comprends donc leur envie de se réunir et il faut avouer que ça avait de la gueule sur le papier. Puis, après avoir vu Sisters, on se dit que c’était la pire des idées. Je me demande pourquoi elles se sont foutues dans un tel merdier qui détruit toute leur bonne réputation et tout le travail qu’elles ont fourni jusqu’à présent. Pire, elles font même partie de la liste des producteurs ! Derrière la caméra, on retrouve Jason Moore, qui avait signé le sympathique mais surestimé Pitch Perfect et au scénario Paula Pell, qu’on a déjà vue dans des petits rôles notamment dans les deux séries des stars de ce film. Comment est-on arrivé à une vraie cata ? Beaucoup d’erreurs se sont accumulées jusqu’à ce qu’on ait droit à un machin (j’ose même pas nommer ça un film) indigeste. Je précise que je suis pourtant tolérante avec des comédies qui ne volent pas toujours haut, le principal étant que je me marre. Le problème ici est qu’il s’agit d’une comédie qui ne fait pas rire. Bref, pourquoi justement ce film n’est-il pas drôle ? Dès les premières minutes (et hélas ça se poursuit jusqu’aux dernières), des clichés gros comme des camions. Je veux bien accepter des clichés, qui peuvent même devenir un moteur dans les comédies mais là il y en a tellement que très rapidement on n’a même pas envie de croire à l’histoire qu’on nous propose. En clair, encore une éternelle opposition entre deux frangines (ooh surprise) de quarante balais frustrées : une est une infirmière divorcée coincée mais comme on dit chez moi, elle est brave, la seconde est une mère célibataire superficielle pas foutue de garder un emploi. Bref, leur vie est un bordel et décident d’en ajouter davantage suite à, diable, terrible annonce : leurs parents ont décidé de vendre la maison qui ont marqué leur enfance. « Tiens, si on décidait de foutre le bordel en organisant une fête comme des ados attardés alors qu’on a 40 piges et que c’est un peu pathétique de faire ça ? ».

Sisters : Photo Amy Poehler, Tina Fey

Je sais qu’il y a beaucoup de films déjà faits autour de ce sujet, c’est-à-dire des adultes qui ont une vie chiante qui décident de redevenir le temps d’un instant de redevenir des ados (nostalgiiiiieeeee qui me gave déjà bien à l’origine) et en général ce n’est pas très fin. Mais il y a eu quelques réussites. Là non seulement on est dans une situation qui nous paraît d’emblée bidon mais les éléments grossiers s’accumulent dans tous les sens du terme. On n’est pas simplement dans la bonne vieille histoire d’une nostalgie « oooh je veux revivre ma jeunesse ». Non, là ça se transforme en Projet X ! Et ça devient carrément LOURDINGUE (et en plus, qu’est-ce que le film est looong) ! Il n’y a que des vannes autant pourries (et vulgaires) les unes que les autres sur le sexe et la drogue, une accumulation improbable de problèmes (je veux bien croire que les films ne représentent pas la réalité mais là ça finit par piquer les yeux), le scénario n’ayant en fait strictement rien à raconter. Mais face à tout ça, on a droit à une fin hyper moralisatrice qui dégueule bien comme il le faut. C’est d’autant plus décevant quand on avait l’impression que Tina Fey et Amy Poehler qui, certes ne sont pas responsables directement de ce carnage complètement creux mais qui l’ont bien cautionné, auraient pu se foutre facilement de la gueule de ce genre de production. Les deux copines ne sont d’ailleurs pas au mieux de leur forme. Poehler fait le job. Quant à Fey, si au début elle passe à peu près dans cette caricature de dinde, elle devient vite insupportable en montrant certaines limites. Les rôles secondaires ne s’en sortent d’ailleurs pas mieux. Le pire, au fond, c’est que ça me fait de la peine de ne pas avoir aimer grand-chose dans ce « film » creux, sans intérêt, pas foutu de développer ses thèmes (notamment autour de la fameuse relation entre les soeurs !) parce que j’ai malgré tout toujours beaucoup d’affection pour Tina Fey et Amy Poehler qui sont capables d’être talentueuses et de participer à de bien meilleurs projets.

Sisters : Photo Amy Poehler, Tina Fey

Money Monster

réalisé par Jodie Foster

avec George Clooney, Julia Roberts, Jack O’Connell, Caitriona Balfe, Dominic West, Lenny Venito, Giancarlo Esposito, Emily Meade, Christopher Denham…

Thriller américain. 1h40. 2016.

sortie française : 12 mai 2016

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Lee Gates est une personnalité influente de la télévision et un gourou de la finance à Wall Street. Les choses se gâtent lorsque Kyle, un spectateur ayant perdu tout son argent en suivant les conseils de Gates, décide de le prendre en otage pendant son émission, devant des millions de téléspectateurs…

Money Monster : Photo George Clooney

Jodie Foster a présenté pendant le festival de Cannes son quatrième long-métrage en tant que réalisatrice (après Le Petit Homme, Week-end en famille et Le Complexe du Castor) : Money Monster. Ce film présente également les retrouvailles entre Georges Clooney et Julia Roberts après les deux premiers Ocean’s de Steven Soderbergh et Confessions d’un homme dangereux. Il faut savoir que le scénario de Money Monster faisait partie de la fameuse liste noire 2014 des projets qui n’avaient pas pu voir le jour. J’avais donc envie d’aller le voir pour Foster en tant que réalisatrice qui m’avait conquise avec son intelligent Complexe du Castor, pour son casting attirant et surtout pour son sujet. Mais quelque part, vu l’affiche et la bande-annonce, j’avais aussi peur d’un effet de déjà-vu et je redoutais aussi son côté très 1990s. Heureusement, mes doutes se sont rapidement dissipés. En clair, j’étais captivée par ce long-métrage dès son commentaire, je dirais même dès ses cinq premières minutes. Le défi était de taille : comment se sentir spectateur d’une émission de télé filmée pratiquement en temps réel tout en ayant l’impression d’assister à un véritable objet cinématographique et non à un objet télévisuel (surtout quand on sait que le tournage s’est déroulé dans les studios de CBS ?). Jodie Foster et son équipe ont su dépasser ce problème grâce aux nombreuses qualités que possède ce film. En effet, malgré des thèmes déjà exploités à plusieurs reprises (filmer un danger en direct, la télé comme lieu de bouffonnerie, les conséquences d’un krach boursier dans le monde entier etc…), le scénario est suffisamment bien rôdé, la mise en scène est d’une réelle efficacité et le montage est franchement bien foutu. On a beau avoir vu déjà des tas de films qui abordaient les thèmes présents et honnêtement on se doute bien comment ce long-métrage va se terminer, pourtant on arrive à avoir sa dose de surprises, à suivre les événements comment les personnages sur le plateau et les spectateurs, c’est-à-dire en se demandant quelle en sera l’issue finale. En même temps, en ce qui concerne la possible prévisibilité que pourrait posséder ce film, elle parvient à se justifier notamment à travers le discours assez cynique voire même assez pessimiste, qui colle avec notre réalité. J’ai beaucoup aimé ce point de vue dégagé qui donne une dimension davantage tragique à l’oeuvre alors qu’on s’attendait à voir un simple thriller comme on en voit beaucoup. Ce choix est d’autant plus étonnant qu’il s’agit avant tout d’un film de studio.

Money Monster : Photo Julia Roberts

Malgré quelques passages qui tombent parfois légèrement dans le manichéisme (notamment à travers certaines répliques maladroites du genre « Dis que ce que tu as fait c’est maaaal »), le propos reste pertinent sur le combat impossible à mener de la part de petits individus contre un système financier qui regorge toujours de requins. Peut-être que certains diront « tout ça pour ça » mais je trouve l’impression finale cohérente avec ce que le film veut montrer. On aurait pu aussi être gavé par autant de dialogues débités dans un rythme effréné mais finalement ce n’est absolument pas le cas. Enfin, dans l’ensemble, le casting assure. Dans le rôle de Lee Gates, un présentateur télé bouffon et capricieux, qui finit par ouvrir les yeux et à montrer la part d’humanité qui existe encore en lui, George Clooney est tout simplement excellent. Je suis également ravie de voir Julia Roberts revenir avec un vrai bon rôle. Certes, il s’agit a priori d’un rôle assez secondaire en jouant une femme de l’ombre. Pourtant avec son charisme et son caractère, Roberts ne se fait pas du tout manger par son partenaire. Elle défend avec conviction ce rôle de femme forte, ce qui fait du bien dans un film de studio. J’aime également toujours autant Jack O’Connell qui s’en tire bien dans le rôle du preneur d’otage qui pète un câble en étant victime du système. J’avais au début peur de le voir trop hystérique à cause de son rôle puis finalement le jeune acteur britannique offre une interprétation très juste, à la fois angoissante et poignante. Les seconds rôles sont également très bons. L’actrice irlandaise Caitriona Balfe (de la série Outlander) est très convaincante dans ce rôle féminin également intéressant dans ce type de production, Dominic West est également crédible en pourriture même si son personnage est un chouïa caricatural. Enfin, quelques seconds rôles apportent un peu de « légèreté » qui trouve leur place comme par exemple Lenny Venito en caméraman qui se lamente à ne pas sortir du studio, Emily Meade aux réactions inattendues ou encore Christopher Denham en employé qui court dans tous les sens. Pour conclure, sans crier au chef-d’oeuvre, Money Monster est une jolie réussite. Jodie Foster réalise un film de poing efficace et pertinent, accessible sans prendre les spectateurs pour des idiots mais sans non plus intellectualiser à tout prix son propos plus fin qu’il en a l’air.

Money Monster : Photo George Clooney, Jack O'Connell

Star Wars, épisode VII : Le Réveil de la Force

réalisé par J.J. Abrams

avec Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Harrison Ford, Oscar Isaac, Carrie Fisher, Mark Hamill, Lupita Nyong’o, Andy Serkis, Peter Mayhew, Gwendoline Christie, Domhnall Gleeson, Anthony Daniels, Kenny Baker, Max von Sydow, Warwick Davis, Simon Pegg…

titre original : Star Wars – Episode VII : The Force Awakens

Film de science-fiction, aventure américain. 2h15. 2015.

sortie française : 16 décembre 2015

Movie Challenge 2016 : Un film qui a une suite

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Plus de trente ans après la bataille d’Endor, la galaxie n’en a pas fini avec la tyrannie et l’oppression. Les membres de la Résistance menés par la générale Leia Organa combattent les nouveaux ennemis de la république, dirigés par le leader suprême Snoke. À ses côtés, le jeune Kylo Ren dirige les troupes du Premier Ordre. Dépassés, les résistants ont besoin de Luke Skywalker, le dernier Jedi. Mais celui-ci se cache depuis bien longtemps. La résistance envoie son meilleur pilote, Poe Dameron, sur Jakku pour récupérer une carte qui les mènera à Luke. Mais l’arrivée de Kylo Ren et ses soldats leur complique la tâche.

(résumé venant de Cinéma Choc, parce que celui d’Allocine ne me convenait pas et que j’avais une flemme de fou de vous en faire un convenable).

Star Wars - Le Réveil de la Force : Photo Daisy Ridley, John Boyega

La sortie du VIIe épisode de la saga culte Star Wars faisait parties des événements incontournables de la fin de l’année 2015. Je faisais évidemment partie des gens très excités car j’étais évidemment poussée par ma curiosité : comment redonner de nouveau vie à une saga aussi culte sans nous lasser et surtout sans trahir son univers ? Pouvait-on faire confiance à J. J. Abrams malgré la qualité de certains de ses films ? Après tout, George Lucas avait réussi à massacrer sa propre saga ces dernières années avec La Menace Fantôme et même L’Attaque des Clones (en revanche, j’adore toujours autant La Revanche des Sith). Malgré ma curiosité, même mon excitation, il y avait bien la peur d’être déçue. Finalement, sans crier au chef-d’oeuvre, ce nouvel opus de Star Wars s’en tire plutôt bien pour plusieurs raisons. Certes, il s’agit d’un film commercial, on ne va pas se mentir (même si un film commercial peut être artistique, ça ne me semble pas incompatible) mais il parvient tout de même à continuer à développer tout ce qui a déjà mis en place depuis le début de la saga, notamment en ce qui concerne les liens familiaux, rendant Star Wars plus profond qu’il en a l’air. Après on pourra évidemment lui reprocher de reproduire un scénario finalement assez similaire aux « premiers » épisodes de la saga d’où aussi une certaine prévisibilité). Cela dit, contrairement à d’autres sagas qui jouaient trop sur la carte de la nostalgie au point de nous écoeurer et de nous gaver (je pense récemment à Jurassic World), les nombreux clins d’oeil à ce que nous connaissions déjà de la saga ne sont pas trop lourds. En fait, je trouve que le film a le mérite de combler les fans de la première heure et d’attirer un public plus jeune en train de découvrir probablement la saga. J’étais évidemment heureuse de retrouver les figures mythiques de la saga comme Han Solo, Leia ou encore Luke Skywalker et j’étais aussi contente de découvrir les nouveaux personnages qui s’intègrent rapidement dans un univers pourtant bien connu par les fans. De plus, nous pouvons tout de même souligner les efforts vraiment faits venant de la part du grand studio Disney en mettant en avant les minorités. Même si évidemment, ça ne va pas changer la qualité d’un film, j’espère tout de même que ça va permettre Hollywood de changer pour de bon de mentalité et c’est bien que ça passe aussi par une si grande saga que celle-ci. Les nouveaux personnages sont incarnés par un casting très convaincant, que ce soit la jeune Daisy Ridley (même si elle a quelques mimiques à la Keira Knightley), John Boyega (repéré dans le surprenant Attack the Block de Joe Cornish) ou encore Oscar Isaac qu’on ne présente plus.

Star Wars - Le Réveil de la Force : Photo Harrison Ford, Peter Mayhew

A noter aussi quelques caméos (difficiles à repérer quand on ne le sait pas forcément) sympathiques (Daniel Craig, Simon Pegg, Michael Giacchino ou encore Nigel Godrich le producteur de Radiohead). Je reviens aussi sur le rôle de Rylo Ken interprété par Adam Driver, qui a pu créer beaucoup de discussions. J’admets qu’il s’agit d’une petite déception de ce côté-là. Certes, sans spoiler, la fin nous permet de comprendre certains choix adoptés. Cela dit, j’ai été perturbée de voir ce méchant se comporter comme un pauvre enfant capricieux. Je trouve que ça casse vraiment certains éléments tragiques mis en place depuis le début de la saga. C’est dommage parce qu’Adam Driver ne livre pas une mauvaise interprétation, loin de là. Même dans une grosse machine comme Star Wars, il parvient à s’en sortir. Mais je crois qu’il n’est pas aidé par l’écriture de son personnage ni même par son physique. Cela ne m’a en tout cas pas empêché d’apprécier pleinement le spectacle. Les effets spéciaux spectaculaires, la musique mythique, le son, les magnifiques décors… tout y est pour qu’on se replonge sans problème dans l’univers qu’on connait tous tant. De plus j’ai trouvé le film bien rythmé dans le sens où déjà je ne me suis pas ennuyée mais surtout l’action avec tout qui pète dans les coins ne paraît pas lourde. Il n’y a pas non plus que ça. Le scénario prend tout de même le temps de s’intéresser aux personnages, cela accentue une émotion qui apparaît dans le film assez naturellement finalement malgré tous les éléments derrière mis en place pour éventuellement la faire naître. De plus, et ça aussi, c’est quand même un point assez important à souligner : on a tout simplement envie d’aller découvrir le reste de cette nouvelle trilogie mise en place (même si honnêtement j’ai peur de l’overdose avec les spin-off qui vont bientôt voir le jour). Certains le voient comme une sorte d’épisode de transition, certes c’est possible mais je n’ai jamais vu cet aspect en question pendant ma séance, pour moi il s’agit bien d’un vrai épisode, là encore c’est pour qu’il s’agit d’une réussite malgré quelques défauts notables.

Star Wars - Le Réveil de la Force : Photo Adam Driver

Dalton Trumbo

réalisé par Jay Roach

avec Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, Louis C. K., Michael Stuhlbarg, Elle Fanning, John Goodman, Christian Berkel, Alan Tudyk, Dean O’Gorman,Adewale Akinnuoye-Agbaje…

titre original : Trumbo

Biopic américain. 2h04. 2015.

sortie française : 27 avril 2016

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Hollywood, la Guerre Froide bat son plein.
Alors qu’il est au sommet de son art, le scénariste Dalton Trumbo est accusé d’être communiste.
Avec d’autres artistes, il devient très vite infréquentable, puis est emprisonné et placé sur la Liste Noire : il lui est désormais impossible de travailler.
Grâce à son talent et au soutien inconditionnel de sa famille, Il va contourner cette interdiction.
En menant dans l’ombre un long combat vers sa réhabilitation, il forgera sa légende.

Dalton Trumbo : Photo Bryan Cranston

Pour tout vous avouer, Dalton Trumbo n’est pas nécessairement une personnalité dont je connais bien son oeuvre – j’ai tout de même vu et adoré son Johnny got his gun, l’adaptation de son roman. En revanche, je connaissais un peu son histoire liée à ses positions communistes. C’est pour cette raison que j’ai voulu découvrir ce biopic car il s’agit d’une personnalité intéressante et même importante. Ce biopic est donc inspiré du documentaire du même nom sorti en 2007. Ce documentaire en question s’inspirait lui-même d’une autre oeuvre : la pièce Red, White and Blacklisted, construite par Christopher Trumbo (le fils de Dalton donc). Surtout, il s’agit aussi d’une adaptation de l’ouvrage de Bruce Cook publié en 1977. C’est Jay Roach qui est donc derrière la caméra. Sans dire qu’il s’agit d’un grand réalisateur, j’aime bien certaines comédies qu’il a réalisées comme Mon beau-père et moi, Austin Powers ou encore Moi, député ‘. Sa série Game Change a également eu de bons échos. Cela dit, j’étais sceptique de voir un réalisateur à l’origine de comédies pas toujours fines être derrière un biopic assez sérieux. Mais j’ai décidé de mettre mes doutes de côté étant donné que j’ai lu de bonnes critiques sur ce biopic, que ce soit dans la presse ou sur la blogosphère. Hélas, j’ai eu raison de me méfier. Certes, j’ai trouvé ce biopic très intéressant car j’ai envie de dire que l’histoire de Trumbo et des Dix d’Hollywood est passionnante et mérite qu’on ne l’oublie pas. Les intentions derrière sont évidemment très louables. En effet, c’est une ode à la liberté de penser, de voter, de créer même. C’est également une bonne chose, à travers ce film, de rendre hommage aux hommes de l’ombre du cinéma, c’est-à-dire ici les scénaristes. Le propos ne m’a pas laissée indifférente et dans l’ensemble il s’agit d’un film assez plaisant à suivre. De plus, la reconstitution des différentes époques reste bien faite dans le sens où le spectateur se retrouve aisément dans l’ambiance d’antan mais les décors ou les costumes n’ont rien non plus de kitsch. L’histoire en elle-même est bien présentée, c’est-à-dire qu’elle peut certainement séduire les cinéphiles-historiens et ceux qui s’intéressent moins à cette partie de l’histoire du cinéma.

Dalton Trumbo : Photo Bryan Cranston, Dean O'Gorman

Bref, concrètement, je ne me suis pas ennuyée, l’histoire a su m’intéresser car je pense qu’elle reste malgré tout racontée efficacement, c’est même dans un sens un film « divertissant ». De côté-là, Dalton Trumbo reste donc à peu près réussi. Mais elle n’est pas suffisamment mise en valeur par une réalisation hyper académique et sans aucune personnalité, on a l’impression que n’importe qui aurait pu être derrière la caméra. Le scénario est certes accessible pour éventuellement prendre connaissance de l’histoire de Trumbo et plus généralement du contexte historique mais on a vraiment l’impression de voir une page Wikipedia défiler ! En fait, j’ai envie de dire qu’on est face à tout ce qu’on redoute d’un biopic – même si on a droit qu’à une partie de la vie de Trumbo. C’est d’autant plus rageant de voir un manque de personnalité pour un biopic qui porte justement sur une personnalité aussi forte ! Dalton Trumbo bénéficie en tout cas d’un excellent casting. En tête, Bryan Cranston livre une interprétation solide. Sa nomination aux Oscars et aux Golden Globes est tout à fait justifiée. Il parvient à donner toutes les nuances à son personnage, sans jamais en faire des caisses. Le scénario, qui a pourtant ses faiblesses, a au moins le mérite de ne pas idéaliser Trumbo (mais sans le flinguer – étant donné que c’est aussi une sorte de mode dans les biopics). Tous les acteurs qui l’accompagnent, que ce soit Diane Lane en épouse et mère dévouée, Helen Mirren en garce, John Goodman en producteur de cinéma (tiens donc, comme c’est surprenant, mouahaha), Michael Stuhlbarg (son nom est décidément toujours chiant à écrire) est également très convaincant dans le rôle d’Edward G. Robinson (même si j’ai eu du mal à le reconnaître – d’ailleurs, en dehors de Cranston, les ressemblances avec de véritables personnalités ne sont pas hyper frappantes – mais après il ne s’agit qu’un petit détail) ou encore Elle Fanning dans le rôle de la fille de Trumbo, sensible et engagée. Parmi les seconds rôles, ma petite préférence va tout de même à Louis C. K. qui a un rôle très intéressant et qui apporte une véritable touche d’humanité à son personnage.

Dalton Trumbo : Photo Bryan Cranston, Helen Mirren

Cannes en 10 points

Ce soir aura lieu la cérémonie d’ouverture de la 69e édition du festival de Cannes. Pour rappel, le maître de cérémonie est Laurent Lafitte et le jury de la compétition officielle sera présidé par George Miller. Plus d’informations ici.

Pour cette occasion (qu’on le veuille ou non, ça reste un des plus grands rendez-vous cinéma de l’année), j’avais envie d’écrire un billet façon « humeur / TAG » sur ce que je pensais de ce festival globalement.

Je pense que c’est le genre de billets que je referai à l’avenir pour des festivals autant importants que Cannes.

Bonne lecture et n’hésitez pas à partager votre avis sur les différents points abordés ou autres, à apporter aussi des suggestions pour que je puisse justement refaire ce type de billets pour d’autres festivals.

photo : Festival de Cannes – site officiel

Quand ai-je découvert ce festival ?

En 2006 (wooow meuf, déjà 10 ans !!). Jadis (je parle comme si j’étais une vieille peau), j’étais une ado qui s’intéressait déjà au cinéma. J’avais juste une envie : découvrir un max de films. Lire des magazines et aller sur Internet m’aidaient déjà non seulement à aller voir des films (que ce soit au cinéma ou chez moi) mais aussi à avoir une meilleure culture cinéma. Cela faisait plusieurs mois que je lisais déjà Première et leur dossier sur Cannes (avec en couverture Sofia Coppola et Kirsten Dunst à l’occasion de la présentation de Marie-Antoinette, que je déteste au passage) m’avait vraiment donné envie d’en savoir plus sur les films présentés, de connaître un max de réalisateurs qui allaient montrer leurs films… Ce ne sont vraiment pas les paillettes et le glamour qui m’ont permis de m’intéresser au festival loin de là. Au fil des années, à force d’avoir mémorisé des tas de noms de films, ça m’a vraiment permis de m’intéresser au cinéma d’auteur assez jeune.

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Photo : Kirsten-Dunst.org

Comment est-ce que je parviens à le suivre de loin ?

Parce qu’il n’y a pas que cette daubasse de Grand Journal qui existe, j’arrive à suivre le festival sur les blogs et sites de presse cinéma de différents pays. J’aime bien notamment aller sur le tableau des notes sur le site du Film Français. Certes, les critiques ne détiennent pas la vérité, et d’ailleurs ni le jury, nous sommes bien d’accord. On sait aussi que certaines critiques sont parfois plus sévères durant le festival parce que justement on s’attend à un niveau très très élevé et que ces critiques en question veulent parfois marquer le coup ou leur mécontentement, ce qui peut se comprendre dans un sens. Le but est évidemment de se faire son propre avis en allant voir les films quand nous le pouvons. Cela dit, quand on veut suivre de loin, qu’on a envie de voir la tendance, se faire ses pronostics alors qu’on a vu du genre trois films sortis en salle pendant le festival (en gros il faut être un peu joueur), ça peut être sympa d’y jeter un oeil même si encore une fois il faut savoir relativiser et surtout ne pas être un mouton. Surtout, j’aime savoir en savoir davantage sur les films présentés, en écoutant les interviews des réalisateurs et acteurs et en regardant les conférences de presse, disponible sur la chaîne de Cannes.

Photo promotionnelle Ethan Coen, Guillermo del Toro, Jake Gyllenhaal, Joel Coen, Xavier Dolan

Le jury de Cannes l’an dernier présidé par les frères Coen – photocall (Allocine)

Pourquoi est-ce que je m’intéresse de loin à ce festival ?

Encore une fois, ce ne sont pas les paillettes qui m’intéressent même si pour moi, ces stars (importantes ou insipides, tout dépend de la personne en question) et les sponsors permettent au festival d’être ce qu’il est (c’est-à-dire allier le glamour et le cinéma « sérieux ») et aussi de vivre tout simplement. Ce sont les films qui m’intéressent. Certes, il m’arrive d’être déçue par certains films présentés, même de me dire que certains n’avaient strictement rien à faire là. On pourra toujours dire qu’on voit toujours les mêmes artistes (et c’est pas faux). Cela dit, je reste persuadée que ça reste un bon moyen (en tout cas comme un autre) de mettre en lumière des films que je n’aurais peut-être pas vu sans leur passage à Cannes. Et je ne parle pas uniquement de la compétition, j’évoque ici aussi les sections parallèles qui ont leur importance pour certains réalisateurs qui ont encore une petite filmographie.

Les Combattants : Photo Adèle Haenel, Kévin Azaïs

Les Combattants, le premier long-métrage de Thomas Cailley, a été présenté à Cannes 2014 à la Quinzaine des Réalisateurs. Il a remporté un beau succès auprès du public et a reçu trois récompenses aux César : meilleure actrice, meilleur espoir masculin et meilleur premier film.

Quelles sont les choses positives que je retiens de ce festival ?

Comme je le disais plus haut, il s’agit avant tout d’une manière conséquente de faire connaître des films d’auteur issus du monde entier, en gros des films que le grand public s’en fiche éperdument le reste de l’année. Ce n’est pas forcément une recette magique (certaines Palme d’or n’ont d’ailleurs pas toujours rencontré du succès) mais ça peut tout de même être un coup de pouce utile, ce n’est pas négligeable. Un grand nombre de réalisateurs sont très reconnaissants d’être passés par la case Cannes pour être plus connu et par la suite monter d’autres projets. Et je ne parle pas uniquement que la compétition officielle. De plus, je dois avouer que je suis allée voir certains films au cinéma parce qu’ils étaient passés par ce festival. Sans ce passage, je ne suis pas toujours sûre que je serais allée le voir. Par conséquent, j’ai pu découvrir des films et des réalisateurs que j’adore depuis ! Surtout, j’ai envie de célébrer le cinéma grâce à Cannes, presque envie de prendre le mot « festival » à partir de son étymologie de « fête ». Attention, je ne dis pas qu’il s’agit du meilleur festival au monde, je pense que chaque festival vise un certain public notamment. Mais grâce à sa médiatisation, pour moi, c’est juste une belle occasion de pouvoir parler de cinéma malgré tout ce qu’on pourra dire dessus. C’est une célébration d’une passion. Malgré toutes les polémiques présentes auparavant et certainement à l’avenir, j’ai envie de retenir cette touche positive.

Blue Ruin : Photo Macon Blair

Selon son réalisateur Jeremy Saulnier, la présentation de Blue Ruin à Cannes à la Quinzaine des Réalisateurs en 2013 a contribué à sa diffusion et son succès.

Et les choses négatives ?

Même si je ne suis pas aussi ronchonne que certain(e)s sur ces points en question mais c’est tout de même bien de ne pas être dans le pays des Bisounours et souligner quelques petits points négatifs. Je dirais tout de même qu’il y a parfois un manque de logique dans certaines répartitions par rapport aux différentes sections. Sans être une fan d’Apichatpong Weerasethakul ou de Naomi Kawase par exemple, est-ce vraiment normal qu’ils aient présenté l’an dernier leurs films en dehors de la compétition officielle alors qu’ils ont gagné des prix (le premier cité ayant tout de même gagné une Palme d’or) ? C’est vrai qu’on a l’impression de voir les mêmes réalisateurs même si je comprends qu’il y a derrière une étiquette à préserver et un certain public à satisfaire. Je veux dire, on a beau critiquer la présence systématique de certains mais dans un sens, s’ils se retrouvaient dans d’autres sections, on râlerait. Après, il faut se poser la question : pourquoi insistent-ils pour rester à Cannes et pas ailleurs ? Il y a aussi le fameux débat sur la découverte de réalisateurs moins confirmés en compet’. Je suis plutôt pour même si j’aime justement le fait que la compétition reste faite pour des confirmés pour montrer justement qu’il s’agit du plus haut niveau du cinéma. Disons que je suis pour quand les jeunes réalisateurs proposent de la bombe. Enfin, la partie glamour peut avoir ses désagréments. Encore une fois sans défendre à tout prix, limite, je comprends le rôle des sponsors, des nanas de L’Oréal (certaines sont même actrices, ne l’oublions pas) même si ça ne donne pas la meilleure image cinéphile. Je pars du principe qu’il y a certainement derrière des enjeux économiques qui nous dépassent quand on ne connait pas particulièrement les coulisses. Ce glamour peut aussi attirer un certain public et c’est pour ça que Cannes existe aussi. Après, je trouve que les limites ont souvent été dépassées quand on voit des starlettes de télé-réalité, désormais des Youtubeurs (je n’ai rien contre eux mais là ils envahissent le cinéma, les librairies etc… c’est bon au bout d’un moment), ou autre chose qui ont tout sauf l’air de s’intéresser au cinéma et qui se trimballent sur le tapis rouge et ont même droit d’aller voir des films alors que de vrais cinéphiles n’ont pas cette chance, oui c’est rageant.

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Oui, à Cannes, des spécimens de ce genre sont sur le tapis rouge.

Source : Twitter Afida Turner

Quelles sont mes Palme d’or préférées ?

(Petite précision 1 : il n’y a pas d’ordre, je réponds de tête)

(Petite précision 2 : j’ai pris en compte certains films qui n’avaient pas l’appellation de Palme d’or étant donné qu’elle n’a été crée qu’en 1955)

Pulp Fiction de Quentin Tarantino, Taxi Driver de Martin Scorsese, Barton Fink des frères Coen, The Tree of Life de Terrence Malick, Dancer in the Dark de Lars von Trier, La Chambre du fils de Nanni Moretti, Le Salaire de la Peur de Henri-Georges Clouzot, Viridiana de Luis Buñuel, Le Guépard de Luchino Visconti, Paris, Texas de Wim Wenders, Elephant de Gus Van Sant, Amour de Michael Haneke, Missing de Costa-Gavras, Mission de Roland Joffé, 4 mois, 3 semaines, 2 jours de Cristian Mungiu, Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, If… de Lindsay Anderson…

Elephant : Photo Gus Van Sant

Elephant de Gus Van Sant – Palme d’or 2003

Et celles que j’aime le moins ?

(Petite précision 1 : Vous devez me promettre de ne pas me taper)

(Petite précision 2 : Ce ne sont pas forcément des films que je déteste  – il y en a peu en réalité dans la liste. Dans le lot, j’en estime certains mais c’est juste que je ne suis pas totalement fan de la proposition et pas d’accord avec le choix du jury).

La vie d’Adèle d’Abdellatif Kechiche, Oncle Boonmee d’Apichatpong Weerasethakul, Dheepan de Jacques Audiard, Rosetta des frères Dardenne, La Leçon de Piano de Jane Campion, Sailor et Lula de David Lynch, Sexe, mensonge et vidéo de Steven Soderbergh, Sous le soleil de Satan de Maurice Pialat.

La Vie d'Adèle - Chapitres 1 et 2 : Photo Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux

La Vie d’Adèle d’Abdellatif Kechiche – Palme d’or 2013

Des prix d’interprétation qui m’ont marquée ?

En vrac (j’ai conscience que je vais en oublier plein que j’adore) : Jack Lemmon (Missing et Le Syndrome Chinois), Björk (Dancer in the Dark), Peter Mullan (My Name is Joe), Jeon Do-yeon (Secret Sunshine), Penélope Cruz / Carmen Maura et cie (Volver), Christoph Waltz (Inglourious Basterds), Brenda Blethyn (Secrets et mensonges), John Turturro (Barton Fink), Pascal Duquenne (Le Huitième Jour), Jean Dujardin (The Artist), Mads Mikkelsen (La Chasse)…

Inglourious Basterds : Photo Christoph Waltz

Christoph Waltz dans Inglourious Basterds de Quentin Tarantino (2009).

Des films présentés en compétition que j’adore qui n’ont pas été récompensés ?

La Grande Bellezza de Paolo Sorrentino, Le Labyrinthe de Pan de Guillermo del Toro, Mia Madre / Habemus Papam / Le Caïman de Nanni Moretti, O’Brother et No Country for Old Men des frères Coen, We need to talk about Kevin de Lynne Ramsay, Mystic River de Clint Eastwood, Ed Wood de Tim Burton, La Valse des Pantins de Martin Scorsese, Une journée particulière d’Ettore Scola, Du Silence et des Ombres de Robert Mulligan.

La Grande Bellezza : Photo Toni Servillo

La Grande Bellezza de Paolo Sorrentino a été présenté en compétition à Cannes en 2013 mais est reparti les mains vides (c’était La vie d’Adèle qui avait remporté la Palme d’or cette année-là). Le film a cependant trouvé son public et a remporté plus tard l’Oscar du meilleur film étranger ainsi  que 4 European Film Awards (dont meilleur film).

Quels sont les films que j’attends le plus cette année à Cannes en compétition ?

Mademoiselle (Agassi) de Park Chan-wook, Julieta de Pedro Almodovar, Loving de Jeff Nichols, Moi, Daniel Blake de Ken Loach, Le Client d’Asghar Farhadi, Juste la fin du monde de Xavier Dolan, Baccalauréat de Cristian Mungiu, Elle de Paul Verhoeven et The Neon Demon de Nicolas Winding Refn font vraiment partie des films que je veux voir au cinéma uniquement parce que j’aime le travail des réalisateurs.

Je suis également curieuse de découvrir American Honey d’Andrea Arnold (j’entends beaucoup de bien sur cette réalisatrice), La Fille Inconnue des Dardenne (pour Adèle Haenel et le sujet), Ma Loute de Bruno Dumont (j’ai trouvé la bande-annonce… étonnante), Paterson de Jim Jarmusch (parce que Jarmusch est capable de signer des bijoux et pour Adam Driver), Personal Shopper d’Olivier Assayas (pour le pitch et pour me forcer à rattraper Sils Maria).

The Neon Demon : Photo Elle Fanning, Nicolas Winding Refn

The Neon Demon de Nicolas Winding Refn (en photo avec Elle Fanning) fait partie de mes plus grosses attentes cannoises.

Green Room

réalisé par Jeremy Saulnier

avec Anton Yelchin, Imogen Poots, Patrick Stewart, Alia Shawkat, Joe Cole, Callum Turner, Mark Webber, Macon Blair…

Thriller américain. 1h36. 2015.

sortie française : 27 avril 2016

interdit aux moins de 12 ans avec avertissement

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Au terme d’une tournée désastreuse, le groupe de punk rock The Ain’t Rights accepte au pied levé de donner un dernier concert au fin fond de l’Oregon… pour finalement se retrouver à la merci d’un gang de skinheads particulièrement violents. Alors qu’ils retournent en backstage après leur set, les membres du groupe tombent sur un cadavre encore chaud et deviennent alors la cible du patron du club et de ses sbires, plus que jamais déterminés à éliminer tout témoin gênant…

Green Room : Photo Alia Shawkat, Anton Yelchin

J’avais failli aller voir Blue Ruin, le deuxième long-métrage de Jeremy Saulnier au cinéma mais ça ne s’est pas fait, à mon grand regret. J’ai donc foncé pour découvrir son troisième long-métrage (son premier étant Murder Party) qui a bénéficié de bonnes critiques mais qui ne va certainement pas rencontrer de succès au box-office, ce qui est regrettable. J’espère qu’il trouvera encore plus de spectateurs avec le temps. Qu’est-ce que la « Green Room » du titre ? Il peut y avoir plusieurs sens. En dehors du film, il s’agit d’un des salons de réception de la Maison-Blanche. Pour la petite info (je précise encore une fois : merci papi wiki), qui peut prendre du sens dans la compréhension générale de l’oeuvre (en tout cas en ce qui concerne mon interprétation) c’est dans cette pièce que le président James Madison y signa la première déclaration de guerre des Etats-Unis. Dans le monde de la musique, et c’est qui semble mis en avant dans un premier temps dans le long-métrage, la « green room » désigne les coulisses. Effectivement, il s’agit même du point de départ de l’intrigue. Je pense qu’une autre interprétation reste envisageable : la forêt, qui entoure le local dans lequel se déroule l’action, est également très présente. C’est un moyen pour renforcer le huis-clos, comme si aucune issue n’était possible même en cas de sortie de la véritable « green room » mais c’est aussi une manière de relier toutes les informations que nous avons dite autour du lieu politique qui existe ayant le même nom que le titre de ce long-métrage. La nature, c’est le lien qu’on peut établir avec la soif de survie et surtout la violence qui déferle à partir d’un premier événement. Green Room semble avoir été vendu comme une sorte de film d’horreur (je ne l’invente pas, je ne fais que répéter les commentaires que j’ai entendus dans la salle de la part de jeunes spectateurs finalement peu intéressés et qui ont commenté tout le long). Il s’agit pour moi d’un survival qui joue avec les codes du film de guerre. Le film assume totalement ce choix avec le parallèle avec l’histoire du paintball racontée par Pat et la transformation des personnages encore en vie qui deviennent des sortes de soldats (que ce soit par le look mais aussi dans la mentalité). Dit comme ça, ça peut sembler assez lourd mais à l’écran, ce parallèle avec la guerre fonctionne et ne gâche pas du tout tout ce qui a été mis en place. De plus, c’était d’autant plus intéressant si on met le thème de la guerre et plus généralement de la violence avec le milieu néo-nazi : ces personnes qui appartiennent à ce groupe ne sont simplement des gens violents.

Green Room : Photo Patrick Stewart

Ce qui est intéressant, c’est de voir l’organisation qui existe au coeur de ce groupe, comme s’il s’agissait finalement d’un camp militaire qui respecterait une hiérarchie. C’est justement ce point-là qui est effrayant, encore plus que la violence qui règne tout le long du film et qui ne fait qu’accroître au fil des scènes. Ceux qui attaquent nos braves punks ne semblent même plus penser par eux-mêmes, ils ne font qu’obéir à des ordres comme des chiens (ces animaux ayant une place importante dans le film). En parlant justement de frayeur, le film est effectivement sans cesse sous tension. Le film n’est pas « gore » contrairement à ce que j’ai pu entendre. Il y a de la violence physique mais c’est plus l’atmosphère sans cesse sous tension que j’ai retenue et qui m’a réellement effrayée. Personnellement, je n’étais pas à l’aise en regardant le film. J’avais toujours l’impression qu’un truc allait partait en brioche en un clin d’oeil. Pour continuer, le casting assure, incarnant tous des personnages crédibles. Anton Yelchin, dont je suis de près sa carrière, s’en sort très bien dans le rôle du guitariste réservé mais qui sait s’exprimer et utiliser son esprit. Alia Shawkat, en bassiste forte, est surprenante. Certes, ça fait un peu cliché de voir encore une bassiste, et non un bassiste dans un groupe de punk en l’occurrence. Mais son interprétation parvient à dépasser l’image qu’on a tous (et je précise d’ailleurs que personne ne tombe dans la caricature). Il est d’ailleurs intéressant de savoir que le rôle qu’elle interprète aurait dû à l’origine être tenu par un acteur (visiblement connu selon les propos du réalisateur). Je trouve que ça ajoute un truc en plus, une force dans son personnage. Ca change des potiches qu’on voit un peu trop souvent au cinéma. Callum Turner et Max Webber, qui incarnent respectivement le chanteur et le batteur du groupe, sont également très convaincants. En tout cas, les quatre interprètes sont tous bons et surtout parviennent à jouer ensemble : du coup, leur groupe semble soudé, on croirait même à leur existence. Imogen Poots livre également une bonne interprétation. Là encore on a droit à un personnage féminin qui a des couilles et qui possède une personnalité intéressante, dans le sens où elle se remet en question par rapport au groupe auquel elle appartient à l’origine. Patrick Stewart dans le rôle du chef des skinheads est également épatant, en étant à la fois charismatique et effrayant. Enfin, on notera également la présence énigmatique de Macon Blair (le personnage principal de Blue Ruin).

Green Room : Photo Alia Shawkat, Anton Yelchin, Callum Turner, Imogen Poots, Joe Cole

Green Room est donc pour moi un film furieux à voir qui mérite bien ses louanges. Certes, il n’est pas a priori parfait. Le début peut sembler un peu long à se mettre en place, surtout qu’on n’en apprend pas plus que ça sur les personnages. L’intrigue en elle-même autour de la « green room » n’intervient également pas rapidement si on regarde bien et peut-être que cela pourra frustrer certains spectateurs. Mais le film m’a tellement intriguée et happée tout le long qu’avec le recul je mets de côté ces petites choses qui pourraient déranger. C’est le genre de film auquel je pense même des jours après l’avoir vu et en général, pour moi c’est très bon signe. Le scénario est simple, il reste néanmoins d’une grande efficacité, à l’image d’ailleurs de la mise en scène et permet de comprendre où Jeremy Saulnier a voulu en venir. Et l’analyse que nous pouvons faire de ce film est pour moi une pure merveilleuse malgré les possibles imperfections visibles. J’aime justement qu’il y ait une apparente simplicité a priori et de voir à quel point il y a plus de profondeur et d’intelligence pour aborder son sujet mais sans intellectualiser à tout prix. Surtout, même si ça ne pète pas nécessairement dans tous les sens, il y a une véritable énergie qui ressort dans ce film. Il faut dire que le scénario étant bâti autour d’un groupe de punk aide beaucoup à insuffler cette dynamique mais je ne pense pas qu’il y ait que cet élément en question. La présence de la musique n’est pas superficielle, tout comme la violence n’est jamais gratuite dans le film. Non seulement il s’agit d’un moyen pour mieux faire ressortir des sentiments primitifs chez les personnages mais je crois qu’il permet au propos déjà mis en place d’avoir encore plus de consistance, notamment autour du rôle des apparences. Surtout, on sent l’amour qu’a Jeremy Saulnier pour le punk, lui-même ayant fait partie d’un groupe (justement, physiquement, il n’a rien d’un punk). La sincérité ne fait pas toujours de bons films, nous sommes bien d’accord, mais pourtant, ce film en déborde tellement au point que ça a fini par me toucher (le terme peut paraître très étrange en parlant de ce film, j’en ai conscience), surtout de la part d’un jeune réalisateur qui fait preuve d’une maturité plaisante à constater.

Green Room : Photo Imogen Poots

The Revenant

réalisé par Alejandro González Iñárritu

avec Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Lukas Haas, Paul Anderson, Kristoffer Joner, Brendan Fletcher, Grace Dove…

Drame, western, aventure américain, canadien. 2h36. 2015.

sortie française : 24 février 2016

interdit aux moins de 12 ans

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Dans une Amérique profondément sauvage, Hugh Glass, un trappeur, est attaqué par un ours et grièvement blessé. Abandonné par ses équipiers, il est laissé pour mort. Mais Glass refuse de mourir. Seul, armé de sa volonté et porté par l’amour qu’il voue à sa femme et à leur fils, Glass entreprend un voyage de plus de 300 km dans un environnement hostile, sur la piste de l’homme qui l’a trahi. Sa soif de vengeance va se transformer en une lutte héroïque pour braver tous les obstacles, revenir chez lui et trouver la rédemption.

The Revenant : Photo Leonardo DiCaprio

Si vous suivez ce blog depuis un moment, vous devez savoir que j’ai un mal fou avec les films d’Alejandro González Iñárritu et j’ai une dent en particulier contre son Oscarisé Birdman. On ne va revenir dessus, je risque de vous gaver. Cela dit, ce réalisateur doit être bien entouré : j’ai beau dire que je déteste ce qu’il fait (ou moyennement pour ceux qui sont un peu plus épargnés), à chaque fois qu’il sort un nouveau film, j’ai envie d’aller le voir. Les sujets qu’il propose, les bandes-annonces vendeuses, le casting… Ses films sont toujours bien « vendus ». Etant donné que j’avais/j’ai une certaine rancoeur envers ce réalisateur (j’en parle comme si je le connaissais personnellement et qu’il m’avait fait du mal, je sais, ça devient grave), je me méfiais tout de même du buzz autour de The Revenant. On ne parlait que de l’Oscar de Leo à venir puis une fois qu’il a eu entre ses mains (sans déconner, on était tous plus ou moins au bord de la crise de nerfs avec cette histoire !), des conditions de tournage difficiles (du genre, on doit aimer ton film parce que les gens qui l’ont fait ont morflé : ça s’appelle du chantage affectif) ou encore d’une affreuse scène avec un ours massacrant méchamment Leo justement. J’étais donc partagée entre curiosité et crainte. C’est pour cette raison que je suis allée voir ce film (issu du roman de Michael Punke, tiré de l’histoire de Hugh Glass) – vraiment – au tout dernier moment. Dans l’ensemble, j’ai été surprise d’aimer The Revenant. Certes, certains points m’ont tout de même gênée, le film n’est pas un chef-d’oeuvre non plus mais je dois avouer qu’il m’a emballée. Comme quoi, tout est possible ! Alejandro González Iñárritu fait partie de ces réalisateurs acclamés parce qu’il met en avant des choix esthétiques. Dans The Revenant, on les retrouve clairement, que ce soit dans les mouvements de caméra, l’image agressive et écrasante ou encore la photographie (on retrouve derrière le talentueux triple oscarisé Emmanuel Lubezki). Dans les précédents films d’Iñárritu, j’avais toujours l’impression qu’il y avait une utilisation gratuite et superficielle de ces choix artistiques. Certes, encore une fois, j’ai tout de même certaines réserves dans le sens où on sent – vraiment – l’influence de Malick (comment ne pas penser au Nouveau Monde avec un tel sujet ? Ou encore à The Tree of Life avec cette obsession pour ces plans d’arbres en contre-plongée ?) et d’autres visiblement. Cela dit, ces choix-là trouvent au moins une signification et ça produit son effet mine de rien.

The Revenant : Photo Grace Dove, Leonardo DiCaprio

Ainsi, j’ai été tout de suite prise dans l’action, le film démarrant assez fort avec cette scène d’attaque spectaculaire et violente dans laquelle on arrive à voir justement tout ce qui se passe à l’écran malgré la multitude de personnages. Les déplacements de caméra sont fluides, nous permettant de comprendre assez rapidement tous les enjeux et de donner encore plus d’intensité à la scène sans pour autant nous donner la gerbe. Dans les scènes marquantes, je reviens justement sur celle avec l’ours qui attaque sévèrement Hugh Glass (donc notre Leo). Je dois avouer : je l’ai trouvée impressionnante. Surtout, au-delà de ces scènes chaotiques, toujours grâce à ce soin esthétique et d’autres choix artistiques, dans l’ensemble, l’atmosphère apocalyptique m’a emportée. J’ai également été sensible du propos autour de l’homme miniature face à la grandeur de la nature indomptable. Finalement, le spectateur se retrouve en quelque chose dans la peau de Glass : on ne doit pas toujours faire appel à notre raison mais plutôt à notre instinct. Même si je ne pense pas qu’Iñárritu arrive au talent de Malick en ce qui concerne la représentation de la symbiose entre l’homme et la nature, il parvient tout de même à la mettre en scène magistralement, en nous touchant et en ayant la sensation qu’on a vécu une expérience au cinéma. Après, je regrette tout de même plusieurs éléments, ce qui explique quelques réserves. Tout d’abord, justement, le pari de l’expérience ne tient pas totalement sur la durée. Je ne me suis pas ennuyée car encore une fois, j’ai été captivée par cette aventure qui met en avant un point important de l’histoire américaine. Mais l’aspect expérimental est un peu gâché par des problèmes de rythme qui surviennent au cours de la deuxième partie. J’ai trouvé l’histoire intéressante et le traitement autour de la nature assez réussi, le scénario m’a également semblé efficace. Cela dit, on a beaucoup vendu ce film comme une histoire de vengeance et c’est vrai que ce point est bien présent. Je ne dis pas que c’est nécessairement mal traité mais ça m’a paru beaucoup moins poussé que les autres thèmes présents. Les tics superficiels ne sont parfois pas si loin que ça, même si heureusement la qualité globale les empêche.

The Revenant : Photo Tom Hardy

On a beaucoup parlé de l’Oscar de Leonardo DiCaprio. Depuis des années, la statuette lui a tant échappé alors qu’il méritait de la recevoir à plusieurs reprises. En tant que grande fan de DiCaprio, avant de découvrir le film, j’étais évidemment contente qu’il remporte cet Oscar pour l’ensemble de sa carrière. Après, il faut se rendre à l’évidence : un Oscar est attribué pour une interprétation en particulier. Il faut alors juger sur son travail dans The Revenant. Honnêtement, qu’en ai-je vraiment pensé ? Face à ses concurrents, c’était bien celui qui méritait le plus la statuette pour moi. Après je dois avouer que je m’attendais à « mieux ». Je m’explique : je trouve Leo très bon. Evidemment,  j’ai une pensée pour son travail très physique dans le froid, ça se ressent à l’écran et c’est quelque chose qu’on ne doit pas négliger dans le sens où il parvient à donner une crédibilité et même une épaisseur à son personnage. Mais du coup, je trouve que l’interprétation plus générale est un peu en dessous de mes attentes, comme si le film en lui-même prenait un peu trop le dessus ou plutôt comme si tout le travail physique dans lequel l’acteur s’est tant investi envahissait le reste de la performance. Après encore une fois, Leonardo DiCaprio livre tout de même une bonne interprétation mais je préférais exprimer mon petit bémol. J’avoue que j’aurais préféré qu’il remporte la fameuse statuette pour un autre film. J’ai été plus surprise par l’interprétation de son partenaire, Tom Hardy, enfin nommé aux Oscars. Je veux dire, je n’ai jamais douté de son talent, je l’ai toujours trouvé excellent. Mais vu tout le foin qu’on a fait autour de Leo, on avait presque fini par oublier qu’il avait un partenaire. Or, Hardy mérite qu’on parle de lui parce que justement il parvient mieux à allier interprétation et travail physique. De plus, il a beau jouer le méchant de l’histoire, il réussit à ne pas tomber dans la caricature alors qu’il y avait tout pour qu’il tombe dans ce piège. Dans des rôles plus secondaires, j’ai également aimé retrouver Domhnall Gleeson, qu’on voit décidément partout en ce moment. Je comprends l’engouement autour de cet acteur : on a beau le voir que quelques minutes, il a une véritable présence ! Enfin, Will Poulter s’en sort également bien et prouve qu’il peut être bon quand il est bien dirigé (je fais partie de ces gens traumatisés par sa présence dans Le Labyrinthe…).

The Revenant : Photo Leonardo DiCaprio

Bilan – avril 2016

Cinéma

Les films sortis en 2016

Sky (Fabienne Berthaud, 2016) 2/4

Midnight Special (Jeff Nichols, 2016) 4/4

The Revenant (Alejandro González Iñárritu, 2016) 3/4

Musarañas (Juanfer Andrés et Esteban Roel, 2016) 4/4

Green Room (Jeremy Saulnier, 2016) 4/4

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Rattrapages

Les Gardiens de la Galaxie (James Gunn, 2014) 4/4

Toi, moi… et Duprée (Anthony & Joe Russo, 2006) 2/4

La Liste de Schindler (Steven Spielberg, 1993) 3/4

Avanti ! (Billy Wilder, 1972) 2/4

The Wig (Won Shin-yeon, 2005) 2/4

Les Flingueuses (Paul Feig, 2013) 3/4

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Télévision

The Walking Dead (saison 6, 2015) 4/4

Girls (saison 5, 2016) 4/4

Six Feet Under (saison 1, 2001) 4/4

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Lectures

Noble Semaine(s) en Famille(s) (Lisa Giraud Taylor, 2015) 3/4

Tombée du ciel (Cecilia Ahern, 2013) 3/4


Movie Challenge 2016

On en est où ?

 

– un film français : Les Enfants du Paradis de Marcel Carné (1945)

– un film adapté d’un livre : Tale of Tales de Matteo Garrone (2015).

– un film ayant lieu dans un endroit que j’ai toujours rêvé de visiter

– un film tourné/sorti cette année : Carol de Todd Haynes (2016)

– un film tourné/sorti l’année de ma naissance (soit 1993) : La Liste de Schindler de Steven Spielberg (1993)

– un film tourné par un réalisateur de moins de 30 ans

– un film dont le titre contient un numéro : Les Sept Samouraïs d’Akira Kurosawa (1954).

– un film ayant de mauvaises critiques : Toi, moi… et Duprée de Anthony et Joe Russo (2006).

– une comédie : Les Muppets, le retour de James Bobin (2011).

– un film réalisé par une femme : Surveillance de Jennifer Lynch (2008).

– un film dont le héros n’est pas humain

– un film qui a une suite

– un film que j’ai vu quand j’étais (plus) jeune : Little Miss Sunshine de Jonathan Dayton et Valerie Faris (2006).

– un film se déroulant dans le futur

– un court-métrage

– un film se déroulant à l’étranger : Transsiberian de Brad Anderson (2008).

– un film qui n’est pas en anglais ni en français : Mustang de Deniz Gamze Ergüven (2015).

– un film se passant au lycée : Elle est trop bien de Robert Iscove (1999).

– un film dont le titre comporte une couleur

– un film qui m’a fait pleurer

– un film que j’ai vu plus de deux fois : Walk Hard – The Dewey Cox Story de Jake Kasdan (2007).

– un film d’un réalisateur que j’adore : Kes de Ken Loach (1969).

– un film avec une actrice que j’adore : Diamants sur canapé de Blake Edwards (1961).

– un film avec un acteur que j’adore : Avanti de Billy Wilder (1972).

– un film ayant obtenu un Oscar

– un film d’horreur : The Wig de Won Shin-yeon (2005).

– un film commencé que je n’ai jamais terminé

– un dessin animé

– un biopic historique

– un film LGBT : Une journée particulière de Ettore Scola (1977).

– un film que je veux voir depuis des années sans en avoir l’occasion : Music Box de Costa-Gavras (1989).

– un film recommandé par quelqu’un

– un film en noir et blanc

– un film basé sur des faits réels : Bowling de Marie-Castille Mention-Schaar (2012)

– une comédie musicale

– un film qui m’a fait pleurer de rire : Les Flingueuses de Paul Feig (2013).

– un film de guerre

– un film adapté d’un roman graphique ou d’un comic : Les Gardiens de la Galaxie de James Gunn (2014).

– un film avec un mariage : Bachelorette de Leslye Headland (2012).

– un film d’un réalisateur asiatique

– un film que ma mère adore